Cultura y Espectaculos

Edith López Sánchez CORACYT

La Secretaría de Cultura a través del programa Alas y raíces constituye a nivel nacional la jornada cultural por los derechos de las niñas y niños, en Tlaxcala llega a los municipios de San Pablo del Monte, San Pablo Zitlaltépec y El Carmen Tequexquitla, señaló Luz Estela Hernández Téllez, Jefa de Patrimonio Cultual y Programas del ITC.
Vamos a estar el día 25 haciendo estas actividades que es jugar todos con niños y niñas y va haber talleres, cuentacuentos, presentaciones artísticas de teatro y de títeres y juegos infantiles, entonces la idea es reunir a los niños y trabajar por medio de estas actividades este tema de los derechos.
Se incluirán jóvenes cuyas edades oscilen de 0 a los 16 años. Igualmente en febrero se inicia actividad en atención a la primera infancia. Es un programa que va a atender a niños desde meses hasta los 5 años, pero este va a estar trabajado en comunidades indígenas o de pueblos originarios, en este caso va a ser en Contla, Cuauhtenco, en la Magdalena Tlaltelulco y en Tetlanohcan. Especialistas y promotores culturales trabajarán de febrero a julio con las madres de las y los pequeños en las comunidades, con la finalidad de registrar como a través del juego se tratan los temas de equidad de género, costumbres e inclusión de los infantes en la sociedad durante la primera infancia, señaló la Jefa de Patrimonio Cultural y programas del ITC.

Exhiben los retratos inéditos que el fotógrafo mexicano realizó hace más de ocho décadas, para conocer sus identidades
Sonia Ávila. Excélsior
Fotos: Cortesía Asociación Manuel Álvarez Bravo
CIUDAD DE MÉXICO.
Se busca a los modelos anónimos que Manuel Álvarez Bravo retrató hace más de 80 años. Hombres con traje sastre o de torero, mujeres de vestidos pompones o de bailarinas, y niños de sonrisa desmedida, que posaron frente al artista de la lente entre las décadas de los 30 y 50 del siglo pasado. Personajes sin identificar: sin nombre, sin registro de origen, ni siquiera edad o profesión.

Son fotografías en blanco y negro que develan actitudes, costumbres e incluso ideas del México moderno a partir de personas de la cotidianidad, no artistas ni individuos públicos. Gente de la calle: “Nos parece que varios posaron a petición, probablemente fueron retratos de encargo, pero en otros es muy probable que el fotógrafo les haya pedido que posaran. A Álvarez Bravo le gustaba la gente, las personas. Su obra pertenece a lo que se llamó fotografía humanista”, señala Aurelia Álvarez Urbajtel, hija del fotógrafo.

El rastreo de los modelos se hace a través del proyecto Se busca. Retratos inéditos de Manuel Álvarez Bravo, que empezó en julio del año pasado con una campaña fondeadora para imprimir las imágenes que ahora aterrizan en una exhibición en el Museo Archivo de la Fotografía, que se inaugura mañana. Son 168 retratos con los que se espera recabar información que reconstruya la historia de algunos de estos hombres y mujeres.

“Son personas anónimas mientras no sean identificadas. De hecho hay algunos que ya fueron identificados, como lo descubrirá el público (en la exposición), ya que estará indicado en las cédulas de las piezas”, acotó la también directora de la Asociación Manuel Álvarez Bravo que resguarda un acervo total de 33 mil 500 imágenes, inscritas en el Registro Internacional Memoria del Mundo de la UNESCO en 2017.

Álvarez Urbajtel cuenta que al encontrarse con un número mayor de retratos sin datos y sin alguna coincidencia en cuanto a características físicas, vestimenta o temática que remitiera a un posible proyecto artístico del artista, se decidió emprender una campaña de recaudación de fondos para imprimir los negativos y dejar que el público identificara a los personajes.

Tal vez un nieto, un amigo, un familiar o un vecino pueda reconocer a los hombres en la carreta o a la niña de cabello corto que mira al cielo; imágenes que integran la muestra. Por la distancia temporal no se espera encontrar algún retratado, pero sí alguien que logre hilar su historia completa. En las fichas de cada obra se incluirán algunos datos que ayuden a reconocerlos.

“Nos llamó la atención un número importante de retratos que tomó a personas que no podíamos identificar, nos divertía tratar de determinar quiénes eran, a qué se dedicaban, les dábamos vueltas y vueltas e inventábamos historias. Son personas que se habían quedado prisioneras en unas cajas y fugado en el tiempo y el espacio, y decidimos intentar a ayudar a escapar de su anonimato con la exposición, esperando identificar al mayor número de personas”, precisa.

De este universo de rostros se imprimieron 105 imágenes en plata sobre gelatina, la técnica análoga, y 63 más fueron procesados digitalmente. Y sin un eje temático o conceptual, las piezas se montaron en sala, una tras otra como un abanico de rostros. “Se colocaron según nos iban gustando, puestos unos junto a otros: juegos de miradas, elementos que a veces aparecen varias veces, como un sillón, una azotea, una calavera de azúcar”.

Además de la tarea de reconocer a los personajes, la muestra repasa el género del retrato en la producción de Álvarez Bravo. Una práctica recurrente en el ejercicio del llamado “poeta de la lente” quien siempre se interesó por captar el sentido humano, las emociones de un comunidad, la gente en su esencia como un detonador de historias. “Las personas eran para él un tema de gran interés. Es un tema clásico en las artes, al que desde luego él no podía faltar”, refiere Álvarez Urbajtel. Los retratos responden a la época de madurez estética del fotógrafo, cuando hizo películas como Tehuantepec, o los cortometrajes Los tigres de Coyoacán, La vida cotidiana de los perros, con el escritor José Revueltas.

Una vez catalogados los retratos, como el resto del acervo que incluye publicaciones, libros y documentos, se sometieron a tareas básicas de conservación. Si bien el archivo está en buenas condiciones, la directora señala que había algunas piezas infectadas, otras afectadas por espejo de plata, rayones u otro material dañino que se retiró con limpieza.

El revelado e impresión de las imágenes se hizo en el cuarto oscuro que el también Premio Nacional de Ciencias y Artes 1975 usó durante años, luego de que el espacio se rehabilitara como parte de la conservación de su legado.

Álvarez Urbajtel señala que la Asociación mantiene la labor de investigación, conservación y difusión del acervo del artista, sobre todo tras el reconocimiento de la UNESCO. “El reconocimiento ha realzado la importancia de estas tareas y reforzado nuestro convencimiento”.

¿DÓNDE Y CUÁNDO?

Se busca. Retratos inéditos de Manuel Álvarez Bravo se inaugura el 22 de febrero a las 19:00 horas en el Museo Archivo de la Fotografía (República de Guatemala 34, Centro Histórico).

Por Paula Carrizosa

El director del Instituto Nacional de Lenguas Indígenas (Inali), Juan Gregorio Regino, consideró que se debe insistir, posicionar y difundir entre la sociedad que México es una nación multilingüe con 69 lenguas nacionales, de las cuales 68 son originarias y la otra es el castellano.

El funcionario federal indicó que destacar la presencia de las lenguas originarias –que según la Encuesta Intercensal 2015 del Inegi, en México más de 7 millones de personas hablan alguna de ellas–, es fundamental al hablar de inclusión, un principio de la política del estado mexicano.

“Qué mejor manera de verlo reflejado que incluyendo a las lenguas indígenas como componente de la identidad, de la historia y de la realidad que vive actualmente nuestro país”, dijo en el marco del Día internacional de la lengua materna que se conmemorará este 21 de febrero y que este año de manera institucional tiene el lema Preservar la diversidad lingüística y promover el plurilingüismo para apoyar los objetivos de desarrollo sostenible”.

El titular del Inali aseguró que existe un movimiento de expresión literaria y plástica indígena de relevancia, que pone a la lengua en el escenario estético contemporáneo, tanto en lenguaje sonoro y gráfico, como en el oral.

Juan Gregorio Regino expuso que es el caso de la oralitura, una tradición literaria de los pueblos indígenas “que hoy en día se posiciona como una expresión de vanguardia muy notable; el crear literatura, cuento y narrativa desde la oralidad, es algo que debe valorarse y trascender más allá de lo comunitario, es uno de los aportes más importantes que los pueblos indígenas están haciendo en este momento”.

En materia sonora, ahondó, la música tradicional se ha fusionado con otros géneros y ha hecho florecer una amalgama que da una nueva vitalidad a la música indígena contemporánea y en pintura, jóvenes creadores también están plasmando en el arte, desde una visión indígena con fusiones de tintes occidentales.

“Están sucediendo cosas muy importantes que nos dan muestra de la vitalidad que tienen las lenguas, de la vitalidad que tienen las culturas indígenas y del lugar que están buscando en el escenario no solo nacional, sino universal”.

Pese a ello, indicó Juan Gregorio Regino, los retos aún son muchos para una institución como el Inali y, el primero es que la sociedad reconozca que México es una nación multilingüe con 69 lenguas nacionales.

Esta diversidad lingüística, detalló, constituye un patrimonio, una riqueza y una fortaleza que es parte de nuestra identidad, de nuestra mexicanidad y llegar con estas lenguas es símbolo de resistencia, de un gran valor intelectual, de un capital social y político para las comunidades indígenas, pero también para la sociedad en general.

“Muchas (de las lenguas indígenas) están en inminente peligro de desaparecer –agregó– por lo que se debe buscar la forma de salvaguardarlas, de registrarlas, de alentar su uso oral, buscar que se reaprenda, trabajar con niños, jóvenes, ancianos, para que puedan retransmitirse, re enseñarse y puedan de alguna forma seguir manteniendo esa vitalidad que es fundamental para que podamos seguir contando con estas lenguas”.

Además, se requieren políticas lingüísticas regionales que fomenten la coexistencia de las lenguas en igualdad, por ejemplo del maya y el español, o el zapoteco y el español. Se trata de una transformación total de la visión que antes buscaba conformar una nación homogénea y monolingüe, para que ahora nuestro país se abra a la pluralidad.

Sobre esta conmemoración, que desde 1999 se lleva a cabo por iniciativa de la Unesco, el poeta en lengua náhuatl Mardonio Carballo destacó que hay un grupo importante de artistas que han dedicado su tiempo y su labor para hacer discursos creativos que ya han seducido a una parte de la sociedad, que se vuelve sensible al tema de los pueblos indígenas.

El asunto de la lengua, aseguró, no sólo es cultural, sino totalmente transversal, pues los niños necesitan educación en su propia lengua y variante dialectal, además del rediseño del proceso judicial para impartir justicia en la propia lengua de los pueblos indígenas, que clínicas de salud y museos atiendan también estos requerimientos, para dar a sus hablantes la vida digna a la cual todos tenemos derecho.

Destaca que este miércoles 21 de febrero, en el marco del Día internacional de la lengua materna, habrá un par de conferencias a partir de las 17 horas en la Casa de las Bóvedas de la UAP –Juan de Palafox y Mendoza 406, centro–: La diversidad lingüística y cultural de la ciudad de Puebla, a cargo del arqueólogo Eduardo Merlo; y Las teorías racistas del delito en la ciudad de Puebla, con la historiadora María del Pilar Pacheco.

Edith López Sánchez CORACYT

Visionestr3es de Arnulfo Santos Florenzano se exhibe en la galería Desiderio Hernández Xochitiotzin. 3 facetas donde muestra obras realistas, surrealistas, escultura y action painting.
Una cronología, la obra escultórica piedras sufridas y mujeres sin sombra esta porque efectivamente hay una catarsis del artista y a través de la obra expreso esa inconformidad y la igualdad que debe haber entre géneros.
A través del dibujo y pintura en acrílico hace una mirada a Tlaxcala y sus espacios emblemáticos.
Por último escultura y pintura a través del action painting, pinturas abstractas que vienen del inconsciente y que de alguna manera a través de la psicología del color pues expreso estas 3 temáticas, estas 3 técnicas.
A partir del 15 de febrero y hasta el 10 de marzo de 10 a 18 horas se muestra esta retrospectiva de Santos Florenzano.

Adriana del Moral

Para establecer el valor de una obra de arte, se toma en cuenta no sólo los materiales y el trabajo empleado, también la demanda que esa pieza tenga.

El valor de muchas obras se establece, además de por los materiales y el trabajo empleado para su elaboración, por una relación entre la oferta y la demanda. Pero, ¿cuánto puede valer una pieza única cuyo precio no está determinado sólo por las leyes del mercado, sino también por el deseo y por algo tan subjetivo como una apreciación estética? Aquí analizamos algunos factores que determinan el precio del quehacer artístico.

Tal vez habría que empezar por decir qué es el arte, antes de enumerar las características que le dan valor. «El DRAE lo define como la “manifestación de la actividad humana mediante la cual se expresa una visión personal y desinteresada que interpreta lo real o imaginado con recursos plásticos, lingüísticos o sonoros”. Es decir que, a raíz de dicha actividad, el hombre crea algo a lo que denominamos obra de arte, esa que contemplamos en museos o escuchamos en salas de conciertos, que aparentemente no tiene un fin utilitario, que pretende originalidad estética y belleza universal.»

En 2011, Los jugadores de cartas, de Paul Cézanne, se convirtió en la obra de arte más cara, alcanzando el valor de 250 millones de dólares, que fueron pagados por la familia real de Qatar.

Desde tiempos antiguos el ser humano ha acumulado piezas de arte para su deleite personal, como colecciones, botines de guerra, reliquias o forma de inversión. Distintos factores determinan la cantidad de dinero por la que puede intercambiarse una pieza artística.

Un poco de historia: del saqueo al Renacimiento
Ya en la Antigüedad los nobles de Grecia y Roma poseían colecciones de arte que reunían piezas de las regiones conquistadas. En la Edad Media muchas familias acomodadas acumularon artículos de mármol, oro, bronce, marfil y maderas preciosas.

El Renacimiento se caracterizó por un gran desarrollo de las artes y por el apoyo que patronos como la Iglesia y la aristocracia prestaban a los artistas a través de la producción por encargo o de la adquisición de grandes cantidades de obras para decorar monumentos, palacios y villas. Tal es el caso de los mecenazgos —ejercidos por poderosas familias, como los Médici y los Sforza— y su relación con artistas de la talla de Leonardo da Vinci, Miguel Ángel, Caravaggio, el Veronés y Masaccio.

QR-arte-01

Hay registros de que en el siglo XVI existieron en Florencia y Venecia mercados especializados en el comercio de arte. A lo largo de la centuria siguiente los Países Bajos se convertirían en el núcleo de esta actividad en Europa, gracias a la comercialización de las obras de Rembrandt, Rubens y Vermeer, principalmente.

Auge y modernidad
Tal como lo conocemos en la actualidad, el comercio de arte alcanzó su auge durante el siglo XVIII, cuando la burguesía europea empezó a invertir en él como objeto de ostentación social. Durante ese periodo se consolidaron dos instituciones que se constituirían en hitos del comercio artístico: las ferias de arte abiertas al público y las casas de subastas. Las ferias son eventos culturales y económicos que han resultado fundamentales para la distribución internacional del arte. En 1737 se realizó por primera vez la muestra bienal del Salón Carré del Louvre, organizada por la Académie Royal d’Art, que fue de las primeras ferias en permitir la entrada de la sociedad en general.

En 1564 en el Salone degli Innocenti, de la Academia de Florencia, se celebró una de las primeras ferias en las que se ha documentado la comercialización de arte: se vendieron 17 de 25 cuadros pintados como homenaje a Miguel Ángel Buonarroti tras su muerte.

Por su parte, las salas de subastas cumplen una función primordial en determinar los precios del mercado de arte, mediante la fijación de sus precios de salida. Los valores pagados por las distintas obras que se han subastado a lo largo del mundo están recogidas en las guías de precios, que a su vez funcionan como referente para calcular el valor de las piezas en nuevas transacciones. La casa de subastas más antigua de que se tiene registro es la sueca Stockholms Auktionsverk —fundada en 1674—, sin embargo, las londinenses Sotheby’s y Christie’s que abrieron respectivamente en 1744 y 1766, operan hasta el día de hoy como dos de las multinacionales más grandes en su ramo; ambas han realizado algunas de las mayores subastas de arte a escala mundial.

QR-arte-02

También durante el siglo XVII se dio un mayor desarrollo de las galerías privadas, donde el marchante servía como intermediario entre los artistas y los coleccionistas, apoyando y dando a conocer el trabajo de nuevos creadores e, incluso, marcando tendencias dentro del mercado artístico. Por ejemplo, varios miembros de la familia van Gogh fueron marchantes —y aún así, Vincent pudo vender solamente un cuadro en toda su vida.

A principios del siglo XX destacaron personajes como Ambroise Vollard, quien expuso y comercializó obras de artistas icónicos de la pintura moderna como Paul Gaugin, Paul Cézanne, Henri Matisse y Pierre-Auguste Renoir, además de que sostuvo con algunos de ellos una profunda amistad; o Daniel-Henry Kahnweiler, quien fue uno de los principales promotores del movimiento cubista en las decádas de 1910 y 1920 y resultó definitivo en el comercio de la obra de sus principales exponentes: Pablo Picasso, Georges Braque, Juan Gris y André Derain.

QR-arte-03

Posteriormente, con el auge de las galerías neoyorkinas se introdujeron otros factores que aumentaban el valor de las obras, por ejemplo, las modas, las tendencias y los estilos de vida de los artistas. En la actualidad, son las galerías las que establecen los límites de las preferencias aceptables en el mercado y han reemplazado a los museos y a la Academia como las más «consagradas autoridades», al dar el último sello de legitimidad a los artistas y definir quiénes se pueden «colocar» en el mercado, como ha señalado el filósofo Pierre Bourdieu.1 Pierre Bordieu, Distinction. A Social Critique Of The Judgement Of Taste; Cambridge: Harvard University, 1984.

«En breve tiempo, comerciantes, coleccionistas y críticos desarrollan un consenso acerca del valor de la obra y cómo puede ser apreciado. Cuando esto ocurre, debemos decir que el comerciante ha aleccionado a una audiencia para la obra artística que él sostiene» Howard S. Becker

Desde el siglo antepasado los coleccionistas son un factor decisivo para el mercado artístico y la donación de colecciones privadas ha permitido la creación o ampliación de muchos museos.

Historia paralela: la especulación
QR-arte-04Existe un segmento de compradores de arte cuyas motivaciones son puramente financieras: se trata de los especuladores. Si su presupuesto está limitado, apuestan por el trabajo de artistas que inician su carrera, con objeto de revender más tarde con beneficios. Tratan de adquirir sólo obras que previsiblemente adquirirán más valor. No compran una obra, sino la firma.

Este tipo de inversiones son normalmente a largo plazo, entre otros motivos, porque a «los coleccionistas no les gusta ver en el mercado una misma obra dos veces seguidas, eso la devalúa» y porque «el inversor puede equivocarse al apostar por un activo artístico».2 Schwartz, Carlos, «Una cierta “artesclerosis”», El País, 9 de febrero de 1992; p. 3.

Tras la I Guerra Mundial y hasta el crack financiero de 1928, el mercado de arte tuvo un gran impulso gracias a las casas de subastas. Posteriormente, la caída de las bolsas mundiales en octubre de 1987 generó que los bancos centrales sostuvieran la actividad económica inyectando liquidez en los mercados bursátiles para impedir una catástrofe similar a la de 1929; los especuladores aprovecharon este sostenimiento artificial para mantener sus beneficios inviertiendo en mercados como los del arte.3 Uriol, E., «Mercado del arte, rentabilidad a largo plazo», Cinco Días, 10 de febrero de 1990; pp. 18-19.

Por lo tanto, algunos compradores adquieren obras, sobre todo de arte contemporáneo, cuyo sentido pueden no entender, pero al pagar un altísimo precio por ellas hacen que su cotización suba mucho más, generando un efecto multiplicador que se consolida en sí mismo.

A partir de la crisis del mercado del arte de 1990 sólo la pintura europea del siglo XIX y la obra de algunos artistas del XX se han revalorizado progresivamente. Las épocas más cotizadas en la actualidad son la impresionista y la moderna, debido a que se pusieron de moda entre coleccionistas e inversores, hasta llegar al punto en que el valor de la obra de arte en el mercado se determina fundamentalmente por lo que el comprador está dispuesto a pagar.

QR-arte-05

Esto ha beneficiado a las casas de subastas y algunos especuladores, pero perjudicado a los museos, sobre todo a los de propiedad pública, cuyos presupuestos no bastan para competir con los niveles de precios alcanzados por ciertas obras. Además, la especulación ha disminuido en cierta medida los préstamos de obras para exhibiciones debido al encarecimiento de los seguros para las obras de arte.

Un mercado impredecible
A comienzos de 2011, el cuadro La esperanza, del pintor francés Paul Gauguin —cuya obra es considerada una de las más importantes del siglo XIX—, creado como un homenaje a Van Gogh, se subastó en Christie’s con un precio de salida de 12 millones de euros. Al final el cuadro no se vendió, pese a las grandes expectativas que su venta había generado.

QR-arte-06

En cambio La mañana, pintura del mismo autor y perteneciente al mismo periodo artístico, había alcanzado un precio de 26 millones de euros en otra subasta celebrada años antes en Sotheby’s. Lo cual nos demuestra que los mercados en general —y el del arte en particular— no dejan de ser en cierta manera impredecibles y caprichosos.