Cultura y Espectaculos

Excélsior
LUIS CARLOS SÁNCHEZ

El MUCA inauguró una muestra que revisa cien años de arquitectura y diseño en Alemania
CIUDAD DE MÉXICO.
El primer modelo del Volksempfänger o “receptor del pueblo” fue presentado el 18 de agosto de 1933 en la Feria Internacional de la Radio de Berlín. El aparato, conocido como modelo VE301, era de baquelita y fue desarrollado a petición del ministro de propaganda nazi,
Joseph Goebbels. Como todos los receptores radiofónicos alemanes de la época, el VE301 fue concebido para captar solamente emisoras de radio locales, con lo que se podía asegurar la divulgación de la propaganda nazi entre la población.
El radio había sido diseñado por Walter Maria Kersting, quien como todos los diseñadores industriales que seguían en Alemania en esa época, pertenecían a laKampfbund für deutsche Kultur (Unión de lucha por la cultura alemana), un organismo nacionalsocialista que había subyugado a la Deutscher Werkbund, la asociación de arquitectos, artistas e industriales, fundada a principios del siglo XX, donde surgió ni más ni menos que la idea de aplicar un diseño útil y práctico a todos los objetos cotidianos, estrategia que hoy es indisoluble de cualquier estrategia de venta.
Un ejemplar de aquel radio nazi forma parte del medio millar de piezas que conforman una exposición que da cuenta de la historia del diseño industrial alemán, particularmente la de la Deutscher Werkbund, el lugar donde surgieron ideas esenciales del diseño, persistentes hasta ahora, como la creación de la identidad corporativa, los logotipos y empaques o la aplicación del diseño a escala industrial, ya sea “desde los cojines de los sofás a la construcción de ciudades”, como decía el eslogan de la célebre asociación.
La Werkbund, explica Germán Rostan, museógrafo de la muestra que se exhibe en el Museo Universitario de Ciencias y Arte (MUCA) de Ciudad Universitaria, “fue una iniciativa de artistas, arquitectos y diseñadores que surge a partir de cómo podían mejorar la vida urbana dentro de un mundo que se empezaba a industrializar cada vez más, lo que el espíritu de este grupo de entusiastas seguía era la idea de mejorar la vida de las personas con objetos, mediante reuniones con empresarios, arquitectos, urbanistas, diseñadores lograron definir políticas nacionales que en definitiva cambiaron la imagen del producto a nivel internacional”.
Deutscher Werkbund, Cien años de Arquitectura y Diseño en Alemania 1907–2007está dividida de manera cronológica en siete núcleos, el guión fue preparado para celebrar el centenario de la organización, desde entonces ha viajado por todo el mundo. La parada en México es la última en América, a donde llega con motivo del Año Dual México-Alemania. Después viajará a China, donde tiene comprometidas 13 visitas, a diferentes ciudades.
La muestra, agrega Rostan, “arranca en el momento en que se decide generar esta asociación, en la que empezaron a dictar estas normas y vieron el diseño desde otra perspectiva, a lo largo de los diferentes núcleos se va explicando cómo va actuando la Werkbund dentro de Alemania. El nombre no tiene una traducción literal pero su significado podría interpretarse como trabajo colegiado, este grupo lo que hace es dictar ciertas normas que se van a ejecutando por diferentes empresas en diferentes ciudades alemanes y eso va cambiando paulatinamente la historia del diseño a nivel internacional”.
En 1933, cuando Goebbels pide elaborar el “receptor del pueblo”, la Werkbund después se integró a la Cámara de Cultura del Reich. El grupo siguió trabajando hasta 1938 con su propio presidente y siguió organizando exposiciones y publicaciones, pero todas las actividades fueron adaptadas a la ideología nazi. Los productos funcionales del Werkbund, desarrollados antes de 1933, fueron utilizados en escuelas, edificios para los simpatizantes del partido y comedores de empresa.
La Werkbund, de dónde también acabaría por surgir la Bauhaus, había sido creada por personalidades del diseño como Peter Behrens, Theodor Fischer, Josef Maria Olbrich, Bruno Paul y Richard Riemerschmid. Pero también en sus filas estuvieron Heinrich Tessenow y el belga Henry van de Velde. Con el nazismo, los platos de Hermann Gretsch y los vasos de Wilhelm Wagenfeld se convirtieron en artículos producidos en masa y al servicio del régimen.
La exposición permite el asombro a cada paso, hay ahí desde mobiliario como sillas o lámparas, hasta artículos básicos como tazas, platos, pequeñas jarras o cubiertos de mesa, también se muestra una colección de electrodomésticos diseñados para la Braun o aparatos de sonido, empaques para galletas o café y una amplia colección de los orígenes del diseño publicitario a través de logotipos e identidades mercantiles.
110 años después de su creación, la Werkbund sigue advirtiendo sobre temas de diseño, pero ya en la década de los 90 tuvo dificultades internas que provocaron la salida de tres de sus federaciones regionales.
¿Dónde y cuándo?
La exposición Deutscher Werkbund, 100 años de Arquitectura y Diseño en Alemania 1907–2007 se exhibe hasta el 27 de agosto en el MUCA de Ciudad Universitaria.

Construido bajo el Templo de las Inscripciones, descubren sistema que sirvió para controlar el cauce de nueve arroyos hacia el inframundo maya
JUAN CARLOS TALAVERA. EXCÉLSIOR

CIUDAD DE MÉXICO.
Fue revelado el hallazgo de una compleja red hidráulica, construida bajo el Templo de las Inscripciones en Palenque, Chiapas, que sirvió para controlar el cauce de nueve arroyos perennes para reproducir de forma simbólica el sinuoso camino que debería seguir K’nick Janaab’ Pakal por las aguas del inframundo maya.
Así lo dijo ayer el arqueólogo Arnoldo González Cruz, quien descubriera el sarcófago de la Reina Roja y actualmente encabeza el Proyecto Arqueológico Palenque, y aseguró que este hallazgo podría cambiar la tesis original del arqueólogo Alberto Ruz Lhuillier, quien aseguraba que la cámara funeraria de Pakal II sería el punto de partida de los nueve cuerpos que componen el Templo de las Inscripciones.

Sin embargo estos vestigios, que empezaron a construirse durante el siglo VII de nuestra era, sostendrían que su centro debió estar dado por la existencia de un manantial, aunque esta teoría no está del todo sustentada y podría tratarse simplemente de canales planificados para el desagüe de la ciudad, reconoció.

González Cruz recordó que el Templo de las Inscripciones es el más importante edificio de Palenque, Chiapas, el cual captó la atención tras descubrirse en la cámara funeraria de K’nick Janaab’ Pakal, uno de los más notables gobernantes de la ciudad maya.

Apuntó que aunque la cámara y el edificio se han estudiado arqueológicamente desde 1952 –fecha de su descubrimiento–, los trabajos recientes han revelado nuevos datos sobre la arquitectura de este recinto, en particular la extensa y compleja red de canales bajo el templo, dispuestos a diferentes niveles y orientaciones.

El investigador apuntó que para los mayas, la muerte era considerada el umbral tras el inframundo. “Y uno de los caminos utilizados para llegar a él era el agua, así que esta relación entre la tumba de un personaje y el agua no es un dato nuevo, dado que la arqueología, la epigrafía y la iconografía han aportado información donde se ha encontrado esta asociación”.

Cabe señalar que los habitantes de Palenque fueron grandes arquitectos, no sólo por la alta calidad de sus palacios, templos y obras escultóricas, añadió, sino por sus conocimientos en ingeniería hidráulica, con la construcción de acueductos, puentes, represas, drenajes, canales, estanques, debido a la presencia de numerosos manantiales y arroyos que corren a través del asentamiento.

Durante la conferencia de prensa, en la que estuvieron presentes Diego Prieto, secretario técnico del INAH y Pedro Sánchez Nava, coordinador nacional de arqueología; y Teresa Franco, quien no quiso participar en el anuncio.

Bruno Priani Aceves. Algarabía
Gracias al desarrollo de la tecnología el cine ha podido evolucionar e ir mostrando maneras diferentes la realidad.
Antes de la llegada de las cámaras digitales, del cine 3D, las pantallas imax y Youtube, los artistas solían plantearse cómo plasmar un aspecto de la realidad a una superficie de dos dimensiones, es decir, cómo proyectarla, cambiarla, moldearla y crear nuevos finales o dejarlos en suspenso.
Aquí una cronología de los inventos que transformaron este arte en lo que conocemos hoy en día.
Siglo x- Siglo xix La cámara oscura
Justamente fue así que nació la cámara oscura. Los artistas se encerraban en salas oscuras donde se proyectaba, a través de un pequeño orificio en la pared, la imagen del exterior en una de las paredes.
Algo muy similar a las salas de cine hoy en día. Pero, al surgimiento de éste invento, nuevas necesidades comenzaron a surgir: ¿cómo fijar la imagen proyectada en la pared?
1839 El Daguerrotipo
El primero en plantearse la posibilidad de fijar las imágenes proyectadas en la cámara oscura en un soporte fue el pintor e inventor francés Louis Daguerre. Eso lo llevó a conocer al inventor Nicéphore Niépce, quien unos años atrás había inventado la heliografía —un proceso que involucra un soporte sensible a la luz y un tiempo de exposición de ocho horas—. Por un tiempo trabajaron juntos, creando así lo que sería el primer daguerrotipo, el primer procedimiento fotográfico que sería distribuido y puesto a la venta.
1895 El Cinematógrafo
En diciembre de 1895 los hermanos Lumière presentaron, ante un selecto grupo de intelectuales e inventores, un aparato que habían estado desarrollando por años: el cinematógrafo. Al ser proyectados, los veinticuatro fotogramas por segundo que capturaba la cámara se convertían en algo tangible y vivo.
Tanto así que los asistentes de aquella primera proyección pensaban que el tren en pantalla era real.

Años más adelante, los pequeños cortometrajes de los hermanos Lumière —que capturaban el día a día de sus familiares y amigos; así como situaciones que los rodeaban— fueron opacados por las ficciones de Georges Méliès, quién exploró las capacidades técnicas y creativas que permitía el cinematógrafo.

Lee también: Los albores del cine en México

1914 Película de 70 mm
Cuando el cine se formó, las filmaciones eran en celuloide de 35 milímetros. Éste era el estándar de la época y de la nueva tecnología. Sin embargo, a principios del siglo xx se comenzó a experimentar con una película de 70 milímetros, que creaba un grano más fino y una imagen de mayor resolución.
Hoy en día se sigue utilizando; películas como The Master (2012) de Paul Thomas Anderson o The Hateful Eight (2015) de Quentin Tarantino fueron filmadas bajo este formato

1926 El cine sonoro
Era inevitable la llegada del sonido al cine. Tras treinta años de filmar sin otro elemento sonoro más que la música que se tocaba en vivo en ciertas proyecciones, el vitaphone finalmente permitió que se reprodujera una pista sonora al mismo tiempo que la película.
La primera película que «rompió el silencio» con diálogos fue The Jazz Singer estrenada en 1927. Muchos, incluyendo Charlie Chaplin, consideraron la llegada del sonido como una señal del inminente declive del cine. Aunque no sucedió, las estrellas del cine silente se encontraron con un nuevo Hollywood que ya no los necesitaba como antes.

1929 Technicolor
La empresa Technicolor abrió sus puertas en 1916. Los primeros procesos que la empresa ofrecía era con un sistema de dos colores —el rojo y el verde— que se tenían que juntar con la película corriendo al doble de velocidad en un proyector especial. Por supuesto, no funcionó ya que el requerimiento de equipo especial era la principal razón por la cual muchos inventos no avanzaban en aquellos años.
Unos años después, en 1922, se dio a conocer un nuevo proceso que fue mucho más efectivo, con el cual se filmaron las cintas The Phantom of the Opera (1925), Ben-Hur (1925), The Ten Commandments (1923). El color había llegado para quedarse, por lo cual Technicolor comenzó a trabajar en un tercer proceso que sería aún más saturado y colorido.
1940 La Pantalla verde
Hoy en día la pantalla verde se elimina mediante la post-producción digital, pero en aquella época la técnica era mucho más elaborada y difícil: los actores eran puestos frente una pantalla verde. Luego, se re-filmaba la escena con un filtro en la cámara que elimina lo verde en la imagen, y, finalmente, se unían los dos negativos, en un proceso a mano, para obtener el fondo o efecto especial que se necesitaba.
A lo largo de los años y conforme la tecnología ha avanzado, la pantalla verde se convirtió de un mero truco visual a una parte fundamental de las filmaciones. Hoy en día, un 70% de las filmaciones utilizan pantalla verde.
1955-1965 Equipo ligero y portable
Desde la fundación de Hollywood y sus grandes estudios, el cine había generado una especie de mito alrededor de sus filmaciones gracias a las grandes cantidades de luces que se empleaban y las enormes cámaras de cine.
Estar en un set era estar en un pequeño mundo ficticio.

Sin embargo, un grupo de críticos de cine en Francia creían que el cine no podía seguir siendo en sets, con cientos de personas de crew, y con equipo que era más grande que sus operadores. El líder de este grupo, de nombre Jean Luc Godard, decidió filmar su ópera prima con las cámaras más ligeras de ese momento, empleando luz natural o elaborando el equipo con lo que tenía —una silla de ruedas para las escenas en movimiento, por ejemplo. El resultado es una nueva ola de películas que se sentían vivas, frescas y libres.
1970 IMAX
Los estudios ya habían jugado con la idea de proyectar películas en grandes formatos —recordemos el Fox Grandeur de los años veinte—, pero fue con la empresa imax el proyecto tomó vuelo.
Iniciando con dos cines en Canadá, la empresa comenzó a expandirse a principios de la década de los setenta. Unos años más tarde comenzaría a probar con el 3D. Con la llegada de los proyectores digitales, la empresa aprovechó para expandir su producto a una gran cantidad de salas de cine. Su propuesta fue Digital imax, que utilizaba proyectores digitales tradicionales para proyectar contenido de una resolución mayor.

1976 Steadycam
Algo que liberó a las cámaras de cine de estar atadas a los tripiés o los rieles fue la invención del Steadycam. Ideada por Garrett Brown, éste invento permite al fotógrafo u operador desplazarse por dónde le convenga, acercándonos a la acción y a los personajes.
Las primeras películas en usar el steadycam fueron Rocky, Bound for Glory y, por supuesto, The Shinning. Gracias a la cinta de Stanley Kubrick, el steadycam se volvió un estándar en la industria. Hoy en día se utiliza en casi todas las películas.
1973- presente Efectos especiales digitales
Los efectos visuales generados por computadora llegaron en el año de 1973, cuando se utilizaron por primera vez en el filme Westworld. Con un par de pixeles, los animadores le dieron vida a un mundo digital dentro del filme.
Sería unos años más adelante cuando Pixar sería la primera empresa en crear un personaje hecho enteramente a computadora. Fue para la película The Adventures of Young Indiana Jones, y el personaje era un hombre que se formaba a partir de una vidriera. Sin embargo, Hollywood comenzó a tomarse en serio el cgi cuando James Cameron lo utilizó en varias secuencias de The Abyss.
A mediados de la década de los noventa, Steven Spielberg utilizó los efectos especiales digitales para la creación de dinosaurios en Jurassic Park.

La buena recepción con el público y los críticos, llevó a que se convirtiera en tendencia. George Lucas, al ver la calidad de los efectos especiales en las películas de aquel momento, consideró adecuado comenzar producción de los nuevos filmes de Star Wars.
Pixar estrenó en 1995 la primera cinta hecha enteramente con efectos digitales: Toy Story. Le siguieron otras producciones, mientras la imágenes hechas a computadora mejoraron con los avances de la tecnología. James Cameron, quien fuera pionero de los efectos digitales, empujó las capacidades de los efectos especiales con Avatar.
1975- presente Cámaras Digitales
Científicos comenzaron a desarrollar ideas para capturar imágenes con fotosensores desde la década de los sesenta, con la intención de usarlas en misiones espaciales. Sin embargo, la primera cámara digital en existencia se fabricó en 1975. Su resolución era de 0,01 megapixeles y tardaba 23 segundos en exponer.
En el cine, las cámaras digitales comenzaron a surgir a finales de los años ochenta.

No obstante, sería hasta el año de 1998 cuando aquellas cámaras comenzaron a capturar en hd, lo cual atrajo la atención de los cineastas. La primera película filmada enteramente en digital y HD fue Once Upon a Time in Mexico de Robert Rodriguez.
Los últimos quince años han traído muchas innovaciones al campo de la cinefotografía digital. La resolución de las cámaras ha evolucionado al grado de que ya existen cámaras que capturan hasta 6K, el equivalente a una imagen en 70 milímetros de celuloide.
1983: THX
Antes del estreno de Star Wars Episodio vi: El Retorno del Jedi, George Lucas buscó crear un certificado para los cines con el fin de asegurar una experiencia sonora de la más alta calidad. Nombrado en honor a su ópera prima, el certificado thx se volvió un estándar en la industria, con infinidad de cines cumpliendo la expectativa sonora.
Hoy en día, es indiferente si una película utiliza un sonido de formato digital o análogo, lo importante es que, si tiene el certificado, el sonido en las salas de cine suena lo más parecido a cómo lo mezclaron. Lucas logró su cometido.
Conoce la magia del cine 3d
2000 Final cut.
Cuando Apple desarrolló su primer programa de edición para profesionales, muchos lo consideraron un paso importante en cuanto a la digitalización del cine. Se trataba de un programa simple de usar, pero que podía reproducir y elevar las características de edición en moviola.
La industria comenzó a trabajar con Final Cut, siendo Steven Soderbergh y los hermanos Coen los pioneros en utilizar este programa para editar. Hoy en día, tanto estudiantes de cine como cineastas del calibre de David Fincher utilizan el programa para editar sus películas o cortometrajes. La interfaz se ha vuelto más sencilla y el programa mucho más variado.
2002 Digital Cinema Initiatives
Gracias a que los cineastas comenzaron a filmar con cámaras digitales, postproducir en computadores y a elaborar efectos visuales digitales, se creó un consorcio en 2002 para definir todos los parámetros del cine digital.
Los siete mayores estudios cinematográficos norteamericanos llegaron a distintas conclusiones, entre ellas que los cines debían comenzar a reemplazar los proyectores análogos por proyectores digitales. Las películas, en vez de ser distribuidas en latas con la copia, debían ser presentadas en dcp –digital cinema package–, un paquete que incluye la película digitalizada y lista para proyectar.
Al principio hubieron quejas, pero poco a poco los cines se fueron adaptando. Hoy en día se ha vuelto difícil encontrar un cine que siga proyectando en 35 milímetros.

...permanecerá hasta el próximo 11 de septiembre en el Museo Regional de Tlaxcala
EDITH LÓPEZ SÁNCHEZ. CORACYT

“México en el patrimonio mundial”, un viaje a través de 50 fotografías de Adalberto Ríos Szalay, se exhibe en el Museo Regional INAH-Tlaxcala hasta el mes de septiembre. Diego Martín Medrano director del museo invita al público a visitarla.
El propósito de esta exposición es mostrar los espacios y las obras de patrimonio Cultural, de patrimonio natural y también patrimonios mixtos que han sido declarados por la Unesco como patrimonio de la humanidad, esto para nosotros mexicanos es muy importante por tanto no nada más conocerlo sino también valorarlo y tener conciencia de lo que significa.
Los visitantes al museo emprenderán un viaje a todo lo largo y ancho de México, desde las islas y áreas protegidas del Golfo de California hasta los bosques tropicales protegidos de Calakmul, en Campeche, con una escala en las ciudades prehispánicas y centros históricos con reconocimiento internacional.
Es importante que tanto zonas arqueológicas o ciudades monumento o determinada arquitectura oi sitios naturales sean patrimonio nacional pero el hecho es que ya son también patrimonio de la humanidad, significa que son importantes y son considerados valiosos para toda la humanidad.
La muestra, integrada por 50 fotografías, también permite adentrarse en la diversidad cultural, lingüística y étnica de México al capturar en imágenes costumbres ancestrales, como la cocina tradicional, las notas musicales del mariachi y ceremonias rituales como la de los Voladores.
También existe el patrimonio intangible y esto se refiere a los conocimientos tradicionales, recetas de cocina, las fiestas, la música y por supuesto que México cuenta con una riqueza tremenda en este aspecto, este patrimonio en particular creo son obras que bien vale la pena comprender, valorar y darle su espacio.
El fotógrafo Adalberto Ríos define a la imagen como la mejor herramienta para la preservación de la identidad cultural. La exposición México en el Patrimonio Mundial permanecerá hasta el próximo 11 de septiembre en el Museo Regional de Tlaxcala, ubicado en el Ex Convento de San Francisco s/n, en el Centro de Tlaxcala. Horario de visita: de martes a domingo, de 10:00 a 18:00 horas. Costo: 55 pesos. Los domingos la entrada es libre.

EDITH LÓPEZ SÁNCHEZ. CORACYT
Luz Estela Hernández Téllez, jefa de Patrimonio Cultural y Programas del Instituto Tlaxcalteca de la Cultura convoca a los artistas plásticos y visuales a participar en el Premio Tlaxcala 2016 de artes visuales
Tenemos otra vez este año la convocatoria ya abrimos también hace semana y media, va en la misma tónica del año pasado, igual fotografía, pintura, arte objeto y sería invitar a que participen, los premios son buenos, hemos recibido en años anteriores bastante obra.
Los creadores tlaxcaltecas y residentes con una antigüedad mínima de 3 años en el estado pueden participar en Los Premios Tlaxcala de Artes Visuales en las categorías de pintura, grabado fotografía, dibujo video arte y arte objeto, categoría que se instituyo en lugar de escultura desde el 2015.
Tuvimos primero escultura el año pasado lo cambiamos a arte objeto hubo buen resultado, en este año volvemos a dejar arte objeto. Las obras participantes deberán estar debidamente presentadas, ser inéditas, propiedad del autor, de reciente creación y/o producción 2016, no haber estado exhibidas física o virtualmente al público, reproducido en medios gráficos o audiovisuales, ni sometido a consideración a otros certámenes. Las obras no se recibirán con nombres o firmas de los autores por ningún lado.
Al terminar se inaugura se entregan los premios se inaugura ese día la exposición y la exposición hace el recorrido por el estado y recordarles que el primer lugar de cada una de las categorías forma parte del acervo del estado, creo que eso también es importante, el acervo se va enriqueciendo año con año y esas obras forman parte del acervo. La presente convocatoria queda abierta a partir de su publicación y la recepción de las obras será en el Instituto Tlaxcalteca de la Cultura, ubicada en Avenida Juárez # 62, Colonia Centro, Tlaxcala, Tlax., C.P. 90000, en un horario de 9:00 a 15:00 horas; teniendo como fecha límite para la categoría de Pintura, el miércoles 28 de septiembre de 2016, Grabado y Dibujo el jueves 29 de septiembre de 2016 y para las categorías de Fotografía, Videoarte y Arte Objeto, el viernes 30 de septiembre de 2016, sin excepción alguna los resultados se publicarán en los diferentes medios de comunicación estatal y regional y a través de la página web del Instituto www.culturatlaxcala.com.mx, el día miércoles 26 de octubre de 2016. Se premiarán primero y segundo lugar en cada categoría con diploma y un estímulo de 30 y 15 mil pesos respectivamente. Para mayor información pueden marcar al número telefónico 01 241 41 8 89 60 Ext. 134, o escribir al correo electrónico: Esta dirección de correo electrónico está siendo protegida contra los robots de spam. Necesita tener JavaScript habilitado para poder verlo. o consultar las bases en la página web www.culturatlaxcala.com.mx