Cultura y Espectaculos

Esta es la noventa ocasión que este encuentro musical se realiza en la Ciudad de México
NOTIMEX. EXCÉLSIOR

En el encuentro gratuito participarán músicos de diversas entidades del país y también de Francia. Foto: Alianza Francesa
CIUDAD DE MÉXICO.

La Fiesta de la Música 2016 hará vibrar a los mexicanos a ritmo de jazz, reggae, fusión, electrónica, rock, música clásica y francesa, este 17, 18 y 19 de junio en diversas sedes de la Ciudad de México.

En el encuentro gratuito, organizado por la Alianza Francesa en México y autoridades del gobierno capitalino participarán músicos de diversas entidades del país y también de Francia, quienes deleitarán los sentidos de los asistentes, informaron los organizadores en un comunicado.

Este año se tiene como objetivo presentar nuevas agrupaciones por lo que un total de 80 bandas tocarán en 20 sedes diferentes", detalló Marie-José Le Duc, Directora General Adjunta de Alianza Francesa de México.

En tanto, Charlotte Michel, Coordinadora Cultural de la Alianza Francesa de México, explicó que se trata de "la novena ocasión que se hace en México la ‘Fiesta de la música', que nació en Francia en 1982, y luego se extendió a 120 países en todo el mundo, con el objetivo de exponer la práctica no profesional de los diversos exponentes de la música", detalló.

Puso como ejemplo que en Francia los grupos tocan en las calles en absoluta libertad.

"Fue concebido en un principio como una locura, pero que agradó y en México lo estamos haciendo desde hace nueve años y la respuesta de los grupos y la gente ha sido muy buena", comentó.

Charlotte Michel argumentó que 'La Fiesta de la Música' a pesar de ser un evento de origen franco y de respetar la idea original, se adapta al contexto local por lo que el 19 de junio, considerada la tarde en donde más exponentes musicales se presentarán, habrá un mercado de comida francesa y bandas mexicanas.

En la Ciudad de México, esta ocasión se programaron tres circuitos, en los cuales se presentarán estilos de música diferentes: Centro; Roma-Concesa; y San Ángel-Coyoacán, detalló Carmen Di Rosa, Coordinadora de la Fiesta de la Música.

La inauguración de esta fiesta se realizará este viernes 17 de junio y tendrá lugar en el Club Atlántico , en la colonia Centro y contará con la participación de tres bandas, 'El Monstruo son los otros', 'Los Músicos de José' y el trío francés 'Paris Belleville'.

El resto de la programación puede ser revisado en el sitio oficial de 'La Fiesta de la Música 2016'.

Entre las principales sedes donde se realizará este evento en la Ciudad de México destacan: Casa de Cultura Azcapotzalco, Club Atlántico, Escuela de Rock a la Palabra, Foro Milpa Alta, Museo de Memoria y Tolerancia, Museo de Arte Popular, Museo Casa Estudio Diego Rivera y Frida Kahlo, Museo Franz Mayer, Monumento a la Madre, Parque Naucalli, Rustic Kitchen y Universidad Autónoma del Estado de Hidalgo, por mencionar algunas.

Cabe mencionar que la Alianza Francesa también realizará parte de esta celebración en Puebla y el jueves 16 de junio contará con la presencia del trío francés y otras agrupaciones como preámbulo del festival.

Fabrizzio Guerrero Mc Manus. Algarabía
Este es un texto de las primeras ediciones de la revista Algarabía –inconseguibles– y que incluimos en nuestra edición conmemorativa de XV años.
Por los años 1800, el fisiólogo italiano Luigi Galvani presentó ante la Academia de Ciencias de Bolonia un descubrimiento que le haría pasar a la historia. Mediante la estimulación eléctrica de unas ancas de rana lograba hacer que éstas se movieran, tuvieran contracciones e incluso saltaran de vez en vez.
Él refirió que el descubrimiento había sido realizado por una persona adscrita a su laboratorio.
Lo que nunca dijo, es que ese «alguien» había sido su mujer, la cual descubrió por serendipia, mientras cocinaba, que las ancas de rana eran estimuladas al juntar electrodos metálicos de cobre.
La fuerza vital
Tal acontecimiento habría pasado inadvertido de no ser porque durante todo el siglo xvii se había desarrollado
en Europa un debate sobre cuál era la fuerza vital de los organismos, la llamada vis viva, pues ya desde el barroco Leibniz y otros filósofos naturales habían señalado la nula necesidad de Dios para explicar a los organismos vivos, dejando un vacío en el lugar que tradicionalmente ocupara el alma o, en todo caso, dejando al alma en un limbo de inexistencia material.
Así, ante el hallazgo de Galvani y con la llamada filosofía mecanicista de Newton imperando, se veía entonces por primera vez en la historia la posibilidad real de explicar la vida con principios materiales.
La electricidad era la naturaleza material del alma.

Las demostraciones de la existencia de esa fuerza y su importancia rápidamente se extendieron por Europa, y
la costumbre de dar choques a los cuerpos muertos de animales pasó entonces a ser un eje de la educación universitaria dieciochesca y decimonónica.
Erasmus Darwin
La idea se transformaría de tal forma que durante gran parte del siglo xix sería un espectáculo común el acudir a los anfiteatros para observar los cuerpos de criminales ejecutados siendo estimulados y, con ello, moviéndose y abriendo los ojos y la boca como si el individuo fuese a emitir alguna pronunciación.
Incluso llegó a los círculos médicos, ya que en el Londres del rey Jorge iii era popular dar tratamientos con opio y choques eléctricos; tratamientos que la familia real llegó a solicitar para su majestad en aquellos años cuando los americanos luchaban por su independencia y el rey agonizaba en su demencia.
Afortunadamente, Jorge iii se salvó —gracias a la prudencia de su médico— de ser tratado con estas técnicas. Lo curioso aquí es que el médico solicitado era el afamado Erasmus Darwin, abuelo del famoso naturalista descubridor de la evolución, y uno de los más destacados defensores de estas ideas.
Tan defensor fue que perdió a su hijo Charles —tío de Charles— por los tratamientos que le aplicó para intentar remediar una pavorosa enfermedad conocida como púrpura.

Erasmus incluso llegó a escribir libros donde narraba las dosis y combinaciones de electrochoques y opio que se requerían para curar distintas afecciones. Si esto pudiere parecernos raro, piénsenlo dos veces; hoy por hoy es práctica común de los aeropuertos la posesión de uno o dos desfibriladores por si algún pasajero se estresa «demasiado».
Precursora del Romanticismo
Así, las ideas de la electricidad como fuerza vital se hicieron parte de la sabiduría popular y serían llevadas a la sublimación en la novela Frankenstein o el nuevo Prometeo (1818) de Mary Wollstonecraft Shelley. Cabe aquí hacer notar que ella tenía apenas 20 años cuando escribió el libro luego de la trágica pérdida de su bebé. La idea la desarrolló en tan sólo una noche, tormentosa por cierto, en la cual se hallaba desconsolada junto a su marido Percy B. Shelley y su amigo Lord Byron.
La novela —precursora del Romanticismo— es una apología de la ciencia y la medicina como métodos de curar y entender la vida.

El carácter gótico ya era parte de la obra, pero sería hasta después que el simbolismo cambiaría para hacer énfasis no ya en la medicina y sus bondades, sino en la ciencia ciega y desenfrenada.
Para aquellos curiosos será interesante saber a quién dedicó la obra, y seguro están cerca de adivinar: a Erasmus Darwin, al que califica como «un excelente científico gracias a cuyas investigaciones se fundamenta todo lo que el libro contiene».
El origen de la vida
Pero la influencia no acaba allí, la red continúa con Charles Darwin, quien en 1871 escribió una carta en la que hacía constar el problema del origen de la vida, uno de los puntos más frágiles de su teoría de la evolución.
Para él era claro que la vida había surgido en el pasado remoto de la Tierra, sin la acción de Dios y gracias a la presencia de una serie
de factores y condiciones.

Entre ellos estaban: la luz, el calor, una serie de moléculas y claro está, la electricidad, que llevaría un rol esencial en los procesos que darían origen a los primeros seres vivos a partir de la materia orgánica.
De no ser por el hecho de que la carta fue divulgada 50 años después de ser escrita, podríamos alabar a Darwin no sólo por descubrir la evolución, sino por elucidad el origen de la vida, ya que en la década de 1930, A. I. Oparin tuvo la misma idea que serviría de base para sus famosos experimentos en los que fundamenta el origen de la vida como producto de una sopa primitiva expuesta a tormentas eléctricas.

Por Dpa. La Jornada
Oviedo. El escritor estadunidense Richard Ford fue distinguido hoy con el Premio Princesa de Asturias de las Letras por ser el "gran cronista del mosaico de historias cruzadas que es la sociedad estadunidense".

El jurado del galardón, reunido en la ciudad española de Oviedo (norte), destacó en su acta "la épica irónica y minimalista" que define a sus personajes, tramas y argumentos, así como "la desolación y la emoción de sus relatos".

Autor de obras como El periodista deportivo, Acción de gracias y Canadá, Ford ha llegado a ser considerado el heredero de Hemingway, etiqueta que rechaza. En sus obras muestra personajes vulgares, marginados y desencantados que se mueven en atmósferas densas.

El novelista reivindica la huella de Faulkner y asegura que un escritor está marcado por su experiencia.

Nacido en Mississipi en 1944, su infancia y adolescencia no fueron fáciles. Su padre murió cuando tenía 16 años. Disléxico y mal estudiante, Ford llegó a convertirse en un pequeño delincuente.

Tras su paso por la Universidad, a los 22 años se licenció en Literatura. Un lustro después, una beca de la Universidad de Michigan le permitió comenzar a escribir su primera novela, A Piece of My Heart (Un trozo de mi corazón, 1976).

Antes de dedicarse a la literatura a tiempo completo, fue profesor universitario y periodista deportivo. Aunque reniega del llamado "realismo sucio", ha sido calificado por uno de sus referentes, Raymond Carver, como el mejor escritor en activo de Estados Unidos.

Ahora, el Premio Princesa de Asturias se suma a otros galardones recogidos a lo largo de su carrera, como el Pulitzer, obtenido en 1996 por El día de la independencia, o la Orden de las Artes y las Letras de Francia.

El de las Letras, otorgado en 2015 al cubano Leonardo Padura, es el sexto galardón de esta XXXVI edición de los Premios Princesa de Asturias, que otorga cada año la fundación del mismo nombre.

Considerados los Nobel españoles y dotados con una escultura de Joan Miró y 50.000 euros (56 mil dólares), serán entregados en octubre por el rey Felipe VI en una ceremonia celebrada en Oviedo.}

Edith López Sánchez. CORACYT
El Museo de Sitio de Xochitécatl se divide en 2 secciones, en un espacio cubierto, que exhibe vasijas utilitarias o de uso común, figuras realizadas con la técnica de galleta, sahumerios prehispánicos y otros de la época Colonial.
Xochitécatl, "Lugar del Linaje de las Flores", Zona Arqueológica, ubicada a 4 kilómetros de Cacaxtla, en la localidad de San Miguel Xochitecatitla del municipio de Nativitas, fue erigido en la cima de un cerro en el cual se observan terrazas que probablemente se utilizaron como habitaciones y para el cultivo comenta Yajaira Mariana Gómez García, subdirectora de la zona arqueológica Cacaxtla-Xochitécatl.
Yo siempre recomiendo que primero vayan a la zona, reconozcan y ya después pasen al museo de sitio porque ahí están las cédulas y te explican de donde se sacan ese material, de dónde se encontró y se tenga más o menos una idea, identifiquen donde estuvo enterrado la vasija o alguna otra cosa que se encuentre ahí. El Museo de Sitio de Xochitécatl se divide en 2 secciones, una que se encuentra en un espacio cubierto, que exhibe vasijas utilitarias o de uso común, figuras realizadas con la técnica de galleta, sahumerios prehispánicos y otros de la época Colonial, jarrones del Dios Tláloc, Dios de la lluvia, esta vajilla es muy teotihuacana por los rasgos que tiene y el decorado, estas piezas puede encontrarlas en el edificio 4, en el edifico del osamento de los volcanes.
Ustedes van a observar malacates, les llaman malacates porque los ocupaban como para grabar en las paredes, collares, navajillas de ónix que fue encontrado en el edificio de la serpiente, navajillas de obsidiana, malacates de material verde que eso lo ocupaban para hacer sus collares. Es de importante referencia arqueológica, dado que las figurillas de las ofrendas encontradas en esta zona, esquematizan mayormente el ciclo de la mujer, representando nacimientos, la maternidad, los cuidados infantiles, la ancianidad y la muerte.
Lo padre del museo de sitio es, el de Xochitécatl se tienen ahí las figurillas femeninas la colección está muy bonita, viene todo el ciclo de la mujer, puedes palpar y eso se encontró en las flores, en el área más grande, el monumento más grande, fue una ofrenda, eso no lo ves ni en el museo nacional las piezas que se encuentran ahí.
Por otra parte, simbolizan una significativa condición de “Entronamiento” o elevada posición social de la mujer, como gobernantes o reinas de la región, lo que resulta muy poco común en las civilizaciones prehispánicas de Mesoamérica.
Todas las piezas tienen diferente blusón, diferente vestimenta, diferente decoración y los anillos están en diferente posición que era un símbolo de purificación, de paz, igual las piezas, si ustedes observaron todas las piezas tienen mutilación dentaria en forma de T porque era un símbolo de belleza y de purificación. Adicionalmente también constituye un aspecto importante el poder exponer reliquias prehispánicas de una de las civilizaciones más antiguas, al remontarse sus inicios desde el 750 a.C. y hasta el 950 d.C. De la parte exterior del museo conoceremos en la siguiente emisión de Museos de sitio Xochitécatl Cacaxtla.

Francisco Masse. ALGARABÍA
En un lado, un majestuoso creador bendice la unión nupcial de Adán y Eva en el Jardín del Edén. En el centro de otro jardín, sin duda más alejado de la mano de Dios, un tropel de figuras desnudas se entrega sin vacilar a diversos placeres de la carne. Del otro lado, el horror, la [...]
En un lado, un majestuoso creador bendice la unión nupcial de Adán y Eva en el Jardín del Edén. En el centro de otro jardín, sin duda más alejado de la mano de Dios, un tropel de figuras desnudas se entrega sin vacilar a diversos placeres de la carne. Del otro lado, el horror, la tiniebla y el fuego invaden la tierra y los demonios que emergen de sus entrañas engullen y torturan a los condenados... es el fin del tiempo y el comienzo de la eternidad.
Se trata del célebre trípitico El jardín de las delicias, realizado a principios del siglo xvi por uno de los pintores más enigmáticos de la historia: Hieronymus Bosch (h. 1450-1516), mejor conocido por los hispanohablantes como «El Bosco». Luego de contemplar estas escenas —y de reponerse del estupor que provocan sus abominables monstruos y la multitud de símbolos incomprensibles, así como la sensación de desesperanza que las inunda—, uno no puede dejar de preguntarse quién fue El Bosco y cómo concibió toda esa imaginería.
Se dice que era un devoto, un orate o un iluminado; que practicaba la brujería, la alquimia o que pertenecía a alguna secta herética.

¿Acaso ingería alucinógenos o fue el primero en atisbar la mente inconsciente? ¿Qué quiso simbolizar con esas alegorías moralizadoras, esos monstruos espeluznantes y los atemorizantes demonios? Y, si parecía conocer tan bien las huestes diabólicas, ¿cómo fue que, en pleno furor contrarreformista, no acabó consumido por las llamas de la Inquisición?
Un inventor de monstruos y quimeras
En realidad se sabe muy poco de El Bosco, ya que nunca llevó un diario ni hizo anotaciones sobre su vida o su trabajo. Nunca fechó un cuadro —aunque sí firmó algunos— lo cual impide estudiar su obra cronológicamente. Además, y para acrecentar el misterio, se presume que una buena parte de sus cuadros se perdieron en el siglo xvi, cuando
 su ciudad natal fue invadida por el ejército protestante y
 la furia iconoclasta de éste dio cuenta de una importante porción del legado pictórico del holandés visionario. Así, la obra que persiste hasta nuestros días es escasa, casi toda está en malas condiciones o ha sido torpemente restaurada; incluso, existen dudas sobre la autoría de algunas piezas.
No obstante, hay hechos que sí sabemos; por ejemplo, que su nombre real era Hieronymus van Aken1 y que nació, vivió y murió en Hertogenbosch —de donde deriva su mote—, una próspera y apacible ciudad holandesa situada en la frontera con Bélgica, cuyo profundo fervor católico propició el nacimiento de innumerables congregaciones religiosas. Según parece, El Bosco rara vez abandonó esa ciudad, lo que sin duda influyó de manera determinante en su concepción del mundo.
Sabemos, también, que Hieronymus provenía de una familia de pintores y que seguramente recibió su primera instrucción artística de su padre, Antonius van Aken.

El nombre de su esposa era Aleyt Goyaerts van den Meervenne y que el afamado artista pertenecía a la Hermandad de Nuestra Señora, una cofradía formada por clérigos y laicos dedicada a la veneración de la milagrosa imagen de la Virgen de la iglesia de San Juan —que era el centro de la vida sagrada y secular de Hertogenbosch—, y que sus miembros fueron sus protectores y principales clientes.
El resto de su biografía y su circunstancia cae en el terreno de la especulación. No hay pruebas convincentes de que El Bosco practicara la brujería, la alquimia o que acostumbrara ingerir algún alucinógeno. También «debemos tachar de anacrónica la tendencia de interpretar 
la obra de El Bosco en términos del surrealismo o de la psicología freudiana [...]; el psicoanálisis moderno hubiera sido incomprensible para el pensamiento del medievo: lo que nosotros llamamos libido era denunciado por la Iglesia como el pecado original; lo que para nosotros es la expresión del inconsciente, en la Edad Media eran los dictados de Dios o del Diablo.
La psicología moderna podrá explicar el interés que despiertan en nosotros las
 pinturas de El Bosco, pero nunca podrá 
explicar el significado que tenían para él y sus coetáneos»2 .
Un predicador con pincel
Para rastrear la inspiración que saturó a El Bosco y tratar de entender el mensaje de
 su obra, habría que hurgar, primero, en el folklore de su región, ya que algunos de los personajes y situaciones retratados en sus escenas corresponden a decires populares o a picarescos juegos de palabras, comunes en la Holanda medieval.
Por supuesto también se vio influenciado por las visiones filosóficas y literarias de su tiempo: el ascetismo de Tomás de Kempis en Imitación de Cristo, el satírico pesimismo de La nave de los locos, de Sebastian Brant; así como las minuciosas descripciones de la Gloria celestial y los suplicios del Infierno contenidas en la Divina comedia y en la Visio Tnugdali3 .
Podemos afirmar, entonces, que El Bosco «predicaba»
 en cada uno de sus lienzos y tableros, al tiempo que sus terroríficas creaciones y los detalles de los tormentos tenían la función de disuadir al pecador de atentar contra los mandamientos divinos.
Para El Bosco, el pecado y la locura son condiciones universales de la humanidad, el fuego del Infierno es el destino que tienen en común.

Sus cuadros más famosos —El jardín de las delicias, El carro de heno, El Juicio Final— condenan la búsqueda de los placeres físicos y el apego del hombre a la riqueza material a expensas de su bienestar espiritual y la salvación de su alma inmortal.
Para El Bosco, el mundo era un lugar de iniquidad y perversión, un falso paraíso de belleza transitoria donde el hombre vive permanentemente acosado por los demonios —recordemos que, en la alta Edad Media y durante la época de la Reforma, la gente veía al Diablo casi en cualquier lado—4 y cuya única salida posible era el ideal monástico de una vida alejada del mundo y dedicada a la contemplación de Dios. Pero, sin duda, el nativo de Hertogenbosch no abrigaba muchas esperanzas al respecto.
Entre el temor y el anhelo
El espacio no es suficiente para un análisis profundo de las obras de El Bosco. Baste decir que, si lo evaluamos meramente como artista plástico, podríamos afirmar que su técnica era muy inferior a la de otros maestros holandeses —como Jan van Eyck o Hugo van der Goes—, y ni hablar de sus contemporáneos italianos; que su uso de la perspectiva y la proporción en sus composiciones no reportó avance alguno a la pintura, o que la forma en que plasmaba la anatomía humana podría, incluso, parecer rudimentaria; además, su pincel eludió registrar su entorno geográfico, las costumbres de su época y la expresividad de los retratos, y los temas que le ocupaban eran contados: el triunfo del pecado, el Juicio Final, la pasión de Cristo, las escenas bíblicas y la vida ejemplar de los santos.
Se cree que El Jardín de las delicias pertenecía a Enrique iii de Nassau

Pero, entonces, ¿qué hizo que el buen Hieronymus escribiera su nombre en la historia? El hecho de que todas estas limitaciones hayan sido compensadas por una fecunda inventiva —la cual, aun ahora, podría calificarse de «insuperable»— que no sólo se limitó a la representación fiel de la realidad observada o descrita en los textos sagrados, sino que, haciendo uso de la divina capacidad creadora, confeccionó simbólicas visiones apocalípticas, voraces criaturas desprovistas de tórax, demonios crustáceos o alados, piernas sin dueño, monstruos armados con partes de varios animales y temibles cabezas de pájaro que degluten y defecan a las almas malditas.
Comparado con sus contemporáneos, El Bosco gana una distancia sorprendente en originalidad, contundencia y desprendimiento de las cuestiones terrenas. Con él, el horror y el éxtasis se tocan.