Cultura y Espectaculos

Un cuarto de siglo sin Tamayo
Se cumplen cinco lustros de la muerte del pintor oaxaqueño, favorito del mercado del arte
En una charla, la especialista Ingrid Suckaer rescatará la faceta filantrópica del artista del color
Del 21 al 24 de junio, en el museo de arte contemporáneo que lleva su nombre se proyectarán documentales, habrá material de archivo, fotografías y memorabilia
Foto
Rufino Tamayo junto a su obra Picasso al desnudo, en 1990Foto cortesía Museo Tamayo
Merry MacMasters

Periódico La Jornada
El pintor oaxaqueño Rufino Tamayo (1899-1991), conocido a nivel popular por su empleo encendido del color, quien donó sus colecciones prehispánica e internacional al pueblo de México, y es un favorito del mercado del arte, cuyo nombre lleva una bienal de pintura, falleció un 24 de junio hace cinco lustros.

El suceso no ha pasado desapercibido. La Secretaría de Cultura, por conducto del Instituto Nacional de Bellas Artes (INBA), ha organizado una serie de actividades conmemorativas que se iniciarán hoy a las 19 horas, en la Sala Manuel M. Ponce del Palacio de Bellas Artes, con la conversación Entre el arte y la filantropía, encabezada por la historiadora del arte Ana María Torres, quien realizó una tesis sobre el nacionalismo en la obra de Tamayo; Ingrid Suckaer, investigadora y autora de la única biografía del homenajeado, y Juan Carlos Pereda, especialista de la obra del artista oaxaqueño.

Suckaer hablará sobre Tamayo como filántropo. En entrevista, expresa: “todavía no se conoce a fondo la calidad de persona que fue Tamayo. Tengo la impresión de que muchas veces se habla, en el caso de otros artistas, de su filantropía, pero en el de Tamayo menos, porque él no quiso.

Me parece necesario ahora que ya no está dar a conocer sus actividades filantrópicas.

Con su esposa Olga Flores Rivas, don Rufino fundó dos asilos para ancianos, uno en Cuernavaca, Morelos, donde tenía una casa de verano, y otro en Oaxaca de Juárez, su ciudad natal. Ambos funcionan porque los Tamayo dejaron todo preparado para que se mantuvieran y no fueran obras que al paso de pocos años tuvieran que cerrar por falta de dinero, señala Ingrid Suckaer.

La investigadora explica que cuando Rufino Tamayo empezó a ser un hombre pudiente económicamente, de inmediato se volcó hacia la filantropía: “Empezó a apoyar a estudiantes de la Escuela Nacional de Artes Plásticas (ENAP), de la Universidad Nacional Autónoma de México, a quienes becó. Donó pupitres, instrumentos musicales y hasta pianos a escuelas primarias, por ejemplo. No eran cosas pasajeras, sino algo fuerte en cuanto a infraestructura.

Ayudó también a una colonia popular en las afueras de la Ciudad de México. Eso fue debido a que, literalmente, iban a tocar la puerta (de su casa, en la calle Santísima, en San Ángel) a pedir ayuda, y él la daba.

Pero, ¿qué tan conocido es Tamayo hoy día entre las jóvenes generaciones?

Suckaer contesta: Tengo la impresión de que al menos para los estudiantes de pintura de la ENAP sí es un artista conocido; es alguien a quien los pintores admiran por sus cualidades artísticas. Entonces, a lo largo de estos 25 años, aunque no ha habido tanta constancia de exposiciones de Tamayo, sí hay información entre los jóvenes y existe una conciencia de su relevancia como artista.

Del 21 al 24 de junio, en el Museo Tamayo Arte Contemporáneo, se presentará material de archivo, fotografías y memorabilia. Asimismo, habrá una consulta de bibliografía sobre la vida y obra de su mecenas.

Visitas guiadas y talleres

El viernes 24, en el recinto ubicado en el Bosque de Chapultepec, tendrá lugar una serie de actividades. De las 12 a las 15 horas, el artista Zamer impartirá un taller de grabado, dirigido a niños de seis a 12 años, inspirado en la obra de Tamayo.

Juan Carlos Pereda realizará una visita guiada a la bodega de la colección que integró Tamayo, a las 12 y 16 horas. Los documentales Tamayo 1991 y Rufino Tamayo: The sources of his art se proyectarán a las 16 y las 17 horas, respectivamente. A partir de las 10 de la mañana, y hasta las 18 horas, en la explanada del recinto habrá una venta especial de libros, carteles y ediciones de Tamayo.

La Colección de Acervo Patrimonial, de la Secretaría de Hacienda y Crédito Público (SHCP), cuenta con tres obras de don Rufino: los óleos La Venus fotogénica (1934) y José María Morelos, y la litografía (hay varios ejemplares) Iron cross, conocido como El gimnasta (1988).

La Venus fotogénica, obra que Tamayo entregó a la SHCP en 1957, ya que fue artista fundador del Programa Pago en Especie, será incluida en Arte para la nación, exposición que se abrirá al público el viernes 24, realizada precisamente con motivo de las cuatro décadas del programa mencionado.

Edith López Sánchez
CORACYT
En el Museo de Arte de Tlaxcala se exhiben obras del acervo del estado, patrimonio de los tlaxcaltecas, dos grabadores de renombre: Leopoldo Morales Praxedis, grabador tlaxcalteca y Felipe Ehrenberg artista mexicano Su trayectoria de más de cincuenta años abarca el dibujo y la pintura así como el arte conceptual de los años setenta, el performance, el mail art y la mimeografía. El director del MAT, Armando Díaz de la Mora invita al público visite el museo
Una de las intenciones para este 2016 es precisamente mostrar a la sociedad tlaxcalteca lo que teneos en el acervo y nosotros únicamente custodiamos porque finalmente es patrimonio del estado de Tlaxcala, de hecho la exposición se llama Arte, patrimonio tlaxcalteca
Leopoldo Morales Praxedis, artista apizaquense nacido en 1953, de 1974 a 1981 fue miembro activo del taller de gráfica popular como docente adscrito a la sección de enseñanzas artísticas del INBA, desde 1989 es becario vitalicio como productor de obra artística del INBA, en Tlaxcala, ha conformado y participado en diversos colectivos de grabado como estallido
En el caso de Polo Praxedis por supuesto que su importante carga social él es un luchador social aparte de artista es una persona muy comprometida con la lucha social, con los problemas de la sociedad, entonces su obra también se encamina con títulos como la paz, mas fuerzo y una serie de aspectos en que trata de mostrar esa preocupación social que él tiene
Desde la mitad de los años 70, uno de los temas más importantes en la producción del maestro Ehrenberg, ha sido La Muerte, tal y como se manifiesta en México, donde las tradiciones de los pueblos originales se sincretizan con el cristianismo impuesto por los invasores ibéricos. Desde entonces, Ehrenberg celebra el Día de los Muertos, ya sea en forma de dibujos y pinturas, o instalaciones/ofrendas no tradicionales.
Esta muestra se compone de 25 piezas en el caso de Don Felipe es grabado pero en color que también es una técnica muy diferente al grabado normal únicamente en 2 tonos, 3 tonos a veces con el gris pero generalmente es blanco y negro un poco de gris pero
aquí tenemos policromo y eso es muy interesante porque se sale de los cánones del grabado
La exposición estará durante todo el verano hasta el 14 de agosto en que el público visitante podrá disfrutar de estas colecciones del acervo tlaxcalteca más dos exhibiciones de Frida Kahlo y la pieza del artista del mes Virgilio Morales Achac.

El DF se transformó en la CDMX conoce qué implica este cambio de nombre y los sitios emblemáticos que hay que visitar
Excélsior
CIUDAD DE MÉXICO
El Distrito Federal dejó de llamarse así para adoptar el nombre de Ciudad de México, pero este cambio implica más que solo una nueva forma de llamar a la capital.
La Reforma Política aprobada por los senadores en enero de este año, convirtió al entonces DF en un estado más de la república mexicana, el número 32 para ser exactos. Lo que terminaría con los 192 años de historia defeña.
La Ciudad de México, sin embargo seguirá siendo la capital del país aun cuando cuente con su propia constitución política, que será escrita por la Asamblea Constituyente e implementada a más tardar el 31 de enero de 2017.
Las delegaciones dejarán de serlo para transformarse en demarcaciones territoriales, dirigidas por alcaldes.
Fuera de cambios en designaciones y nombres, así como algunos cambios en la política, la imagen de la ahora Ciudad de México se conserva intacta, es por eso que a continuación enlistamos 10 de los lugares emblemáticos de la Ciudad de México que vale la pena visitar sin importar el gentilicio con el que nos identifiquemos: “defeños, chilangos o mexiqueños”
Palacio de Bellas Artes – Una de las obras más reconocidas del Porfiriato, construido con motivo del centenario de la Independencia de México.
Plaza de la Constitución - Plaza principal de la Ciudad de México, comúnmente conocida como zócalo.
Monumento a la Revolución – Construido por el arquitecto francés Émile Bernard como parte del proyecto internacional de la sede de cámaras de diputados y senadores, convocado con motivo del centenario de la independencia en 1910
Palacio Postal - A cargo del arquitecto francés Émile Bernard, es una de las obras maestras de la arquitectura ecléctica del siglo XIX.
Torre Latino – Fue el edificio más alto de la Ciudad de México desde su construcción en 1956 y hasta 1972, obtuvo el récord del rascacielos más alto de América Latina.
Templo Mayor – Centro de la vida religiosa Mexica y uno de los centros ceremoniales más importantes de su época, edificado en lo que conocemos comoTenochtitlán.
Castillo de Chapultepec – Diseñado como casa de descanso en el Virreinato. Con el tiempo sus usos han sido diversos, convirtiéndose en sede del Colegio Militar, residencia imperial de Maximiliano y Carlota, e incluso residencia presidencial.
Palacio Nacional – Sede del poder ejecutivo federal, reúne en sus muros siglos de historia nacional.
Ángel de la Independencia – ubicado en la glorieta principal del Paseo de la Reforma. La estructura estuvo a cargo del arquitecto Antonio Rivas Mercado, y fue dirigida por el ingeniero Roberto Gayol, Enrique Alciati estuvo a cargo del cuerpo escultórico.
Alameda Central – Construida hace 421 años por el Virrey Luis de Velasco, como un espacio de recreo para los habitantes. Fue remodelada en 2012.

El Museo Nacional de Arte inauguró ayer la mayor muestra de obras modernas del país sudamericano, con más de 150 piezas
Excélsior
LUIS CARLOS SÁNCHEZ
CIUDAD DE MÉXICO.
El 11 de enero de 1928, Tarsila do Amaral (1886-1973) le regaló al poeta y dramaturgo Oswald de Andrade –destacado exponente del modernismo brasileño y promotor de la Semana de Arte Moderno de Sao Paulo en 1922-, el lienzo Abaporu con motivo de su cumpleaños. Aquel cuadro habría de inaugurar todo un movimiento artístico. Tarsila y Oswald decidieron lanzar una revista donde publicaron el Manifiesto Antropófago que daría nombre a una de las más productivas etapas del arte moderno brasileño.
La propuesta era implantar un lenguaje moderno recuperando la cultura y las tradiciones autóctonas. En un acto “antropofágico”, el arte debía aprovechar y “devorarse” lo que le sirviera de las vanguardias europeas para acoplarlo a la realidad brasileña. Ese mismo año que Tarsila regaló Abaporu también pintó La muñeca, un óleo en el que aplicó lo que aprendió del cubismo, el fauvismo y el surrealismo, pero que encontró reflejo en su propia tierra, mucho más colorida y barroca.
La muñeca forma parte de las más de 150 piezas, entre pintura, escultura, instalación, obra gráfica y dibujo, que conforman la exposición Antropofagia y modernidad. Arte brasileño en la Colección Fadel. 1908-1979, con la que el Museo Nacional de Arte (Munal) ofrece desde hoy, un panorama de los diferentes movimientos artísticos modernos ligados a la construcción cultural de Brasil y hasta los inicios del arte contemporáneo en esas latitudes.
La muestra se articula de manera cronológica en tres módulos, proviene de la Colección Hecilda y Sérgio Fadel, que está conformada por más de mil 500 piezas que dan cuenta de la historia del arte en Brasil desde finales del siglo XIX a la actualidad. Subdivida en diferentes temáticas, la exposición ha sido curada por la argentina Victoria Giraudo, curadora del Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires (Malba), a donde la muestra viajará después para exponerse con el nombre de Colección Fadel. Modernidad y vanguardia brasileña.
“Cada vez me siento más brasileña: quiero ser la pintora de mi tierra”, dijo alguna vez Tarsila do Amaral; que una mujer enarbolara el estandarte del arte plástico brasileño no es casualidad. Con el título Meninas brasileñas, la exposiciónAntropofagia y modernidad arranca su primer módulo con un recuento del arte de las primeras décadas de la república brasileña (la producción de café estaba reemplazando al azúcar y provocó que Brasil creciera económicamente), donde la mujer tuvo uno de los papeles más importantes.
Anita Malfatti (1889- 1964) es una de ellas. En la exposición se incluye la acuarelaDesnudo femenino, que fue pintada entre 1915 y 1916. Malfatti tuvo influencia directa de las vanguardias europeas pero al escritor Monteiro Lobato, le pareció que sus cuadros habían sido hechos por internos de un manicomio. Esto provocó que ella dejara de pintar y sólo el aliento de Oswald de Andrade le hizo volver a la pintura. Otras “meninas” incluidas en la exposición son Maria Martins (1894-1973) con la escultura Uriapuru; Lygia Pape (1927-2004), de quien se exhibe una xilografíaSin título elaborada en papel arroz o Lygia Clark (1920-1988), de quien se muestra la escultura armable Bicho, de 1960.
Plantas, arena, aves silvestres, poemas-objeto, una televisión y raros objetos bautizados como Parangolé conformaron en 1967 una instalación ambiental titulada Tropicalia, que el artista Hélio Oiticica (1937-1980) montó, inspirado en las favelas, en el Museo de Arte Moderno de Río de Janeiro. La obra acabó fundando una nueva etapa del arte brasileño, que retomaba el pensamiento antropofágico, pero llamaba a una renovación cultural mediante la reivindicación del mestizaje.
La vegetación, el agua, las favelas, la samba, la mulata brasileña o los temas oníricos, marcan la producción artística brasileña posterior. En este núcleo, aparecen en la exposición obras como Floresta tropical de John Grasz (1891-1980);Colina de favela y O lago de Tarsila do Amaral; Rueda de Samba de Emiliano di Cavalcanti (1897-1976); Las bahíanas del mismo Grasz o Retrato de Bur-le Marx de Flavio de Carvahlo (1899-1973).
Con el surgimiento en 1951 de la Bienal de Sao Paulo, que se inspiraba en la Bienal de Venecia, se generó ahora la necesidad de experimentar y cuestionar los elementos de representación hacia un arte abstracto. Antropofagia y modernidadmuestra la antesala del arte contemporáneo brasileño a través de artistas como Alfredo Volpi (1896-1988), de él se exhibe Elementos geométricos; Luiz Sacilotto (1924-2003); Maurício Nogueira Lima (1930-1999), del que se incluye Composición concreta.

Oímos ladino y, por asociación, imaginamos haber escuchado la palabra latino.
En efecto, el ladino
 o judeoespañol —que aún se habla entre los judíos sefarditas –nos remite al latín, del cual deriva y que aún se habla en el antiguo Imperio turco, en el Nuevo Mundo y en Israel; el mismo ladino que acompañó a los judíos de España en su destierro, y que heredaron a su progenie a través de cantos, proverbios, romanzas, cuento y poesía.
Miguel de Unamuno, escritor y filósofo español, cuando muchos hablaban de la involución del ladino como lengua franca, hacía referencia a su encanto y memoria:

Y para nosotros, ¡qué ecos de pasados días, qué antigua frescura, qué remembranzas de mocedad no nos trae esa habla española, de tan dulcísimas cadencias, de los judíos españoles de oriente!
[...]
Recluida allá en oriente, sin uso oficial ni literario, quedose en lengua de hogar, en lengua en que se canta a los niños para dormirlos en la paz de
su inocencia, en lengua en que cambian dulzuras los amantes y sazonados afectos los esposos, en lengua en que se cuentan los padres las leyendas de los abuelos, en lengua que se reza en el retiro, en el recogimiento del hogar, al Dios consolador y corroborador de las fecundas esperanzas. El hablarla es un consuelo.

Hay que matizar lo mencionado: la palabra ladino es sólo aplicable a las traducciones de los textos de la biblia, de la Mishná, el talmud y del tefilot; en tanto, el dyudesmo
o judeoespañol hace referencia al lenguaje hablado y escrito: el de la cotidianeidad manejada por los judíos exiliados de España en 1492.
Conoce también el yiddish, una lengua portátil
El ladino llegó a ser sinónimo de español, claro está que a la manera de los sefarditas, quienes lo fueron enriqueciendo con préstamos lingüísticos, a saber:
Hebraísmos: algunas palabras pintorescas del ladino provienen del hebreo, del arameo y del árabe, y denotan el apego del judío a sus raíces. Del hebreo están por ejemplo: taam, ‘sabor’; rajmán, ‘piadoso’; desmazalado, «sin mazal, sin suerte»;sejeludo, ‘inteligente’; januposo, ‘adulador’. Del arameo encontramos: bar miná,«Dios nos guarde». Del árabe predestierro hallamos: aljad, ‘domingo’; alforría,‘libertad’; amán, ‘por favor’; bacal, ‘tienda de abarrotes’.
Latín y griego: doladizo, ‘ídolo’; escola, de schola, ‘escuela’; esnoga, ‘sinagoga’;meldar, ‘leer’; maná, ‘abuela’; papu, ‘abuelo’.
Eslavo: barbanche, ‘tambor de pregón’; bik, ‘toro’; pitzulitza, ‘pastel’.
Turco: ajchí, ‘restorán’; uda, ‘cuarto’; maramón, ‘servilleta’; duña, ‘belleza’.
Portugués: acavidar, ‘advertir’; aínda, ‘todavía’; anujar, ‘fastidiar’; londzei, ‘lejano’.
Italiano: achitar, ‘acostar’; adeso, ‘ahora’; capu, ‘capo, jefe’; fáchile, ‘fácil’.
Francés: dezirar, ‘desear’; foburgo, ‘suburbio’; malorazo, ‘infeliz’.
Un hablante de judeo-español dirá: ponte por 
puente; sorte por suerte, fijo por hijo yfablar por hablar. Cibdat, debda y bibda por ciudad, deuda y viuda; guerta por huerta, guerfano por huérfano, deshar por dejar, disho por dijo y brusha, por bruja.
¿Existió o no, literatura en judeoespañol?
Por centurias, el alfabeto hebreo sirvió para escribir el ladino, aunque también fue escrito en caracteres latinos en el periodismo del siglo xix. Mientras que la literatura secular
 o profana floreció a partir del siglo xix, la religiosa se originó mucho antes de la expulsión de España. la religiosa, de la que hallamos testimonios en la biblioteca del Escorial, se inició en los siglos XIII, XIV y XV.
Dicha tradición pervive en Constantinopla, salónica, Venecia, Ámsterdam, Pisa y Viena, donde fue publicada la Biblia.
El romancero ladino pertenece a la tradición oral española de los siglos XIV y XV. Ya en la modernidad encontramos novelas traducidas al judeoespañol y publicadas en los años 80 del siglo XIX.
Un idioma que se resiste a desaparecer
«El que tiene hishos e hishas no puede hablar». Así decía mi abuelita Malcá a alguien de la familia cuando éste comentaba de algún escándalo que se había presentado en la propia familia o en amistades cercanas.
Ella y Bensión, mi abuelo, habían emigrado a Chile cuando yo era niño. Venían de Esmirna, donde la judería mantenía el idioma que se hablaba en España a fines del siglo xv, cuando los reyes católicos Fernando e Isabel expulsaron a los judíos, entre ellos mis antepasados, que emigraron a Asia Menor, principalmente Turquía y Grecia.
Qué increíble fenómeno fue que por casi cinco siglos, en las casas de los judíos de esas latitudes se siguió hablando —y aún hasta la época actual— la lengua española de los tiempos de Cervantes.
Para los judíos sefarditas fue increíblemente fácil adaptarse a países de América Latina, ya que podían darse a entender con facilidad.
También resulta increíble que después de innumerables generaciones en Turquía, mis parientes —cosa que pude comprobar en Esmirna cuando visité a una tía— nunca llegaron a hablar el idioma turco sin acento, debido a que vivían generalmente en su comunidad, que era bastante cerrada.
La lengua original se fue «contaminando» con palabras turcas, griegas, hebreas y francesas, ya que la mayor parte de los niños, sobre todo en Turquía, asistían a la Alliance Israelite Universal y en casa el francés se utilizaba a menudo. En Israel hay corrientes de sefarditas que buscan mantener vivo el ladino.

En mi casa era ésta la forma de hablar que imponían mis abuelos, con los cuales conviví intensamente, empapándome de los giros verbales de sus dichos —algunos de ellos muy sabios—, que seguimos utilizando con mis hermanos aún en estos días, como por ejemplo:
• Alguien extremadamente lento:«pisha de vagar».
• Una persona que habla en exceso sin sustancia:«embeleca- 
muntañas».
• Alguien que no previene e improvisa:«a la hora de la pishada fragua la privada».
• Mi abuelita sorprendió a mi tía Violette escarbándose los dientes y le dijo: «cualo te vas carishtiriando —palabra turca castellanizada— los dientes con un alfinete, después no la escapamos con los dentistes —del francés—».
• Cuando venía una visita no muy grata a comer a casa de mi abuelo, él decía: «Vino, se aterco; arrevento... y se arremato».