Cultura y Espectaculos

Cavernícola intuitivo, artista conceptual

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Categoría: Cultura y Espectaculos Creado: 26 Septiembre 2016 Visto: 2689

cavernicula Itzel Fernández Ortega. Algarabía

Este artista ensambla elementos que funcionan como pinturas, aunque al parecer no lo sean.

Boris Viskin es un artista mexicano que nació en 1960 y pertenece a una generación de pintores cercanos al arte, con notable profesionalismo. Su niñez transcurrió en la Ciudad de México, pero su juventud sucedió en Israel –Jerusalén, Tel Aviv y Kibutz Galed–, posteriormente pasó tres años en Florencia, Italia, donde comenzó formalmente su carrera pictórica.
En 1985 regresó a la Ciudad de México y formó parte de los talleres de grabado y litografía de la Academia de San Carlos. Desde 1984 comenzó a exponer sus obras tanto en México como en el extranjero.
Según ha relatado él mismo, su primer encuentro con en arte fue a través de la religión católica.

Tres imágenes que colgaban de la pared provocaron que ligara la belleza y el dolor, a partir de entonces, según confiesa: «lo divino y el arte están ligados para mí de manera indisoluble. Por más mundano que sea el tema, si me conmueve, esa emoción la vivo como una iluminación, como una aparición».
Autorretrato constructivista; colección del Museo de Arte Moderno

Esa iluminación también llegó cuando supo desde temprana edad que las imágenes y el espacio eran un mundo más sólido y seguro para él. «La pintura, con todas sus limitantes, ha sido para mí el medio ideal para hilar mis múltiples y contradictorias personalidades. A ratos me siento un cavernícola intuitivo; a ratos, un artista conceptual».
Boris es un artista bastante culto, ha estudiado la historia del arte por lo que las figuras protagónicas de sus obras representan una gran influencia para él.

Sin embargo, para Iñaki Herranz, curador de arte moderno, Viskin «no cae en la paráfrasis ni en el pastiche, sino en la actualización de lenguaje que puede ser entendido como homenaje». Sí, el trabajo de Viskin se nutre de innumerables alusiones a obras maestras o artistas –pintores, cineastas, músicos y escritores– que participan con diversos propósitos, quizá el más notable sea el de concederles un nuevo significado.
El cementerio de los dibujos; colección del Museo de Arte Moderno

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Evidentemente el tema más recurrente en sus obras ha sido la historia del arte, pero también ha abordado diversas materias como la fe, los autorretratos, el jazz, los caminos, la integración de objetos, juegos de palabras y el lenguaje. De esta manera, Viskin es incluso un compositor, ensambla elementos que funcionan como pinturas aunque al parecer no lo sean. Para lograrlo, uno de sus recursos es el collage o los relieves con técnicas mixtas que nos hace recordar el constructivismo.
Además, la característica primordial de sus composiciones es que son antisolemnes, destacan por su humor e ironización de los temas tratados.

El ingenio de Viskin cuestiona la definición y el carácter absoluto de la belleza. Aunque pertenece a cierta generación de artistas, su obra es diferente a la de sus contemporáneos ya que el carácter de su pintura es abiertamente conceptual. Es una pintura que va más allá de los límites porque mezcla con toda libertad diversas formas discursivas.
La aparición del arte moderno; colección del Museo de Arte Moderno
Actualmente, el artista ha llegado a su madurez, lo muestran sus obras en las que cada vez se requiere de una apreciación particular. Las obras invitan a un ejercicio de contemplación en el que es difícil interpretar su concepto de belleza con un sólo vistazo. Para Boris, en sus obras la belleza no es una cosa manifiesta, sino una consecuencia de la mirada de su espectador.

Agustín Arrieta

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Categoría: Cultura y Espectaculos Creado: 24 Septiembre 2016 Visto: 3552

Agustín Arrieta CORACYT

Historiadora de arte habla sobre la vida y obra de Agustín Arrieta pintor costumbrista del siglo XIX

Agustín Arrieta, pintor costumbrista del siglo XIX tlaxcalteca nacido 29 de agosto de 1803, en Santa Ana Chiautempan y fallece 22 de diciembre de 1874 en Puebla de Zaragoza, habla sobre él Mariana Herrera Molina, Historiadora de arte, en entrevista para Sistema de Noticias comenta

Pintor del siglo XIX, muy famoso por sus escenas costumbristas pero sin dejar de lado la creación de los bodegones en su antigüedad llamados también salas de comedor, esto nos remonta hasta la Grecia antigua donde ya se presentaban este tipo de representaciones

Sin embargo, lo que más ha llamado la atención de los estudiosos y del público en general de Arrieta son sus escenas costumbristas de lo que él veía en su transitar por las calles, continúa la historiadora

Lo mismo te muestra, el maestro Arrieta te muestra un mercado, te muestra una cantina, te muestra una pulquería, te muestra al indigente, a sus famosas chinas todas bellas y que tal parece que repite los mismos modelos en muchas de sus escenas
Muchas veces las personas ven el arte solamente en el concepto del placer, de deleitar la vista, no, muchas obras de arte son históricas

Nos muestran pasajes de la vida en ellas, si observamos detenidamente vemos ese pasar de las modas por ejemplo en el vestido, esas frutas, las comidas de los lugares, todo el regionalismo que se puede encontrar sin estar peleado con las cosas que vienen de otros lados o sea, realmente Arrieta nos presenta una gama cultural en sus obras inmensa que no cualquier artista se atreve a mostrarlo
El maestro Arrieta dominaba perfectamente la técnica de la iluminación en la pintura
El maestro Arrieta te domina la técnica del color con una gran maestría, te resuelve perfectamente la luz en el cristal, te da el brillo pero aparte, si tú ves uno de sus cuadros, existe un cuadro donde te presenta el cristal y al mismo tiempo te presenta una pieza de plata, ninguno de los 2 brillos se contrapone, los dos brillan en su exacta dimensión no chocan uno con otro, ves la dureza y ductilidad de la plata pero ves el cristal con su pureza, con su brillo con la luz que te refleja
El Maestro Agustín Arrieta también hacía retratos, un ejemplo de ello se encuentra en el Museo de Arte de Tlaxcala actualmente, de ello comentará en una segunda parte de la entrevista la historiadora de arte Mariana Herrera Molina

Grupos internacionales en el FIT 2016

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Categoría: Cultura y Espectaculos Creado: 24 Septiembre 2016 Visto: 2587

Grupos internac. FIT 2 CORACYT
5 grupos internacionales que el público podrá disfrutar en la trigésima primera edición del Festival Internacional de Títeres “Rosete Aranda
El Festival Internacional de Títeres “Rosete Aranda” en su trigésima primera edición se realizará del 9 al 20 de octubre, aquí les presentamos las 5 agrupaciones internacionales restantes seleccionadas para su participación en dicho festival.
Scott Land Marionettes abrió sus puertas en 1985. Desde entonces, ha realizado cerca de 10 mil espectáculos en los teatros de todo el mundo, centros de convenciones, parques temáticos, eventos corporativos y en las líneas de cruceros. Scott ha entretenido en fiestas privadas a más celebridades que cualquier otro titiritero. Sus habilidades interpretativas sazonados están en exhibición en casi todas las escenas de la película de Paramount Pictures Team America, entre otros.
Viktor Antonov es considerado un gran maestro en la técnica de manipulación con hilos en Rusia. Mezcla con genialidad la destreza de la manipulación con el humor y la ternura de los personajes. Un titiritero formado en el cine que le pone a sus muñecos una espectacularidad propia de ese formato. Sus muñecos, creados y manipulados con una técnica exquisita y depurada, sorprenden por su vida y plasticidad.
Justo Thaus. Malagueño residente en Barcelona, Justo Thaus siempre lleva un As en la manga y con una simple bolita de papel es capaz de crear una sonrisa. y es que vive de crear ilusiones... Con El Gran Carlini, la primera marioneta de hilos que hace magia, fusiona magia y marionetas. Un número musical en el que Carlini no crea magia para engañar al público, sino para fascinar con la ilusión de su propia existencia. Lleno de ternura, audacia y lirismo
Pavel Vangeli, Una actuación basada en el jazz, el blues y el swing y el humor de las marionetas de hilo. Pavel ha recibido prestigiosos premios como la “Luna de Plata” en el Festival Internacional de Títeres de Pisa Italia, la “Marioneta de Oro“ en Italia en 2000; o el Festival Internacional de Marionetas “Joy of children” del teatro de títeres Tandarica, Bucarest, Rumanía, en 2010.
Nikolai Zykov es un famoso titiritero que ha mostrado su arte en más de 40 países, construido más de 200 marionetas de mano, varilla, controlados por radio y marionetas innovadoras. Es autor, director, artista e intérprete.
Nikolai Zykov Teatro preserva y desarrolla el arte de marionetas basado en las antiguas tradiciones de diferentes países del mundo mediante el uso de materiales y tecnologías innovadoras, sus funciones son sin palabras.

5 grupos internacionales que el público podrá disfrutar en la trigésima primera edición del Festival Internacional de Títeres “Rosete Aranda”, continuaremos poco a poco conociendo los nacionales y locales.

Inicia Feria Internacional del Libro de Antropología e Historia

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Categoría: Cultura y Espectaculos Creado: 24 Septiembre 2016 Visto: 2583

feria del libro La Jornada
Ciudad de México. La edición 28 de la Feria Internacional del Libro de Antropología e Historia (FILAH), que tiene como invitados a Yucatán y Guatemala, inició hoy con la entrega del Premio Antonio García Cubas 2016, que reconoce al mejor libro y labor editorial del ámbito de la Antropología y la Historia a nivel nacional.
En el Auditorio Jaime Torres Bodet del Museo Nacional de Antropología, Diego Prieto Hernández, secretario técnico encargado de la dirección del Instituto Nacional de Antropología e Historia (INAH), señaló que la feria del libro forma parte de la misión de la institución y recordó que en 1989 se realizó la primera FILAH para promover la producción editorial en torno a temáticas sobre antropología e historia ya que permite un vínculo entre editores, investigadores y académicos.
El titular de la Secretaría de Cultura federal, Rafael Tovar y de Teresa, celebró la llegada de la edición 28 de la FILAH ya que se crea un espacio particular a temas que son parte del trabajo académico, antropológico, arqueológico e histórico.
El funcionario aprovechó la ceremonia de inauguración para señalar que el INAH desde su creación se ha convertido en el núcleo y la verdadera fortaleza de nuestra historia.
A la apertura de la feria en el Museo Nacional de Antropología asistieron el gobernador de Yucatán, Rolando Rodrigo Zapata Bello y el embajador de Guatemala en México Arturo Romero Duarte Ortiz, así como Felipe Garrido y Antonio Saborit, director del recinto museístico.
En la inauguración se entregó reconocimiento a la publicación La real expedición botánica a Nueva España. Volumen XIII, ornitología, de José Mariano Mociño y Martín de Sessé, publicado por Siglo XXI Editores, en la categoría de Obra Científica.
En Obra de Divulgación se reconoció a ¿Cómo se hace un Dios?: creación y recreación de los dioses en Mesoamérica, de Enrique Florescano, editado por Random House/Taurus; el libro El umbral: María Teresa de Medina, la dama insurgente, de Roberto Peredo y publicado por la Universidad Veracruzana, fue premiado en la categoría de Novela Histórica.
En obra infantil el libro ganador fue Monos: mensajeros del viento, con textos de Ana Paula Ojeda e ilustraciones de Juan Palominos, cuya edición realizó Tecolote S.A. de CV. En la categoría de Obra Juvenil, el ganador fue Mito, leyenda e historia de Quetzalcóatl: la misteriosa serpiente emplumada, de Luis Barbeytia.
El volumen Alfredo Gautí Rojo y el Museo Nacional de la Acuarela con textos de Miguel León Portilla, Francisco José Macedo de Jesús, Ana Garduño Ortega, Martha Orozco Escudero, Alicia Leyva y Manuel Arrieta, fue reconocido en la categoría de Libro de Artes.
Javier Marín, Tierra. La materia como idea, coordinado por Cándida Fernández de Calderón, fue el texto ganador en la categoría Catálogo, mientras que en la categoría Edición Facsimilar el premio fue para el libro Indumentaria antigua mexicana: armas, vestidos guerreros y civiles de los antiguos mexicanos, cuyo diseño editorial Miguel Ángel Porrúa. La categoría Libro de Texto Escolar se declaró desierta.
De acuerdo con los organizadores, este año recibieron 105 de 45 editoriales, de las cuales se hizo una rigurosa selección de las obras ganadoras a partir de su aporte intelectual, organización y disposición de la información.
El premio en cada categoría asciende a 50 mil pesos destinados a la adquisición de ejemplares que enriquecerán los acervos bibliográficos del INAH.
La FILAH del 22 de septiembre al 2 de octubre ofrecerá más de 13 mil títulos y su programación contempla seis foros académicos, 118 presentaciones editoriales, 17 talleres, 50 actividades artísticas, así como la proyección de 37 películas entre cortometrajes y documentales.

Anuncian nuevas actividades del Festival Shakespeare y Cervantes viven

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Categoría: Cultura y Espectaculos Creado: 24 Septiembre 2016 Visto: 2567

La Jornada
Ciudad de México. Un Romeo y Julieta con actores sordos, un Quijote con actores británicos, una conferencia sobre el espacio isabelino, un duelo de improvisación en rap en torno a la figura y obra de Cervantes, otro Romeo y Julieta con actores griegos, una lectura dramatizada en la que Shakespeare y la Reina Isabel I dialogan sobre qué es el amor y una versión en multimedia de los sonetos del dramaturgo inglés; son algunas de las 50 actividades que integran el Festival Shakespeare y Cervantes vive, 4 siglos de mitotes, que se realizará durante 30 días, del 1 al 30 de octubre, en el Centro Cultural Universitario.
El festival forma parte del Shakespeare Lives, programa a escala global formado por infinidad de actividades en distintos países para conmemorar el 400 aniversario luctuoso del dramaturgo inglés, iniciativa encabezada por el British Council, efeméride que coincide también con los 400 años de muerte de Miguel de Cervantes Saavedra.
Para dicha fiesta se han articulado 22 obras de teatro, 19 de ellas nacionales, tres internacionales, 20 obras para adultos, dos para niños y otras dos de teatro cabaret, seis conciertos, 10 conferencias, charlas y talleres, tres lecturas dramatizadas, cuatro presentaciones de libros y tres actividades de animación y multidiciplina, explicó Lorena Maza, titular de la Dirección de Teatro de la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM).
Durante la conferencia de prensa para dar a conocer los detalles del festival, Lorena Maza, Kevin Mackenzie, director del Brithis Concil, Luis de Tavira, director de la CNT y Edgardo Bermejo, director de Arte y Cultura del Brithis Concil México, destacaron que con la realización del Festival Shakespeare y Cervantes vive, 4 siglos de mitotes, se ve reflejado y se reconoce que en el país, “hay una tradición mexicana para Shakespeare, que se podría decir comienza en 1821, cuando según se sabe fue la primera representación de un Hamlet, en México”, comentó Bermejo.
De Tavira destacó que con la realización durante 30 días del festival, “se sigue contribuyendo a la cultura en medio de la barbarie”.

El Punk

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Categoría: Cultura y Espectaculos Creado: 24 Septiembre 2016 Visto: 2740

punk Algarabía
La «conciencia colectiva» sesentera se había fracturado a tal grado que era difícil tener al menos un ideal —y ni hablar del ideal del «amor y paz».
El 4 de julio de 1976, millones de estadounidenses celebraban con bombos y platillos el bicentenario de su independencia. Al mismo tiempo, cuatro neoyorquinos montaban su propia fiesta en el London’s Roadhouse, aporreando otros bombos y otros platillos al ritmo de canciones cortas, directas e incendiarias. La banda se llamaba The Ramones, y su influencia en la contracultura y la música habría de inyectar sangre nueva y vigorosa a la escena del rock del ultimo cuarto del siglo XX.
A mediados de la década de los 70, la industria del disco era revitalizada por el surgimiento de sellos independientes que trajeron a escena nuevos géneros musicales. Para 1976, la manera en que se producía, tocaba y escuchaba música, había cambiado: las viejas estrellas del rock se habían desvanecido, y otras nuevas señalaban nuevos caminos y tendencias.
Algo similar había sucedido en 1966, cuando el rock que conocemos nació debido a las revolucionarias grabaciones de Bob Dylan, Frank Zappa, The Doors, Pink Floyd y The Velvet Underground. Pero una década más tarde, la explosión creativa —aunque muy similar a la de los años 60— tenía un cariz muy distinto: los sesenta fueron una década francamente optimista, en la que los jóvenes creían que podían cambiar el mundo; diez años después, sólo los muy ingenuos podían creer en el triunfo de la paz y el amor, y los jóvenes habían dejado de creer en las autoridades, en la sociedad y en el mundo.
Los jóvenes sentían una gran impotencia, no sólo porque no tenían el poder en sus manos, sino porque se daban cuenta de que había poco que ellos pudieran hacer.
Claramente, sólo el dinero importaba, y la mayor parte de los actores sociales estaban corrompidos —incluyendo a muchos rockstars, quienes llenaban estadios, vendían millones de discos y se enriquecían a costa del mismo sistema capitalista que habían criticado—. Esto era peor que una dictadura, porque no había un dictador contra quien levantarse.
De los 60 a los 70
El idealismo agonizaba y el materialismo ganaba terreno; los 60 habían sido la época de lo excéntrico, lo inusual, el compromiso y la participación social; los 70 marcaban el regreso a la «vida normal», a la mediocridad, a la uniformidad y a la indiferencia. La contracultura había sido vencida por el establishment. La revolución se había perdido.
They’re forming in straight line / They’re going through a tight wind / The kids are losing their minds / The blitzkrieg bop... [Ellos forman una fila / y caminan contra el viento, / los chicos se están volviendo locos, / el Blitzkrieg Bop...] «Blitzkrieg Bop», The Ramones
Los adolescentes de los setenta crecieron en una década bastante aburrida, y en su horizonte sólo se veía una carrera universitaria, encontrar un empleo y casarse. Sus padres habían combatido a los nazis; sus hermanos mayores eran los baby boomers,hijos de la bonanza económica; ellos no eran «nada».
Los jóvenes músicos de 1976 transpiraban esa sensación de hastío con un sonido áspero y burdo, letras desencantadas poco complacientes.
Estas circunstancias dieron pie a una «depresión generacional» entre los jóvenes, que se caracterizaba por la violencia, la aburrición y el nihilismo.
La ciudad de Nueva York era la meca de esta «nueva ola» de músicos, muchos de los cuales fueron llamados punks —que quiere decir «novicio, joven sin experiencia; rufiancillo»— y conformaron un fenómeno que se propagó por toda la Unión Americana como antes lo había hecho el love and peace de los hippies, sólo que elpunk era prácticamente lo opuesto.
Los punks eran perros callejeros, no pacifistas; su lenguaje era vulgar, no suave; buscaban la emoción y no el éxtasis o la trascendencia de la conciencia; no creían en las marchas, los movimientos o la organización, ya que su propia vida como punks era su modo de protesta.
«Punketos» malditos
Herederos de los «poetas malditos» del rock —Lou Reed, Jim Morrison e Iggy Pop—, los new bohemians colocaban el énfasis en lo que se decía más que en cómo se decía. Los profetas de esta nueva generación fueron Patti Smith, Television y Tom Verlaine, que compartían un estilo rotundo que rechazaba el virtuosismo y la grandilocuencia de las estrellas del rock. Pero la banda que tendría mayor impacto en el mundo sería The Ramones, que tocaba rock & roll muy torpemente a velocidades supersónicas, no eran intelectuales ni tenían pretensiones artísticas. Pero eso era justo lo que legiones de jóvenes frustrados habían estado esperando.
I am an antichrist / I am an anarchist / Don’t know what I want / But I know how to get it/ I wanna destroy passer by... [Soy un anticristo, / soy un anarquista, / no sé lo que quiero / pero sé como obtenerlo, / quiero destruir lo que está a mi paso...] «Anarchy in the U.K.», The Sex Pistols
Acércate también a las letras y el rock
La efervescencia de la escena subterránea neoyorquina resultó ser muy contagiosa. La gira de The Ramones por la Gran Bretaña encendió una llama que se alimentó del desempleo y la pobreza que el régimen thatcheriano había impuesto a las clases bajas, y que amenazaba con dinamitar el tejido social.
El fenómeno de los hooligans, así como la pasión británica por beber y pelear, fueron un caldo de cultivo para que los punk se convirtieran en algo mucho más serio: si bien en los EE. UU. existían más jóvenes frustrados que se identificaban con ellos, en la Gran Bretaña eran muchos menos, pero más radicales, muy violentos, cínicos, anarquistas, inmorales y casi analfabetas —en algún medio se les llamó «los nuevos bárbaros».
Fiebre punk
De pronto, surgió en Inglaterra una fiebre punk que se reflejó en la música, en la moda y en la sociedad: ser punk —o parecerlo— se volvió cool, y surgieron muchas bandas que seguían los pasos de The Ramones, y cuyas presentaciones en vivo eran como si se destapara una cloaca: su música era simple —a veces sólo gritaban un estribillo lo más ruidosa y rápidamente posible—, odiaban todo y a todos, sin ira ni depresión, sólo con una aversión absoluta; les gustaba provocar y pelear, y no desaprovechaban cada oportunidad que tenían de hacerlo.
El manager inglés Malcolm McLaren fue quien moldeó el punk en la Gran Bretaña cuando lanzó a la paradigmática banda The Sex Pistols —que era como The Ramones, pero en heroína y Valium— y lo volvió un asunto de moda, provocativa y llena de estoperoles, a través de su boutique londinense.
The Sex Pistols eran antimusicales, antimelódicos, y actuaban como si su único propósito fuera generar desorden y escándalo; duraron sólo dos años juntos, pero cambiaron para siempre el rostro del rock solamente con dos discos sencillos —«Anarchy in the u.k.» y «God Save the Queen» — y un álbum —Never Mind The Bollocks (1977)—; la confrontación de la voz de Johnny Rotten y sus letras hicieron que sus canciones fueran prohibidas en el Reino Unido. Después de los Pistols, vinieron bandas como The Clash —con una vena más intelectual y preocupados por temas sociales—, Generation x o The Buzzcocks.
Don’t be told what you want / Don’t be told what you need / There’s no future, no future, / No future for you... [Que no te digan lo que quieres / que no te digan lo que necesitas. / No hay futuro, / no hay futuro para ti...] «God Save The Queen», The Sex Pistols
La llama de la anarquía se había encendido y se propagaba con furiosa rapidez a otros países. En Alemania, por ejemplo, una de las abanderadas punk fue Nina Hagen, y el movimiento se vinculó tanto con corrientes contestatarias de izquierda como con ultraderechistas como los skinheads de tendencias neonazis, que reconocieron al punk por su tendencia «contra el sistema»; en España, cuya sociedad estaba en el destape de 40 años de dictadura franquista, el punk se convirtió en una válvula de escape para una juventud hasta entonces reprimida.

Alfredo, un hombre elotero y artista del chileatole

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Categoría: Cultura y Espectaculos Creado: 24 Septiembre 2016 Visto: 2886

atolwe Publicado por Juan Luis Cruz Pérez. La Jornada de Oriente

Alfredo Popócatl Sampedro es un joven que desde que tiene uso de razón ha vivido en torno a la transformación del elote en exquisitos y tradicionales guisos. Foto:Alejandro Ancona/La Jornada de Oriente
“Bendito el alimento que da la tierra, porque no solo de él me alimento, sino que me da la oportunidad de lograr el sustento de mi familia”, asegura Alfredo Popócatl Sampedro, un joven que desde que tiene uso de razón ha vivido en torno a la transformación del elote en exquisitos y tradicionales guisos.

Él, a sus 35 años de edad, ya forma parte de la tercera generación de una familia “elotera”, como se define, pues su principal actividad económica es en torno a la producción de esquites, chileatole y desde luego los elotes hervidos, los cuales comercializa desde hace 25 años en el vértice que hacen las calles 1 de Mayo y Lardizábal de la ciudad de Tlaxcala.
Alfredo se dice orgulloso de su actividad, la cual realiza todos los días sin descanso y con la principal satisfacción que de esta ahora vive su familia, es decir, su esposa y su pequeña hija, quienes son sus principales alicientes pero también las críticas de su gustado chileatole.

La actividad de elotero, como él la llama, nace hace más de 50 años, pues asegura que “mi abuela materna fue la primera elotera de Tlaxcala, ella empezó en lo que se conoce como el callejón del hambre”, una calle cercana al Palacio Legislativo en la que, antaño, existían taqueros y vendedores de diversas viandas.

“De chiquillos la acompañábamos, pero como mi padre también se dedicó en su tiempo a la misma actividad, porque aprendió y nos enseñó el oficio, nosotros nos abocamos a ayudar al viejo, porque de ahí comíamos”.
Así, sin pensarlo, se fue adentrando a la actividad y, sobre todo, para aprender los secretos del oficio, “porque aunque es bonito, también, como todo, tiene su chiste, debes de darle su sazón, su cocción y, sobre todo, saber escoger los elotes, ahí está el éxito creo yo, porque si tienes buenos elotes, puedes hacer casi lo que sea”.

Eso Alfredo lo ha aprendido con el paso de los años, porque “mi papá, si puedo decir que me enseñó todo, fue un gran maestro, me dijo como desojar o pelar los elotes, cómo desgranar, cómo agarrar las piezas y darle el tiempo adecuado a la cocción. Se puede decir que seguimos su receta y creo que eso nos da la posibilidad de que casi todos los días terminemos lo que traemos”.

Son al menos 100 elotes los que todos los días prepara para sus clientes y personas que buscan sus preparaciones.

“Si es pesado, pero vale la pena, porque nos ganamos el sustento al día pero haciendo lo que nos gusta. A veces cuando hay festividades tenemos que salir, algunos nos vamos a las ferias y mi esposa se queda acá en el negocio, la idea es sacar los gastos y aprovechar cuando hay oportunidad”, dice.

Los días que tiene que surtirse de mercancía, el horario de trabajo de Alfredo se adelanta, porque tiene que iniciar desde las 6 de la mañana y al final de la jornada, que se prolonga hasta después de las 10 de la noche, es cuando regresa a su hogar.

“Ese día es pesado, porque temprano me voy a Puebla, a la central de abastos para comprar mis elotes, a veces me traigo hasta 300, los cuales acomodo bien en el coche para después, en su casa, limpiar y empezar a preparar el cocido, la desgranada y demás, es duro ese día pero no podemos hacer otra cosa”.

El preparado del producto inicia alrededor de las 12 horas, cuando prende el fuego con carbón, el cual sirve para hervir el agua en donde se cuecen los elotes que sirven para la venta. Pero mientras eso ocurre, la mitad de la producción o elotes son desgranados meticulosamente a fin de que se cuide que éstos salgan enteros en sus granos para preparar el chileatole y el esquite.

Alfredo, ese hombre que tiene sus orígenes por el lado de su madre, allá en Santa Apolonia Teacalco, y de su padre, en Texantla, comunidad de Panotla, no duda en asegurar que el chileatole es el que tiene mayor demanda, pues considera que es único en Tlaxcala.

“La receta está en el chile, el epazote y, desde luego, en el sabor del verde, a veces son hojas de calabazas o erizos, otras hasta espinacas, pero siempre su cocido perfecto para que no se cueza de más el atole que se hace con la masa. Tiene su chiste, su cuidado”, dice Alfredo.

De acuerdo con el libro Breve historia de la cocina mexicana de Jesús Flores y Escalante, la leyenda cuenta sobre la invención del chileatole que “dos muchachas, vendedoras callejeras de comida, una de atoles y otra de frituras, quienes, al competir por los favores de un mismo galán, le pidieron que eligiera cuál era el mejor de los dos tipos de guisos; él, sensato y marginalista, optó por decir que ambos le gustaban pero que lo mejor sería mezclarlos, y así la fábula cuenta cómo nació el chileatole”.

Se edifican dos museos más en el complejo turístico de La Constancia Mexicana

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Categoría: Cultura y Espectaculos Creado: 24 Septiembre 2016 Visto: 2738

edifican dos museos La Jornada de Oriente

Se extiende el complejo turístico que se edifica en la antigua ex fábrica textil La Constancia Mexicana, a unos pasos de la residencia del gobernador de Puebla Rafael Moreno Valle Rosas, con la instalación de dos museos más de los tres ya existentes.
Se trata de la Casa de la Música Mexicana y el Museo del Automóvil, que se suman a la Casa de Viena en Puebla, el Museo del Títere y el Museo Infantil.
Sin olvidar que en la misma zona se encuentra la sede nacional de la Orquesta Esperanza Azteca, el Parque de La Constancia, la Fonoteca en el edificio que correspondía a la Agencia del Ministerio Público Norte, el Parque Lineal Hermanos Serdán y la edificación del hotel de cadena Hilton Garden.
Además del centro comercial Galerías Serdán, que se encuentra a cinco minutos de distancia en automóvil del lugar.
Apenas se dio a conocer que el gobierno del estado lanzó la licitación para la construcción del Museo del Automóvil, inmueble en el que también se proyecta la instalación de la fonoteca y la Casa de la Música Mexicana.
El procedimiento se publicó en el portal de compras gubernamentales Compranet, el cual se identifica con el número de expediente .
Dentro de las especificaciones, se refiere que el contrato de la obra tiene fecha de arranque del 20 de septiembre y concluirá el 28 de diciembre de este año, lo que significa que la edificación tendrá una duración de 100 días.
Mientras que ya se iniciaron los trabajos de la construcción de la fonoteca y la Casa de la Música Mexicana.
La fonoteca forma parte de los trabajos de ampliación de la Casa de la Música Mexicana, que tendría un costo aproximado de entre 13.6 y 15 millones de pesos.
Además de los dos nuevos museos que el gobierno de Rafael Moreno Valle proyecta, serán inauguraros en este mismo año.
Desde el arranque del sexenio, el gobierno del estado erogó cerca de mil 200 millones de pesos para obras de rehabilitación y rescate del edificio histórico que entregó para su administración a la televisora propiedad de Ricardo Salinas.
La Casa de Música Mexicana contará con 11 salas
De la Casa de la Música Mexicana destaca que contará con 11 espacios diferentes, de los cuales ocho corresponden a un mismo número de salas curatoriales (llamados “mundos”) que son: Indígena, que tendrá dos áreas; Mestizo, con tres áreas; Hispánico; Historiadores y de Experimentos Sonoros.
En la convocatoria se especifica que el museo se ubicará en el área de calderas de la ex fábrica.
El número de visitantes por día en la Casa de la Música Mexicana, estima el estudio, será de 144 personas y el recinto será considerado como “Museo Regional”.
La planta arquitectónica de este nuevo museo será de 2 mil 18 metros cuadrados divididos en 11 salas, que además de las áreas de exposición ya mencionadas incluye dos zonas selladas y un área de recepción.
La construcción de este nuevo museo requerirá de una inversión de 70 millones de pesos.
Este proyecto es apoyado directamente por la Federación a través del Consejo Nacional para la Cultura y las Artes, por lo que la inversión será generada en un fondo bipartita.

El origen de la agricultura

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Categoría: Cultura y Espectaculos Creado: 21 Septiembre 2016 Visto: 2792

agricu Emily McClung de Tapia. Arqueología Mexicana

La agricultura implica el establecimiento de un sistema de subsistencia humana en el que la producción y el consumo de plantas cultivadas, principalmente las domesticadas, son fundamentales. Representa la culminación de una serie de procesos interrelacionados, ya sean de carácter socioeconómico o biológico y ecológico.

Como es sabido, el territorio mesoamericano fue uno de varios centros prehistóricos del cultivo y domesticación de plantas. La producción de los alimentos proporcionó la base para el desarrollo posterior de sociedades que dependían de una serie de plantas cuyas modificaciones y subsecuentes adaptaciones a diversas condicionales ambientales las hacían adecuadas para el consumo humano.

Algunas de las especies más importantes son maíz (Zea mays L.), frijol (Phaseolus spp.), calabaza (Cucurbita spp.), chile (Capsicum spp.), tomate (Physalis spp.) y aguacate (Persea americana), además de un gran número de especies secundarias, propias de las diversas regiones y áreas culturales.

A diferencia de otras regiones del mundo prehistórico, en Mesoamérica, por la ausencia de especies apropiadas, no se domesticaron animales aptos para tira y carga; los principales animales adaptados a la producción para fines alimenticios fueron los perros autóctonos (Canis familiaris), guajolotes (Meleagris gallopavo) y, posiblemente, conejos (Sylvilagus floridanus).

Antecedentes

Los primeros estudios en torno al inicio de la producción de plantas alimenticias tomaron en cuenta restos botánicos macroscópicos provenientes de abrigos rocosos y cuevas excavados por R.S. MacNeish en la Sierra de Tamaulipas y la Sierra Madre (Tamaulipas), así como en el Valle de Tehuacán (Puebla) durante los cincuenta y sesenta del siglo pasado. Posteriormente se dieron a conocer evidencias adicionales provenientes de los sitios de Guilá Naquitz (Oaxaca) y Tlapacoya en la Cuenca de México. Este periodo se distingue por una especie de efervescencia en torno al tema de la domesticación de las plantas, y sin embargo, después hubo poca continuidad en los estudios, hasta finales de los noventa.

Durante el presente siglo, las contribuciones sobre el tema se han enfocado hacia los restos microbotánicos, en particular polen, fotolitos y, más recientemente, gránulos de almidón, especialmente a partir de los descubrimientos en San Andrés, Tabasco (Pohl et al., 2007), en el abrigo rocoso de Xihuatoxtla, Guerrero (Piperno et al., 2009) y en Veracruz (Sluyter y Domínguez, 2006). Guillermo Acosta-Ochoa (2008) reportó restos tanto macrobotánicos como microbotánicos, indicadores de una transición –a partir de la recolección de una amplia gama de plantas silvestres– hacia la incorporación de especies domesticadas en la Cueva de Santa Marta, Ocozocuatla, Chiapas. Esos restos incluyen polen de Zea del final del Pleistoceno y gránulos de almidón correspondientes a Zea en asociación con piedras de molienda del Holoceno. La evidencia más reciente obtenida en México sugiere que la domesticación de las plantas fue un proceso complejo, con diferentes manifestaciones en distintas partes del territorio.

McClung de Tapia, Emily, “El origen de la agricultura”, Arqueología Mexicana núm. 120, pp. 36-41.

• Emily McClung de Tapia. Doctora en antropología por la Brandeis University, Massachusetts, E.U.A. Investigadora del Instituto de Investigaciones Antropológicas, UNAM. Responsable del Laboratorio de Paleoetnobotánica y Paleoambiente.

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Claudio Lomnitz invita a repensar el nacionalismo

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Categoría: Cultura y Espectaculos Creado: 21 Septiembre 2016 Visto: 2583

nacionalis El antropólogo publica 'La nación desdibujada. México en trece ensayos', donde plantea que este concepto se ubica más allá del matrimonio entre modernismo y cultura indígena

JUAN CARLOS TALAVERA / FOTO: MATEO REYES. EXCÉLSIOR

El ensayista y antropólogo Claudio Lomnitz, presenta su más reciente libro “La nación desdibujada. México en trece ensayos”.
CIUDAD DE MÉXICO.

El ensayista y antropólogo Claudio Lomnitz (Santiago de Chile, 1957) explora lo que significa el nacionalismo mexicano para demostrar que tanto la música de Carlos Chávez, como los murales de Diego Rivera, las tiras de Memín Pinguín y la obra literaria de Octavio Paz, conforman un mosaico insuficiente que lo describa.

Así lo establece en La nación desdibujada. México en trece ensayos, su más reciente libro, donde compila una serie de ensayos que exploran los conceptos de identidad nacional, familia, comunidad, Estado de derecho y lo extranjero, a partir de una premisa simple: el nacionalismo es un concepto que se ubica más allá del matrimonio entre modernismo y cultura indígena.

En un mundo como el nuestro donde la globalización se ha convertido en el de la modernidad, expone Lomnitz, es inevitable revisar nuestra idea de nacionalismo, no sólo en México, "porque la globalización de los últimos 30 años ha cambiado de manera profunda la manera en que ha intervenido en las sociedades, por lo que es necesario repensar nuestro lugar como nación”.

El volumen, publicado por Malpaso Ediciones, se divide en cinco partes. En la primera aborda los cambios que ha vivido un estado como Michoacán, así como el crecimiento y declive de la Gran Familia y la crisis de Ayotzinapa; el segundo refiere la evolución de la identidad nacional y las zonas de contacto en América Latina; le sigue un apartado dedicado al nacionalismo cultural.

La cuarta aborda el giro neoliberal de la historia mexicana; y cierra con un conjunto de textos sobre la identidad mexicana bajo el concepto de migración y el mensaje fronterizo, apoyado en las ideas del investigador y académico Samuel Huntington.

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Claudio Lomnitz invita a repensar el nacionalismo
El antropólogo publica 'La nación desdibujada. México en trece ensayos', donde plantea que este concepto se ubica más allá del matrimonio entre modernismo y cultura indígena

20/09/2016 13:17 JUAN CARLOS TALAVERA / FOTO: MATEO REYES

El ensayista y antropólogo Claudio Lomnitz, presenta su más reciente libro “La nación desdibujada. México en trece ensayos”.
CIUDAD DE MÉXICO.

De entrada el autor define el nacionalismo como “un momento colectivo en una trayectoria históricomundial... un producto internacional que implica una traducción constante, tanto de elementos extranjeros a cognados nacionales, como de elementos nacionales a cognados extranjeros”.

Título: La nación desdibujada, autor: Claudio Lomnitz, editorial: Malpaso Ediciones, México, 2015; 366 pp.

Y aunque coincide en que los nacionalistas muestran una constante admiración por la cultura local: “Dicha admiración está presente porque los nacionalistas descubren algo en el pueblo que no es evidente para el propio pueblo”.

A menudo se piensa que ese ‘algo’ revela una verdad profunda: se considera una clave para acceder al universo”, detalló el ensayista.

¿Por qué volver hoy sobre este tema?, se le inquiere a Lomnitz. “Me parece que en este momento México necesita esa clase de creatividad (impulsada por Chávez, Rivera y Paz), porque nos encontramos en el año 2016, rodeados de numerosos problemas, donde el nacionalismo propuesto por Paz en El laberinto de la soledad puede verse como poco auténtico”, explica.

Aunado a esto, recuerda que desde el punto de vista de su generación lo que más ha llamado su atención es la osadía de pensar la cultura en México, de pensar el país y de colocarla en un ámbito mundial.

Sin embargo, reconoce que el valor del modernismo mexicano surge de una idea que parece tenue: su atrevimiento por pensar las cosas.

Es verdad que el matrimonio entre el modernismo y la cultura indígena fue un rasgo clave del Estado Revolucionario, plantea Lomnitz, “pero el compromiso creativo de esa generación aún reviste un profundo interés a pesar de su oportunismo institucional y de la constante confusión entre mérito artístico y poder político que ha caracterizado al ámbito cultural mexicano”.

Para entender mejor este recorrido, el autor plantea un ejemplo: “Hace unos meses fui a en Bellas Artes para ver el Ballet Folklórico de México. Hacía 50 años que no lo había visto, pero aún es parecido a como lo recordaba. Lo que aquí me llama la atención es que se trata de una imagen de México creada en los años 50 del siglo XX con gente como Miguel Covarrubias, quien pintó escenarios y diseñó vestuarios... pero ya no corresponde con lo que hoy es México”.

¿Dónde está la música grupera, los narcocorridos y los migrantes mexicanos? Es muy claro que culturas suburbanas no están presentes. Esto no implica que quitaría el mensaje del ballet, pero sí falta agregar algo que realmente refleje lo que hoy es México”, concluye el ensayista.

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