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Cultura y Espectaculos

Vega: las fiestas de los pueblos originarios están ligadas al sistema cultural de la milpa

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Categoría: Cultura y Espectaculos Creado: 18 Diciembre 2017 Visto: 3023

milpaPor Paula Carrizosa. La Jornada de Oriente

Las fiestas decembrinas de los pueblos originarios están íntimamente ligadas al sistema cultural de la milpa, aseguró la antropóloga Estela Vega Deloya, quien destacó que existe un legado culinario entre algunas poblaciones indígenas y mestizas con alimentos que tradicionalmente sólo se preparan o se comparten durante estas fechas.

“Octubre es el mes de la cosecha; después de recogerla en los pueblos ya no se trabaja, es el tiempo de la fiesta, tiempo de las secas. Con regocijo se agradece a los dioses y se celebra esta relación entre el hombre y la naturaleza que prevalece en la cultura indígena y popular de México”, destacó la investigadora del Inventario del Patrimonio Cultural Inmaterial de la Dirección de Desarrollo Regional y Municipal de la Dirección General de Culturas Populares, Indígenas y Urbanas de la Secretaría de Cultura federal.

La especialista explica que en ciertas celebraciones, como en el caso de las posadas, coincide el calendario mesoamericano y el de los pastores europeos.

Señala que a este sincretismo, donde se fusionan el nacimiento de Jesús y la cosecha del ciclo agrícola mesoamericano, la investigadora mexicana de origen austriaco Johanna Broda Prucha, lo define como una “reelaboración simbólica” de dos cosmovisiones imbricadas en una misma festividad.

Las posadas, que inician el 16 y finalizan el 24 de diciembre, tienen su antecedente en el México colonial, cuando se llevaban a cabo las llamadas misas de aguinaldo, donde se ofrecían obsequios de Navidad y se acompañaban con villancicos alusivos al nacimiento del niño dios.

Algunos escritores y especialistas afirman que surgieron en el año de 1587, en el poblado de San Agustín de Acolman, estado de México, con el propósito de adoctrinar a los pueblos originarios. Otros, como Mariano de Cárcer y Disdier, investigador nacido en Málaga y nacionalizado mexicano, sostienen que llegaron de Andalucía, España.

Aun sin saber cuál es la versión que corresponde a la realidad, en México los elementos que las rodean las convierten en una práctica única en el mundo y son una festividad que está profundamente arraigada.

En este sentido, la antropóloga Estela Vega menciona que las posadas son el símbolo de la abundancia y de los dones que se reparten al momento de romper las piñatas y como celebración posterior a la cosecha.

“Entre los evangelizadores se adoraba al niño Jesús; en la tradición mesoamericana, eran los ‘tlaloques’, pequeños servidores del dios de la lluvia, Tláloc, y que también se relacionaban con el maíz, los que de alguna manera lo representaban. Al término de la estación de lluvias regresaban a la tierra durante la cosecha, cuando el maíz ya estaba maduro (los niños eran las mazorcas)”, expuso.

En 1942 el también investigador mexicano Germán Andrade Labastida presentó un trabajo en el que afirmaba que la celebración del nacimiento de Huitzilopochtli se realizaba alrededor de los días que coinciden con la navidad. Se llevaba a cabo durante la noche y “al día siguiente había fiesta en todas las casas, donde se obsequiaba a los invitados comida suculenta e ídolos pequeños hechos de maíz azul, tostado y molido, mezclado con miel negra de maguey”.

Respecto al tema culinario transportado al escenario actual, Estela Vega comenta que más allá del ponche –que se ha extendido a lo largo del territorio nacional, con variadas recetas según la región y los ingredientes del lugar–, hay recetas básicas como el atole, los tamales, los buñuelos, la colación y la fruta propia de esta conmemoración.

Ejemplifica que en el estado de Veracruz, en la región de Los Tuxtlas, la tradición de las posadas la llevan a cabo los niños y adolescentes en una práctica que se conoce como La Rama.

Mientras que en las comunidades de Tixtla, Tlapa y Olinalá, en Guerrero, se come el pozole verde de semilla de calabaza chihua, exclusivamente para las posadas, y que también tiene que ver con este sistema ritual, festivo y agrícola. Otro caso es en Zozocolco de Hidalgo, Veracruz, donde la comunidad totonaca bebe el atole agrio, elaborado con semilla de maíz fermentada, y prepara el chilpozonte.

Finalmente, Estela Vega afirmó que este lazo entre las festividades surgidas en la Nueva España y la cultura mesoamericana, y que derivan en el mestizaje, son parte de esta reelaboración simbólica a la que se refiere Johanna Broda y que se expresan en la cocina tradicional de las posadas.

 

¡Guillotina!

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Categoría: Cultura y Espectaculos Creado: 18 Diciembre 2017 Visto: 2937

s3 guillotina postCarlos Bautista Rojas. Algarabía

Al escuchar su nombre, no es difícil imaginar un desfile interminable de cabezas dentro de una canasta, mientras un grupo de señoras tejen despreocupadas frente a tan sanguinario espectáculo. Aunque la guillotina se convirtió en emblema de la Revolución Francesa a finales del siglo XVIII, su origen es aún más antiguo.

«Los ministros de la Santa Guillotina estaban vestidos y dispuestos. Se oyó un chasquido y en el acto una mano empuñó una cabeza que mostró al público; las tejedoras de calcetas apenas levantaron los ojos y se limitaron a exclamar a coro: «¡Una!». Esta escena de la novela Historia de dos ciudades, de Charles Dickens, es la misma que predomina en el imaginario colectivo sobre ese instrumento de pena capital por antonomasia: la guillotina.

Al escuchar su nombre, no es difícil imaginar un desfile interminable de cabezas dentro de una canasta, mientras un grupo de señoras tejen despreocupadas frente a tan sanguinario espectáculo. Aunque la guillotina se convirtió en emblema de la Revolución Francesa a finales del siglo xviii, su origen es aún más antiguo.

Made in England
Como la champaña, el perfume y muchas otras cosas que suponemos de origen francés, el mecanismo de la guillotina es inglés. En Halifax, Yorkshire, Inglaterra, existía un instrumento llamado gibbet que consistía en dos columnas de madera de 4.50 metros de alto, entre las cuales se suspendía un hacha de hierro —montada en una viga transversal— llena de plomo, que se controlaba con una cuerda y una polea. Según los registros, al menos 53 personas fueron ejecutadas con este instrumento entre 1286 y 1650.

Durante la Edad Media, el pueblo de Halifax prosperó gracias al comercio de telas, pero, como éstas se ponían a secar en grandes bastidores, los robos eran muy frecuentes. Por ello, los comerciantes encontraron que el mejor método para disuadir a los ladrones era decapitar con la gibbet a cuantos lograban atrapar. Más tarde, en Edimburgo, Escocia, se creó un instrumento muy parecido al que llamaron Maiden —«Doncella»— y tal vez de éste tomaron los franceses la idea para el diseño de la guillotina.

Un privilegio para nobles
La decapitación, como método de pena capital, es tan añeja como la humanidad misma. Algunos personajes han pasado a la historia más por la forma en que murieron que por cuanto hicieron en vida, como san Juan Bautista, quien, según la Biblia, fue decapitado por orden de Herodes Antipas a petición de Salomé —no es difícil imaginar la danza entre erótica y tétrica que, según el texto bíblico, ejecutó Salomé alrededor de la cabeza del profeta—. ¿Y cómo olvidar a las atormentadas Ana Bolena y Catherine Howard —ambas esposas de Enrique viii—, cuya decapitación fue el método más práctico que encontró el rey de Inglaterra para casarse de nuevo?

En la antigua Roma, la decapitación estaba reservada a los ciudadanos libres

En Inglaterra también fueron decapitados Tomás Moro, el obispo John Fisher, Jean Grey —reina por nueve días—, María Estuardo —enviada a ejecutar por su prima, la reina Isabel i— y el rey Carlos i, decapitado tras la Revolución Inglesa. La gran reina roja, personaje de Lewis Carrol en Alicia en el país de las maravillas, es una alegoría a esta «bonita tradición» de la nobleza inglesa que, a la menor provocación, ordenaba: «¡Qué le corten la cabeza!»

Entonces, ¿por qué la guillotina produce tanto temor y odio, como si antes de ella jamás se hubiera usado ese método de ejecución?

Charles Dickens sintetizó lo que simbolizaba la guillotina de esta forma: «Todos los monstruos devoradores e insaciables creados desde que la imaginación pudo registrar sus fantasías se han fundido en este engendro único: la Guillotina.»

«Libertad, igualdad, fraternidad»
Tal vez la «mala fama» de la guillotina se deba a la transformación social que desató en Europa la Revolución Francesa. Aunque ocurrieron varias revoluciones antes —las inglesas, la industrial o la llamada «burguesa» en la Edad Media—, la Francesa se toma como pauta de los cambios radicales entre el régimen monárquico y el Estado Nación.

La Revolución Francesa no fue un evento único que comenzó con la toma de la Bastilla —como se representa en el cine y la televisión—, sino una serie de acontecimientos que se gestaron a partir de la apertura de los Estados Generales —el 5 de mayo de 1789— y el golpe de Estado de Napoleón —9 de noviembre de 1799—. Los orígenes de esta «revolución» se encuentran en el creciente laicismo y el espíritu reformista del siglo xviii. Contra lo que se piensa, no fue «el pueblo» quien dirigió este cambio político, sino un grupo privilegiado que cuestionó la opresión fiscal del campesinado frente a los beneficios de la nobleza y el clero, y la decadencia del antiguo régimen. Esto dio entrada al capitalismo, a la creación de la clase media y la industrialización.

«Uno puede sentir cierta indiferencia ante la pena de muerte... hasta que ves una guillotina.» Victor Hugo

El 21 de enero de 1793, Luis xvi fue guillotinado y unos meses después comenzó el llamado «reino del Terror», encabezado por el Comité de Salvación Pública —presidido por Robespierre—, que envió a la guillotina a centenares de aristócratas y a todo ciudadano que fuera acusado de actividades contrarrevolucionarias. A decir del propio Robespierre, la política del Comité se justificaba así: «El terror no es más que la justicia rápida, severa e inflexible». Tan inflexible, que el mismo Robespierre fue decapitado en 1794.

Los historiadores calculan que, a partir de la Revolución Francesa, y durante los primeros diez años de aprobarse el uso de la guillotina, más de 15 000 personas fueron decapitadas.

Una muerte más humanitaria
Joseph Ignace Guillotin fue un médico humanitario que aborrecía las ejecuciones públicas. Por ello, en 1789 presentó una propuesta ante la Asamblea Nacional para reformar y humanizar el sistema penal francés, que consistía en usar un método de ejecución que no discriminara a los pobres —que eran ahorcados e incluso asesinados a golpes— de los ricos, pues éstos últimos eran decapitados de forma relativamente «limpia».

Antes de la guillotina, las ejecuciones comunes eran: muerte a palos, crucifixión, ser quemados vivos, hervidos en un caldero o desmembrados. La menos «dolorosa» de las ejecuciones, hasta entonces, era la horca

La propuesta de Guillotin fue rechazada de inmediato, pero la idea de una muerte instantánea quedó en boca de todos, hasta que en 1792 Antoine Louis, secretario de la Academia de Cirujanos, presentó una nueva propuesta, acompañada de un modelo del instrumento, cuya peculiaridad consistía en llevar una hoja en diagonal. Por eso, durante un tiempo a este instrumento se le llamó Louison o Louisette — se dice que Marat bautizó al instrumento con ese nombre.

La familia de Guillotin solicitó en repetidas ocasiones que se le cambiara de nombre al «aparato ejecutor».

En abril de 1792, la guillotina fue probada con ovejas y luego con cadáveres. La Asamblea Nacional adoptó el uso de la guillotina para que «la pena de muerte fuera igual para todos, sin distinción de rangos ni clase social» y la primera persona decapitada con este artefacto fue Nicolás Jacques Pelletier, presuntamente acusado de robo.

Con el tiempo y, por diversas casualidades, el instrumento se asoció al nombre de Guillotin —tal vez por su insistencia en un trato más humanitario para todos— a pesar de que su familia solicitó en repetidas ocasiones que se le cambiara de nombre al «aparato ejecutor».

Contra lo que dice el mito popular —difundido ad nauseam por las cadenas de Internet con supuestos «datos extraordinarios»—, Guillotin no murió decapitado por la máquina que lleva su apellido, sino que falleció en su casa en 1814 a causa de un carbunco —ántrax maligno— infectado en un hombro.

Urbi et orbi
El empleo de la guillotina no se limitó a Francia; por ejemplo, en la Alemania nazi, se estima que 40 000 personas fueron decapitadas entre 1938 y 1945.

En Suecia, la guillotina dejó de emplearse en 1910; en Bélgica, en 1918; en Alemania Federal en 1949; y en la República Democrática Alemana, en 1969.

Resulta imposible probar cuánto tiempo permanece consciente una cabeza separada del tronco. De ocurrir, el cálculo más aceptado por los fisiólogos, es de entre cinco y trece segundos.

La última persona decapitada en Francia con la guillotina fue un inmigrante tunecino, acusado de violar y asesinar a una joven en 1977. La pena de muerte fue abolida en Francia en 1981, pero no fue sino hasta 2007 que el Parlamento la eliminó de la Constitución francesa.

Tal vez el terror hacia la guillotina radique en esa leyenda negra que afirma que uno es consciente del dolor y de todo lo que sucede después de la decapitación por varios segundos.❧

El autor de esta nota opina que todo aquél de hable de sí mismo en tercera persona merece ser enviado, directo y sin titubeos, a la guillotina. Así podrían evitarse tantas y tamañas palabras «entrecortadas». Recibirá tus observaciones y comentarios en Twitter. Síguelo como @alguienomas

 

Cuentos de hadas para monstruos solitarios

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Categoría: Cultura y Espectaculos Creado: 18 Diciembre 2017 Visto: 3108

Captura de pantalla 2017 10 23 a las 10.54.59Mariana Jurado. Algarabía
Tim Burton nos ha legado un repertorio de insólitos héroes y nostálgicas reinvenciones de íconos pop.

Inadaptado, melancólico y poseedor de una enorme imaginación, Timothy Walter Burton llegó al mundo para maravillarnos con sus macabros cuentos de hadas. Su carrera cinematográfica le ha traído sangre nueva a la animación stop motion; cimentó la estética del superhéroe «oscuro» y nos ha legado un repertorio de insólitos héroes y nostálgicas reinvenciones de íconos pop.

Durante los últimos 30 años la palabra «burtoniano» nos ha remitido a un universo mágico salido de nuestras pesadillas infantiles, mucho más perturbadoras —y significativas— que las que cualquier adulto podría tener. Bebiendo de las estéticas del estilo victoriano, el gótico, el grotesco y el expresionismo, Burton ha seguido la tradición de Charles Dickens, Edward Gorey, Roald Dahl o el Dr. Seuss, creadores que encontraron en un campo aparentemente pueril el suelo más fértil para hablar del horror existencial que subyace en lo cotidiano.

En la obra de Tim Burton el espectador —ya sea niño o adulto— puede sumergirse en las honduras de la alienación, la maldad y la depresión; puede ponerse en la piel del monstruo, del loco, del rechazado; puede mojar la punta de los pies en la inevitable muerte que a todos nos espera y jugar en terreno seguro con los miedos y criaturas que acechan en la noche. Catarsis pura, pues.

Tim Burton nació en 1958 en Burbank, California, un soleado escenario tan cercano a Hollywood que la línea entre la realidad y la acción dejó de existir. Vivió en los suburbios toda su infancia y adolescencia —épocas que recuerda como «una brillante y surreal depresión»—, un lugar tan «puritano y burocrático» que le resultaba siniestro. Tratando de huir del incomprensible mundo real, pasaba las horas muertas en el cementerio del vecindario y consumía voraz toda la «cultura chatarra» que caía en sus manos: películas serie B, novelas de horror, programas televisivos de ciencia ficción y misterio.

Su padre había sido un jugador estrella de beisbol amateur y tenía ciertas esperanzas de que su hijo se interesara en los deportes, pero Tim no tenía de reza alguna. No fue un buen estudiante y tenía pocos amigos; prefería pasar las tardes dibujando, creando pequeñas películas animadas con bizarras figuritas moldeadas en arcilla o filmando con su cámara Súper 8 cortometrajes sobre Harry Houdini, científicos locos o monstruos salidos de los dibujos que garabateaba mientras fingía poner atención en clase.

Esclavo del ratón

Al llegar a los 18 años entró al Instituto de Artes de California —CalArts—, donde desarrolló la estética que lo definiría en cortometrajes como El rey y el pulpo y El ataque del monstruo de apio. En 1979 el departamento de animación de Disney lo contrató como parte de una renovación que pretendía inyectar sangre fresca a la compañía. Comenzó a trabajar en películas como El zorro y el sabueso, El caldero mágico y Tron, pero ninguno de sus trazos llegó al desarrollo final.

«Trataba de dibujar a uno de esos tiernos zorros y terminaban luciendo como los hubieran atropellado en la carretera».

Aunque el mérito de su peculiar estilo visual lo había destacado, ahora le exigían que se adaptara a las formas suaves y dulces, características de la productora.

A pesar de que animadores legendarios como Glen Keane o Andreas Deja lo guiaron en sus primeros pasos, nadie en la compañía parecía saber qué hacer con sus siniestros diseños. Aunque ya habían pasado casi veinte años desde la muerte de Walt Disney, sus estudios seguían hundidos en el desconcierto; ante la incertidumbre fueron muchos los proyectos arrivados, rechazados o radicalmente modificados.

Burton describe esos años como una «tortura china»: enfrentaba fuertes problemas de depresión, se escondía por horas en los armarios de la compañía o bajo los escritorios y dormía catorce horas diarias, muchas de ellas sentado en su restirador con un lápiz en la mano, fingiendo dibujar.

Sumido en la desesperanza se encontró con inesperadas manos amigas que moldearían su carrera: Richard Heinrichs, también estudiante en el CalArts, que demostró un espectacular talento para la escultura; la productora y guionista Julie Hickson, y Tom Wilhite, el director de desarrollo creativo, que en un inmenso acto de fe le otorgó al extraño animador 60 mil dólares para realizar un cortometraje de su propia invención.

Los poemas y Price

Durante sus ratos libres Tim escribía un tétrico libro de poemas infantiles que después sería la semilla de Vincent, un cortometraje de cinco minutos en el que un melodramático niño deja que su mórbida imaginación vaya demasiado lejos en su deseo por imitar a Vincent Price —el ídolo cinematográfico de Burton—. Filmado en blanco y negro, tiene una fuerte influencia del cine expresionista y es narrado por el mismísimo Price, quien afirmó que este homenaje era «mejor que cualquier estrella en el paseo de la fama».

Vincent nos muestra el futuro ethos de la obra de Burton y presenta dos de sus principales —y autorreferenciales— arquetipos: el «chico alienado» que se refugia en juegos macabros y en la cultura pop que nadie más entiende, para consternación de una sociedad o figura de autoridad que trata de «normalizar» su comportamiento; y el «padre fallido», que no puede entenderlo ni ayudarlo a encajar en un mundo amenazador. El cortometraje obtuvo excelentes críticas y un par de premios, pero el tono era tan macabro y fuera de línea con el estudio que no supieron qué hacer con él, dejándolo archivado por más de 20 años.

Su siguiente trabajo —aún bajo contrato de Disney— fue una película para televisión basada en el cuento de Hansel y Gretel, al que dio un giro solicitando un reparto japonés, utilizando su conocida estética en fascinantes escenas de animación cuya técnica homenajea la obra de Harryhausen, y escenificando una «pelea final» de kung-fu entre la bruja y los niños. Aún en esta etapa él no pensaba en ser un director, simplemente deseaba espacio y libertad para «crear».

En 1984 el estudio le permitió filmar Frankenweenie, un cortometraje en blanco y negro de 25 minutos que, haciendo un emotivo homenaje a la película de James Whale, nos muestra a un joven y solitario Victor Frankenstein reviviendo con electricidad a su adorado perro, para horror de los vecinos de su aburrido suburbio. Aquí encontramos uno de sus temas más arraigados: héroes de siniestra apariencia que aportan belleza a un mundo que, en su supuesta normalidad, resulta vacío y violento.

El estudio y los censores con consideraron que el material no era apto para niños, lo enlataron y despidieron a Burton. 28 años después la historia reviviría en forma de un largometraje animado cuadro por cuadro, producido —irónicamente— por Disney y estrenado en 2012.

 

Especial Náhuatl 4. Xochipitzahuac, leyendas, curandera

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Categoría: Cultura y Espectaculos Creado: 13 Diciembre 2017 Visto: 2986

xochipitzahuacDolores Mercado. CORACYT
El xochilpitzahuatl, bello canto indígena creado por los pueblos prehispánicos de habla nahua, continúa vigente en algunas comunidades, San Miguel Xaltipan es una de ellas

El “baile del guajolote”, al son de la Xochipitzáhuac da inicio al convite interfamiliar. El padre del muchacho iba primero a casa de la novia a pedir su mano. Luego se realizaba la boda civil, y a la salida los papás del novio regalaban chiquihuites con pan y queso a sus futuros consuegros y también a los padrinos. Luego los invitaban a comer. El mero día de la boda, los padrinos, el novio y los papás iban a casa de la muchacha a llevarle presentes. Ya luego se iban a casar a la iglesia y después a comer a casa de la novia o el novio; ahí ponían un petate con flores sobre el que bailan el guajolote (los padrinos van cargando unas ollas con frijol, mole y todo eso, lo que es la comida, pues, además del guajolote que se supone se van todos a comer.

El xochilpitzahuatl encierra la concepción de la vida y la muerte como unidad inseparable.

El brujo (tetlahchihuic) ha dejado de aparecer en los campos y barrios de los pueblos, aunque algunos todavía refieren historias de estos personajes, otrora indispensables en la tradición oral de la gente.
Ya llega todos santos y mi mamá me dice: vete a traer mi babero, me lo están haciendo con la señora con la que hace y ya fui con la señora, vine a traer el babero de mi mamá y dice: todavía no la termino, espérate tantito, ahorita lo voy a terminar. Ya me senté y ya lo está terminando, está trabajando, trabajando, después ya lo acabó y ya me da pero ya se está oscureciendo, oscureciendo y ya me da y ya me voy, salgo, ya salí en el camino, todo oscuro, no se ve nada, oscuro y volteo, veo así en la casa y está prendido, puyes ya lo ví en la casa y está prendido, ya camina y cuando lo veo un hombre grande con su sombrerote negro, grandote y que me regreso rápido corro

La medicina tradicional el conocimiento de la herbolaria, los baños de temazcal es una de las prácticas que los pueblos originarios conservan y transmiten de generación en generación
Victoria Nava Pérez Curandera Tradicional6:56 Mi mamá la finadita andaba curando y ya aprendí algo, andaba curando a los niños, los enderezaba, los emparejaba, les ponía ventosas.
La medicina tradicional de los nahuas hoy día es una mezcla entre los conocimientos prehispánicos y lo moderno.
En San Miguel Xaltipan luchan por conservar su lengua, costumbres y tradiciones, una forma de ser y de vivir

 

Savia

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Categoría: Cultura y Espectaculos Creado: 13 Diciembre 2017 Visto: 2801

IGNACIO NETZAHUALEdith López Sánchez. CORACYT

Ignacio Netzahualcoyotl, artesano textil y artista plástico conjuga sus conocimientos para manifestar su preocupación por la depredación que hace el hombre de la naturaleza en la instalación “Savia”, la cual se exhibe en Casa del Artista a partir del 8 de diciembre y hasta el mes de enero del 2018.

Savia lo que trata de reflejar es esta parte de igualdad entre planta entre los seres vivos y el humano, éste último como siempre ya nos caracteriza somos depredadores, somos la parte que depreda de los seres vivos, por supuesto que todo debe tener un equilibrio y un ciclo.

Textiles intervenidos con el tinte palo de brasil y fibras naturales muestran la violencia, la intransigencia del ser humano hacia la naturaleza, la tala inmoderada, la destrucción por la destrucción y con ella la agonía de las mismas personas en esta relación simbiótica

Savia es en el sentido de cómo esa sangre, así quiero llamarlo, se derrama de las plantas hacia la vida, entonces es una conciencia de ver que las plantas también son seres vivos, que son parte fundamental de nuestra vida, yo creo que si no hacemos una reflexión en torno al cuidado de las plantas, del ecosistema es como ponernos una bolsa de plástico y estar asfixiándonos nosotros mismos.

Savia es una invitación a la reflexión a través del arte que Ignacio llama cero contaminante, obras realizadas libres de químicos que perjudiquen el medio ambiente.

Recuerde Casa del Artista se ubica en calle Lardizábal número 14, Tlaxcala centro.

 

Ausencio

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Categoría: Cultura y Espectaculos Creado: 13 Diciembre 2017 Visto: 2787

RULLFOOEdith López Sánchez. CORACYT
“Ausencio”, obra ganadora del premio un Rulfo a Primera Novela 2017 de Antonio Vázquez, escritor oriundo de Oaxaca, nace cuando su autor cursa un diplomado en la extinta escuela mexicana de escritores
Surge de una imagen que tuve en Real de 14 en el desierto y desde entonces que me quedé con esa imagen dije, quiero escribir sobre este desierto y aunque la novela no aparece como Real de 14 ni nada así, aparece como un pueblo en la mixteca oaxaqueña o algo así, está inspirado por esa imagen que tuve, esa experiencia.

Antonio encontró su vocación como escritor a los 21 años, cuando asistió a la escuela de escritores y escribió “Ausencio”, su primer novela
La novela trata, se le muere el padre al narrador y muere por alcoholismo y siempre fue esta figura ausente, entonces el hijo no sabe cómo reaccionar ante esa muerte, no sabe si sentir enojo, o sentir tristeza porque no es un padre malo, así violento, simplemente es un fantasma, entonces n sabe cómo reaccionar, entonces toda esa novela se trata de enfrentar eso y no puede y va repitiendo los patrones de su padre.

Ausencio pretende plasmar la realidad, la ausencia de la figura paterna como uno de los males que aqueja a las familias núcleo de la sociedad, factor causante de la violencia en que vivimos, señaló Antonio Vázquez, en su visita a Tlaxcala.

 

El año en el que llegó el primer árbol de Navidad a México

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Categoría: Cultura y Espectaculos Creado: 13 Diciembre 2017 Visto: 2864

arbol de navidad mexico 1600Esta es la historia de cómo llegó el primer Árbol de Navidad a México y del lugar en el que fue instalado por primera vez.
Josué Huerta. Editor web en México Desconocido
En diciembre de 1864, la aristocracia mexicana que asistía con frecuencia al Castillo de Chapultepec quedó maravillada con la belleza de un árbol ataviado en sus ramas con diversos adornos para festejar la Navidad.

Ninguna mujer u hombre opulento en México había visto hasta entonces algo semejante, pues aunque el árbol de Navidad años atrás ya había sido nombrado por la iglesia católica como el “árbol de Cristo” y reconocido como parte de las celebraciones navideñas, la costumbre de colocarlo apenas había llegado a Europa y norte de América.

Y sí, los encargados de traer ese primer árbol navideño a México fueron los emperadores Maximiliano de Habsburgo y su esposa Carlota, quienes quisieron crear una atmósfera europea en su residencia en México, que como ya dijimos fue el castillo de Chapultepec.

Es válido ponerse a pensar que el Palacio Nacional, asentado en pleno Zócalo, pudo haber sido el primer lugar que diera refugio a aquel primer árbol de Navidad en México.

De no ser porque un año antes, cuando los emperadores llegaron a México, rechazaron ese recinto tras pasar una tormentosa primera noche picados por una plaga de chinches, a grado tal que se narra que Maximiliano tuvo que dormir sobre una mesa de billar.

Para 1865 casi se pierde la recién llegada moda imperial de colocar un árbol de Navidad en el Castillo de Chapultepec derivado de la muerte de Leopoldo I, Rey de Bélgica y padre de Carlota, deceso que obligó a imponer un luto nacional, no obstante el adorno fue colocado.

La historia no dice mucho acerca de si el adorno decembrino se instaló en 1866, no obstante lo que es seguro es que para la Navidad de 1867 ya no se colocó porque seis meses atrás Maximiliano había muerto fusilado en Querétaro, con lo que el imperio había llegado a su fin.

Posterior a este episodio todas las modas europeas traídas por los emperadores fueron mal vistas en México, así se fue olvidando por unos años la moda de colocar un árbol de Navidad por la aristocracia, hasta que en 1878 el general Miguel Negrete, colocó uno en su propia casa.

Se cree que lo puso influenciado por sus viajes a Europa y Estados Unidos, aunque lo cierto es que su árbol causó tal vez más furor que el instalado por los emperadores 14 años atrás.

Pues la prensa describe como el general Miguel Negrete, el mayor enemigo político de Porfirio Díaz, había sido ataviado con luces, heno y sendas ramas que ocupaban un gran espacio en su casa. Aseguran que bajo el pino había 250 lujosos regalos que serían para cada uno de los invitados a la cena navideña.

 

UNAM convoca a concurso Punto de Partida edición digital

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Categoría: Cultura y Espectaculos Creado: 13 Diciembre 2017 Visto: 2661

bases unam puntoNotimex | La Jornada
Imagen tomada de la convocatoria difundida a través de http://www.cultura.unam.mx/Convocatorias

Ciudad de México. Como una forma de impulsar a jóvenes escritores universitarios, la Dirección de Literatura de la UNAM creó la versión digital de su certamen Punto de Partida, en el que ese tipo de soportes contribuirán a la difusión de obra emergente.

Los interesados deberán enviar un libro de tema libre, escrito en español, en las categorías de novela corta, cuento, ensayo literario (no artículo académico), crónica y poesía.

El premio incluye la publicación de un libro en formato digital (e-book) para su venta a través de la plataforma de Libros UNAM y su difusión en medios diversos, así como la entrega de siete mil pesos.

Mauricio Montiel Figueiras, uno de los organizadores del certamen, recordó que "vivimos en una época en la que los soportes digitales son más frecuentes y han terminado por complementar el trabajo de difusión de obras y autores en el ámbito literario, sin ellos, muchos autores no tendrían la oportunidad de ser leídos".

A partir de esa premisa es que se creó este concurso, convocado por CulturaUNAM, a través de la Dirección de Literatura, que sigue la tradición de la revista "Punto de partida", que fue creada para dar espacio a nuevos escritores en la década de los 60. Sin embargo, esta nueva convocatoria centra su trabajo en la difusión literaria a través de ediciones digitales de libros de un solo autor.

El certamen, expuso, está dirigido a todos los estudiantes de la Universidad con cuenta vigente que tengan un interés más profundo en dar a conocer su trabajo literario y deseen participar para conseguir la publicación de un libro de su autoría en formato digital (e-book), para su venta a través de la plataforma de Libros UNAM y su difusión en medios diversos.

Los interesados podrán concursar en una o varias de las categorías -con sólo un trabajo por cada una- aunque sólo podrán ser acreedores al premio en una de ellas.

Todos los libros deberán ser inéditos en un 60 por ciento, con un mínimo de 60 cuartillas y un máximo de 150, escritos a computadora, con tipo de letra Times New Roman de 12 puntos, a doble espacio y en hojas numeradas tamaño carta.

Los textos deberán ser firmados con seudónimo y entregados en un sobre que presente en el exterior el título del trabajo, nombre del concurso, categoría, el seudónimo, y que además contenga un sobre de menor tamaño, cerrado con datos del autor, seudónimo, categoría, número de cuenta, copia de credencial de estudiante, domicilio, teléfono y correo electrónico.

Acotó que sólo habrá un ganador por cada una de las categorías y el fallo del jurado será inapelable, se dará a conocer directamente a los autores ganadores, en medios de comunicación y a través de las redes sociales de Twitter @edpuntodepartida y la página de Facebook “Ediciones Digitales Punto de Partida”. Tras el concurso ningún trabajo será devuelto.

Figueiras remarcó que la UNAM sólo contará en exclusiva con los derechos patrimoniales sobre la edición digital de los libros ganadores por un año, por lo que los autores podrán disponer de los derechos de sus libros en los demás soportes.

La recepción de trabajos será de lunes a viernes, con fecha límite el miércoles 28 de febrero de 2018 a las seis de la tarde, en la Dirección de Literatura de la Coordinación de Difusión Cultural UNAM, (Zona Administrativa Exterior, Edificio C, 3er Piso a un costado del Museo de Ciencias Universum-,Insurgentes Sur 3000, Coyoacán, Ciudad Universitaria, 04510, Ciudad de México.), de 9:00 a 15:00 y de 17:00 a 18:30; excepto en el periodo vacaciones, del 18 de diciembre al 7 de enero.

 

Abren el archivo de García Márquez. A disposición en Internet, consulta gratuita de más de 27 mil fotos

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Categoría: Cultura y Espectaculos Creado: 13 Diciembre 2017 Visto: 2509

garciamarquerzzDpa. Periódico La Jornada
Miami/ Austin.

El Centro Harry Ransom (HRC, por sus siglas en inglés), de la Universidad de Texas, anunció ayer que más de 27 mil imágenes del archivo del escritor colombiano Gabriel García Márquez ya podrán ser consultadas desde cualquier parte del mundo por Internet.

Las imágenes, que incluyen fotografías, audios, textos inéditos, un borrador de sus memorias y de un capítulo completo de su obra cumbre, Cien años de soledad, materiales de sus libros, álbumes de recortes y cuadernos, una memoria y guiones podrán ser consultadas por cualquier persona.

Abarcando más de medio siglo, el contenido refleja la energía y disciplina de García Márquez; también revela una misión íntima de su trabajo, familia, amistades y visión política, dijo en un comunicado la bibliotecaria del HRC a cargo del proyecto, Jullianne Ballou.

Acceso a una comunidad global

Rodrigo García, hijo del escritor, destacó el alcance del archivo, que la Universidad de Texas adquirió por más de 2 millones de dólares en 2014 y que un año después fue abierto para su investigación académica.

Foto
Gabriel García Márquez con Emma Castro (hermana de Fidel Castro), en 1957. Fotografía de autor desconocido incluida en el archivo digital del escritor, lanzado ayer por la Universidad de Texas, el cual puede ser consultado en el sitio web: www.hrc.utexas.edu/press/releases/2017/ggm.html
El mayor interés de mi madre (Mercedes Barcha), mi hermano (Gonzalo) y el mío siempre fue que el archivo de mi padre alcanzara la mayor audiencia posible. Este proyecto permite aún mayor acceso al trabajo de él, incluyendo una comunidad global de estudiantes e investigadores, dijo.

El proyecto, con materiales en inglés y español, estuvo a cargo de bibliotecarios, archivistas, estudiantes, personal de informática y restauradores que por más de 18 meses trabajaron. La apertura del archivo del Nobel de Literatura 1982, quien falleció en 2014 en México, se inscribe en la celebración de los 50 años de la novela Cien años de soledad y los 90 del natalicio de García Márquez.

 

12 ilustradoras crean el calendario Serpientes en la Luna para detonar otros proyectos de arte

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Categoría: Cultura y Espectaculos Creado: 13 Diciembre 2017 Visto: 2596

ilustradddorassPor Paula Carrizosa
Foto Abraham Paredes
Serpientes en la Luna es el nombre del proyecto en el que 12 ilustradoras del centro y sur del país trabajaron en los últimos meses en torno a un objetivo en común: la realización de un calendario gráfico artesanal que, con su venta, servirá para detonar otros proyectos independientes de arte.

Janeth Huerta Calvario, miembro de la cooperativa gráfica Tinta Negra, es una de las participantes de este proyecto que tiene, como fondo, el trabajo de cooperación y colaboración mutuas.

Durante una entrevista, la egresada del Instituto de Artes Visuales del Estado señaló que el calendario Serpientes en la Luna se gestó a partir del paso por Puebla de ¡Ah Perrillas!.

Esta, explicó, es una caravana surgida en el sur del país por el colectivo Son Altepee de Acayucan, Veracruz, y conformada por mujeres que, motivadas por la amistad y su necesidad migrante, decidieron emprender el camino para tejer una red con compañeras y compañeros en diversos territorios.

Entonces, contó Janeth Huerta, las mujeres artistas compartieron los conocimientos y se dispusieron a trabajar desde sus diversos lugares de trabajo: de la Sierra Popoloca de Veracruz al Totonacapan veracruzano, cruzando por la Sierra Norte de Puebla para llegar a la zona mixteca y zapoteca de Oaxaca.

Durante una entrevista, señaló que así como en ¡Ah Perrillas! se conjuntaron mujeres motivadas por la amistad, en el proyecto se unieron “compañeras que en el camino decidimos tener un resultado gráfico para reunir la voz de todas las mujeres”.

El resultado, contó, fue este calendario que gira en torno a diversas temáticas en torno a la feminidad, cada una disuelta entre los colores y las líneas de la serigrafía.

Expuso que Serpientes en la Luna es un nombre que viene de la tradición oral de Veracruz, en donde nos cuenta este mito que refiere que cuando dos serpientes venenosas se pelean por su territorio y una gana, a la que perdió la lleva debajo de la planta donde está el antídoto de su veneno y no la deja morir sola.

Asimismo, el nombre tiene que ver con “la carga simbólica y su relación que tienen con el tiempo, ritmo, regeneración, salud y la luna como acompañante y parte de nosotras en los ciclos de la vida”.

Así, en enero se trabajó sobre el autocuidado y conexión con el cuerpo, en febrero sobre las otras prácticas amorosas, en marzo respecto a la sonoridad, acompañamiento y apoyo mutuo.

Para abril la propuesta fue el binomio mujer y erotismo, en mayo se abordó el tema de las herramientas, medios de comunicación y su apropiación para la lucha; mientras que para junio se reflexionó sobre la otra maternidad.

En el mes de julio queda evidente la relación de la menstruación y la Luna, en agosto se propuso reflexionar sobre la descolonización del cuerpo y la mente femeninos, en septiembre se abordó la autodefensa.

Para cerrar, en octubre cupo la reflexión sobre mujer y naturaleza, mientras que para noviembre se tocó el tema de la herencia de nuestras abuelas y la compartición de la palabra; y en diciembre, la temática fue en torno a la mujer y la muerte.

“Es un calendario que por su diseño guarda relación con las fases lunares y su conexión con el ciclo menstrual. Caben también las anotaciones, porque pensamos que el tiempo nos rige y la Luna está constante contacto con nosotras”, señaló Huerta Calvario.

Informó que el proyecto Serpientes en la Luna contó con el apoyo del taller Grabando Resistencias, Malanga taller de gráfica tropical, ¡Ah Perrillas!, la Escuela de gráfica popular Martínez del 68 y la cooperativa gráfica Tinta Negra.

En dichos espacios, gracias a la labor de diseño, impresión y armado de La Emilia, Caro Rodríguez, Zuimi, Luis Caro Ayapantecatl, Mario Martínez, Claudia y la propia Janeth Huerta, se produjeron cuatro mil 500 impresiones en serigrafia.

Huerta Calvario puntualizó que con el trabajo de las 12 artistas gráficas y sus 12 ilustraciones también se hizo una revaloración y reivindicación del trabajo artístico, de laboratorio y de taller, así como del proceso que es largo y artesanal.

Indicó que participaron las grabadoras Carolina Ayapantecatl, Victoria González, Anarno, Lá Emilia, Zuimi, Argelia, Luz, Tetera Isr, Jan Calvario, Gabriela Morac, Gema y Violeta Juárez.

Agregó que cada calendario tiene un precio de 300 pesos y que el dinero recaudado servirá para desarrollar otros proyectos artísticos comunitarios en los que se desenvuelven las participantes.

Para adquirir un calendario se puede visitar el sitio de facebook Diálogos insurrectos entre mujeres libres y una de las artistas se lo llevará hasta sus manos.

 

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