Cultura y Espectaculos

Podrás conversar con esculturas en el Museo de Antropología

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Categoría: Cultura y Espectaculos Creado: 23 Noviembre 2017 Visto: 2846

piedra sol aplicion museo antropologia 550 El Museo de Antropología lanza una aplicación con la que podrás hacerle preguntas a 11 de las piezas que se encuentran en el recinto.

Beatriz Gaspar
¿Te imaginas preguntarle personalmente a la Coatlicue cuánto pesa? Pues el Museo Nacional de Antropología (MNA), vivi una experiencia única a través del proyecto “Voces de otros tiempos”, iniciativa desarrollada por IBM y su plataforma de inteligencia artificial Watson.

De manera personalizada, los usuarios pueden manipular, desde un teléfono inteligente, la aplicación basada en audio y voz, que cuenta con la capacidad de dar respuesta hasta 22 mil preguntas. Este proyecto fue desarrollado durante cinco meses por IBM en colaboración con el MNA, el Patronato del Museo Nacional de Antropología y el Instituto Nacional de Antropología e Historia (INAH).

‘Voces de otro tiempo’ enlaza el pasado, el presente y el futuro de México, para llevar la experiencia museográfica a una nueva era”, señaló Antonio Martins, general manager IBM México en conferencia de prensa.
“Voces de otro tiempo” es una experiencia exclusiva en el Museo de Antropología enfocada al público nacional y de habla hispana. Se podrá interactuar con 11 piezas ubicadas en dos salas: Mexica: Piedra del Sol, Coatlicue, Piedra de Tizoc, Ocelocuauhxicalli, Coyolxauhqui y el Penacho de Moctezuma; Maya: Dintel 26, Friso Estucado, Tumba de Pakal y Chac Mol; así como con el Mural “Dualidad” de Rufino Tamayo.

Además por medio de la aplicación, el visitante del MNA podrá formular las preguntas que quiera, de manera que la plataforma Watson se vaya alimentando progresivamente, sumando cuestionamientos nuevos a los 22 mil que ya integran su memoria.

Esta experiencia estará disponible a partir del 1 de noviembre hasta abril de 2018, de martes a viernes sin costo adicional al de la entrada del museo. Se cuentan con 50 dispositivos y los horarios se deben consultar en el módulo de informes. No te la puedes perder.

Planes para disfrutar la Navidad 2017 en la CDMX

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Categoría: Cultura y Espectaculos Creado: 23 Noviembre 2017 Visto: 3182

hhhh Te compartimos estos planes para disfrutar de la Navidad en la Ciudad de México. Visita la pista de hielo, las luces de Navidad y la nieve en la calle de Madero.
México Desconocido
Conoce México, sus tradiciones y costumbres, pueblos mágicos, zonas arqueológicas, playas y hasta la comida mexicana.

Oficialmente ya inició la temporada navideña, y por toda la ciudad ya se pueden ver árbolitos y luces de colores, así que para que no te pierdas ningún evento esta temporada te decimos cuales son los planes para disfrutar de la Navidad en la Ciudad de México.

La primera parada es el Zócalo de la CDMX que en esta ocasión no sólo instalará una pista de patinaje, sino que habrá 4 pistas de hielo, dos toboganes y caminos congelados de tres metros de ancho, así como el monumental árbol de Navidad, donde puedes tomarte tu selfie de la temporada.

En este lugar también se espera que se mantenga el espectáculo “Luces de Navidad”, un evento formado por un espectáculo de luces que prenden y apagan en 23 árboles de estructura metálica de 1.5 a 5.5 metros de altura.

Durante el show que dura 15 minutos se pueden obsevar más de mil lamparitas de led al tiempo que se escuchan canciones como”Deck the halls”, “Himno a la alegría”, “Duelo de banjos”, “Noche de Paz” y “Feliz Navidad” .

Otro evento que no te puedes perder es ver una nevada en la calle de Madero, un evento que ocurre entre las 19 y las 21 horas, cada 15 minutos, sobre este corredor y casi la esquina con Isabel la Católica. La sorpresa es ir caminando por este lugar y de pronto escuchar villancicos y ver cómo cae la nieve en el lugar mientras la zona se ilumina un poco más... una experiencia divertida y relajante.

Si buscabas una razón más para ir tú con tus amigos o llevar a tus hijos al Centro histórico de la Ciudad de México, te aseguramos que estas ideas les va a encantar.

Los instrumentos agrícolas de Mesoamérica

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Categoría: Cultura y Espectaculos Creado: 21 Noviembre 2017 Visto: 4019

agriloass Recolección y transporte de hijuelos de maguey para su posterior plantación. Códice Florentino, lib. XI, f. 200v. Digitalización: Raíces
Como no podía ser de otra manera en una agricultura manual, los instrumentos de trabajo lo eran también y fueron manejados por los campesinos de Mesoamérica con notable destreza, y de esa manera compensaban una parte de la elevada inversión laboral. Entre los más importantes y generalizados estuvieron las hachas con hoja de pedernal, piedra o aleaciones de cobre, engastadas en madera. Se emplearon en la tala forestal cuando se abría un terreno al cultivo, o bien en la roza de la vegetación secundaria en los sistemas forestales o arbustivos ya estabilizados. Es posible que las hachas se enmangaran de otras maneras para emplearlas en tareas como los deshierbes y podas. Los instrumentos de cultivo propiamente dichos fueron básicamente de cuatro tipos, el primero de los cuales era el bastón o palo plantador de madera dura o endurecida al fuego, llamado en náhuatl uitzoctli, empleado sobre todo en los sistemas forestales con mínima alteración del suelo. Los otros tres se conocen con el nombre genérico de coas o uictin en náhuatl. Se utilizaron especialmente en los sistemas intensivos y de mediana intensidad, en los cuales el suelo se labraba en distintos grados. La gran mayoría eran de madera, pero a veces tenían hojas metálicas (de aleaciones de cobre) cuyos tamaños y diseños variaban. Los mejor identificados son los siguientes: 1) el uictli o coa de hoja, el de mayor uso y más ampliamente distribuido en Mesoamérica, tenía un mango que se extendía hasta formar una hoja plana más ancha, a veces como cuchillo, otras como triángulo o medio corazón. Era de uso múltiple puesto que además de usarlo en la agricultura, lo utilizaron en albañilería o para desazolvar canales; 2) el uictli o coa grande a manera de pala, de una sola pieza de madera, tenía una hoja triangular en ángulo recto al mango, descrita como “coa grande que le dan con el pie”; 3) el uictli axoquen o coa pequeña con mango zoomorfo a manera de palita corta, era de dos piezas, con un mango remata- do con una figura tallada de mono, perro o ave.

Otros artefactos que posiblemente se usaron en la agricultura fueron las navajillas de obsidiana, las rozaderas, los instrumentos para extraer céspedes (similares a las hachuelas pero con mango largo), los mazos, cuchillos y punzones, pero no las macanas o macuáhuitl como erróneamente han afirmado algunos.

Rescatan claves creativas de Kahlo

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Categoría: Cultura y Espectaculos Creado: 21 Noviembre 2017 Visto: 2911

kahhloo La editora Claudia Madrazo desmenuzó los elementos que componen el diario de Frida Kahlo para obtener las claves del proceso creativo de la pintora

VIRGINIA BAUTISTA

Imágene: Cortesía La Vaca Independiente
CIUDAD DE MÉXICO.

¿Qué puede decir a los lectores del siglo XXI el diario personal que Frida Kahlo (1907-1954) escribió durante los últimos diez años de su vida? Esta es la pregunta que se hizo la editora Claudia Madrazo, quien decidió “desmenuzar” los elementos que componen este objeto artístico y obtener “las claves secretas” de su proceso creativo, para recomendarlas como herramientas de autoconocimiento.

La directora de La Vaca Independiente, quien contribuyó al rescate y publicó por primera vez El diario de Frida Kahlo hace 20 años, seleccionó este libro “que generó un interés explosivo”, que ha sido traducido ya a una veintena de idiomas, para festejar los 25 años de esta editorial “dedicada a la integración del arte como vehículo para la transformación pedagógica”.

Por esta razón, acaba de lanzar El diario de Frida Kahlo. Una nueva mirada, con textos de Karen Cordero y Eduardo Casar; y entrega además una propuesta singular: el Cuaderno íntimo inspirado en Frida Kahlo, de su autoría, en el que muestra las técnicas creativas que la pintora utilizó para “conectarse consigo misma” e invita a los lectores a ponerlas en práctica con el mismo objetivo.

Así, herramientas como listas de palabras, poemas, relatos autobiográficos, cartas reales o inventadas, dibujos, pinturas, manchas, rayones, huellas o tachaduras, asociación libre de ideas, garabatos y collages pueden construir “un camino de autodescubrimiento y liberación”.

La licenciada en Ciencias de la Comunicación por la Universidad Iberoamericana explica en entrevista con Excélsior que el diario de Kahlo “me ha acompañado muy de cerca durante estas dos décadas y he desarrollado con él una relación especial, porque es un documento complejo, como compleja era Frida; y de alguna manera esta cercanía me llevó a preguntarme qué más tiene este documento, qué nos puede decir hoy”.

Agrega que, con esta reflexión, “empecé a desmenuzar el diario y a nombrar los elementos que lo componen, porque no es un diario tradicional, no empieza con un relato cotidiano, sino con una lista de palabras. Sin filtros y sin códigos para entender eso resulta un libro difícil de penetrar”.

La maestra en Museología y semiología de objetos culturales por la Universidad de Essex, Inglaterra, confiesa que lo primero que se le reveló es que es una obra de arte total. “El diario, si bien fue un objeto íntimo de Frida, en realidad es una obra de arte con una capacidad infinita de significación”.

Añade que revisó este objeto artístico multidisciplinario desde sus cualidades literarias, poéticas, sonoras y simbólicas. “Nos abre en una forma distinta como usuarios y espectadores para aproximarnos a Kahlo. Y revela otras técnicas que no vemos en sus cuadros”.

Quien ha fundado y participado en diferentes ONG dedicadas a la transformación social, destaca que “en esta investigación personal encuentro que hay claves secretas que ella usó para su propio proceso de autoconocimiento y de expresión creativa. Porque, finalmente, un diario es un espacio en el que uno se habla a uno mismo, se encuentra con uno mismo”.

Dice que esta nueva revisión expande la mirada de lo que es este objeto. “Puede generar todo un nuevo discurso, es un nuevo momento para el diario, invita a una nueva revisión desde un lugar diferente”.

PAUSA A LA MENTE
Con esa semilla, explica Claudia Madrazo, surge el Cuaderno íntimo inspirado en Frida Kahlo, que rescata estos elementos y los organiza en tres categorías. “Una tiene que ver más con limpiar la mente, descansar el pensamiento, que hoy en día es fundamental debido a la complejidad del mundo, una especie de ponerle pausa a la mente”.

Señala que los ejercicios que extrae del diario, “como escritura automática, grafiteo con distintas técnicas, son recursos que hoy la neurociencia reconoce como técnicas para limpiar el pensamiento, para pasar de estar atorado en la complejidad de los pensamientos a un espacio de más tranquilidad y silencio interior. Esos ejercicios le ayudan a la mente a desconectarse de lo cotidiano y a entrar a una dimensión más profunda”.

Así, tras decodificar estos gestos creativos de Frida, construye los ejercicios para acompañar a la gente en los procesos de exploración de su mundo interior. Éstos se indican de manera didáctica, con ejemplos de lo que hizo la pintora, y se propone realizarlos en las páginas en blanco que se dejan en el cuaderno.

La admiración que le tenemos a Frida tiene que ver con esa capacidad que tuvo como mujer de transformar el dolor en creación. Es un ejemplo de virtuosidad importante para este momento que estamos con tanto dolor, enojo y sufrimiento. Reconocer que hay formas virtuosas de expresar estos sentimientos, que nos ayudan a crecer”, indica.

La promotora cultural subraya que el cuaderno “es una invitación a conectarte contigo mismo y reconocer la grandeza que hay en cada uno, que todos tenemos dolor; pero que hay herramientas, técnicas, métodos, para transformar esto en creación”.

Concluye que, ante el mundo virtual, también se pretende revalorar el contacto con el acto material de crear: pinturas, crayones, papel, romper el paradigma de la hoja en blanco, y desmitificar que el acto de crear es sólo para unos cuantos, unos genios locos.

Todos podemos crear. No se trata de que mañana estarás en un museo, pero sí encontrar alternativas. La invitación es a manejar las relaciones humanas de formas más constructivas”, apunta.

La editora aclara que las dos ediciones del diario de Kahlo, la de hace 20 años incluye un texto del escritor Carlos Fuentes, seguirán vigentes y en librerías; y que el cuaderno puede adquirirse solo, separado de la nueva edición, o junto con ella.

Arte urbano: artistas y sus intervenciones

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Categoría: Cultura y Espectaculos Creado: 21 Noviembre 2017 Visto: 2997

ate urbanno Astrid García Oseguera
¿Imaginas cuántas manifestaciones artísticas se esconden en las calles que transitas día con día? A través de la búsqueda de un significado social, el arte urbano ha hecho suya la calle para acallar el silencio.

Con una estatura de 2.24 metros y un peso de 224 kg, André the Giant fue uno de los grandes campeones mundiales de lucha. Su trascendencia como figura va más allá de la interacción en el ring; en 1989 su rostro se fijó con pegamento en las calles de Rhode Island, EE.UU, no por sus logros deportivos, sino por un acto reapropación del espacio público llevado a cabo por Shepard Fairey, un diseñador gráfico que, sin saberlo, había comenzado la popularización de una nueva corriente artística: el arte urbano.
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Foto: Carlos Quevedo
A través de una mixtura de técnicas como la gráfica y la serigrafía, esta corriente urbana le hacía frente al acaparamiento del espacio público por parte de las empresas publicitarias y la propaganda política.

Lo que inició en la década de los 80 con estampas en esténcil y grafiti en las calles, mutó en una ejecución artística que rescataba la dedicación del muralismo y detalles propios del futurismo.
Así, esta moderna reinterpretación recuperó algunos de los preceptos del Pop Art: dejar atrás toda pretensión artística para instalarse en la búsqueda de un lienzo a través del cual trasmitir y difundir la ideología de los artistas urbanos que, más allá de lo estético, estos espacios respaldaban su inconformidad en torno a situaciones sociales y políticas, como el consumismo, la guerra y la explotación.
Artífices callejeros
Tras casi tres décadas de incursión en el arte urbano, existe un artista cuya identidad sigue siendo un enigma: Banksy, un individuo británico que destacó en la mirada pública en 2005 debido a una de sus primera apariciones: la realización de nueve dibujos de grafiti en la barrera israelí de Cisjordania. Un acto de reapropiación de los espacios que se entiende como una declaración de resistencia.
De esta manera, el trabajo de Banksy evidenciaba una vertiente que subyace en toda manifestación de arte urbano: la inconformidad en relación a los conflictos armados que, en este caso, han permanecido latentes en Israel y Palestina. A través de sus trazos, los cuales eran protagonizados por niños, palomas de la paz y militares, se hizo evidente que, más allá del reconocimiento, el Street art busca hacerle frente a la indiferencia.
banksy
Ya sea a través de grafiti, esténciles, proyección de video, instalaciones callejeras, serigrafía o esculturas, cualquier representación de arte urbano va más allá de la demarcación de un territorio; se trata de un acto de unidad. Una oportunidad para crear un manifiesto en comunión a través del cual, además de proyectar un naciente estilo artístico, se hacen evidentes las necesidades de cambio y las carencias que aquejan a la sociedad en general.
En ese sentido, Jean Michel Basquiat es otro de los nombres que predominan en la historia de este movimiento. «SAMO» era el seudónimo con el que firmaba sus primeras obras de grafiti realizadas a inicios de los años 80 en Nueva York, las cuales lo convertirían en uno de los grandes exponentes del neoexpresionismo; movimiento originado en Alemania que se consagró por el uso de técnicas agresivas y satíricas. Basquiat se apoyó en esta corriente para crear collages que denunciaban el racismo.
Michel Basquiat
Más que arte
En general, esta corriente no responde a preceptos estéticos, sino sociales: se buscaba que el arte ayudara al pueblo. Su obra es un reflejo de la realidad de la gente: hacer suyas las imágenes y las palabras para plasmar en el concreto que los rodea un mensaje cargado de ideología y en cuya forma también recae un significado. La mejor manera de comunicar un sentimiento universal era a través del lenguaje visual.
Escondido detrás de los vivos matices de esta técnica, el acto de protesta busca hacer visible algunas de las venas abiertas de la sociedad: la desigualdad, el desempleo, la inseguridad.
La reapropiación del espacio urbano se traduce como una manera de terminar con el silencio paralizador de una sociedad ajena a toda realidad o problemática.

En ese sentido, en México también ha existido una llama que nace de la necesidad de anclar en el panorama visual citadino un hecho impactante lleno de conmoción que demarcó un momento en el porvenir del pueblo. Como el caso de Gerardo Yépiz que, tras la muerte de Luis Donaldo Colosio en 1995, decidió trazar en las paredes de Baja California una imagen del político asesinado, la cual se convirtió en un icono dentro del arte urbano del país.
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Una de las dificultades a las que se enfrenta el Street art es a la censura y el rechazo de aquellos que consideran un delito o una falta de respeto el uso libre de estos espacios; sin embargo, el verdadero trasfondo de este acto tiene que ver con el descubrimiento de un escaparate apropiado para el dolor, la pérdida, la impunidad y la impotencia: se convierte en un estandarte de resistencia
Así, el movimiento se consolidó más que como una corriente estética, como un vehículo de lucha social.

Se apropiaron no sólo de las calles, sino también de los símbolos de la sociedad. De la misma manera, existen algunos artistas que recogen estos factores para transformar a la industria publicitaria, como Eduardo Zendejas, diseñador mexicano que pretende no realizar una crítica o una historia, si no deconstruir las formas con elementos básicos que a su vez le permiten generar nuevos trazos y texturas, que proponen distintas ideas representativas de su país para imprimirlo en diseños para Nike e incluso Audi.
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Foto: Carlos Quevedo
Es de esta forma que el arte urbano se ha transformado en un hito de las expresiones callejeras, las cuales mutaron de los actos vandálicos a la resignificación de símbolos universales. A través de la resistencia y la búsqueda de un significado social, este movimiento ha hecho suya la calle para poder acallar el silencio.

Francis Bacon: La ofensiva verdad de la carne

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Categoría: Cultura y Espectaculos Creado: 21 Noviembre 2017 Visto: 3133

s40 arte home Mariana Jurado

Gritos agónicos, rostros amorfos, cuerpos crucificados en un gancho de carnicería. Éstos son los cuadros de Francis Bacon, el pintor británico más importante del siglo xx

Lo llamaban «El monstruo sagrado», acertada alegoría. Bacon decía: «Vivimos a través de velos; a veces pienso, cuando dicen que mi obra parece violenta, que quizás haya sido capaz de correr uno o dos de esos velos».
La palabra monstruo se deriva del latín monere, ‘avisar, enseñar’. Monstruo es aquel que previene, es el oráculo de la tragedia griega lamentándose desde la distancia, es Francis Bacon advirtiendo que no somos más que masas de carne, frágiles  y mortales.
«Si hubiera tenido una infancia feliz, pintaría flores.» Francis Bacon

Un hombre tímido y afeminado que viste cuero negro y se maquilla resaltando pómulos y labios, éste es el monstruo y su historia es la destrucción: castigaba su cuerpo con juegos sádicos, destrozaba sus cuadros, buscaba amantes violentos. Nunca comenzaba un retrato sin conocer a fondo al sujeto de estudio, necesitaba sentirse unido a él antes de despedazar su cuerpo en el lienzo.
Hablaba de su padre con frecuencia: un militar retirado que lo mandaba azotar con látigo cada vez que tenía una crisis asmática. Para Bacon, enfermo desde la infancia, el proceso básico de inhalar y exhalar resultaba doloroso, el asma le hacía convulsionarse tratando de respirar. En cada uno de sus autorretratos predominan los tonos azulados de la asfixia; sin el asma, decía, tal vez nunca se hubiera interesado por la pintura ni por la vida:
«Si realmente amas la vida, todo el tiempo estás caminado a la sombra de la muerte. Mientras más se está obsesionado con la vida, más obsesiona la muerte».

Nació en 1909 en Irlanda, aunque se consideraba un pintor británico. Supo desde niño que era homosexual; su despertar erótico fue violento y confuso: comenzó a seducir a los trabajadores que lo azotaban y las palizas de su padre le provocaban erecciones y fantasías.
Lo echaron de casa al encontrarlo dando felaciones a los sirvientes, vestido con la ropa interior de su madre. Su tío prometió dar disciplina al chico y se lo llevó a Londres; en un par de semanas ambos terminaron en la cama. La complejidad de sus primeras emociones sexuales le mostró que la violencia es parte intrínseca de la vida; Bacon decía que el contacto sexual, la humillación y los dientes rotos que le dejaron sus amantes tenían la misma brutalidad y belleza que los insectos que se devoran uno al otro bajo las hojas de los árboles.
Sólo pinto para ser amado
La juventud de Bacon transcurrió en medio de las guerras que devastaron Europa. A diferencia de otros artistas contemporáneos, él mantuvo una firme postura apolítica, jamas se comprometió con credo alguno que no fuera la exploración del placer y del dolor.
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Francis Bacon, Estudio del retrato del papa Inocencio X, de Diego Velázquez, 1953
Años después, hablaba del tiempo perdido a la deriva tratando de encontrar un tema auténtico para sus cuadros, la materia prima que cautivara su interés. Para vivir diseñaba muebles y alfombras, gastaba la pensión que su madre le enviaba, jugando a la ruleta, pintaba esporádicos cuadros que después odiaba; parte de la obra que hoy se conserva proviene de cobradores y caseros que aceptaron los cuadros como pago.
Cada vez que un lienzo no se vendía, no era perfecto o era excesivamente perfecto, Bacon lo destruía a cuchilladas.
Por las noches su pequeño departamento se convertía en un casino ilegal que manejaba junto a su niñera de la infancia; la mujer vivía con él, cocinaba, limpiaba y le organizaba encuentros sexuales con hombres que financiaban sus materiales de pintura, compraban sus cuadros y le dejaban explorar a mano suelta las delicias del sadomasoquismo.
En 1934 Eric Hall —uno de sus amantes y frecuente comprador— le encargó una serie de cuadros basados en la crucifixión. Después de varios intentos fallidos, Bacon abandonó el proyecto.
Al pintar, Bacon exorcizaba los fantasmas de su padre, de sus amantes suicidas, las guerras, el ansia sexual y la violencia de su infancia.

Las críticas a su primera época coincidían en que los cuadros eran «estéticamente hermosos, pero sin vida». Frustrado, comenzó a estudiar el trabajo de los grandes maestros: la obra de Goya le parecía hecha de la materia misma del aire, admiraba la vulnerabilidad del relieve con que Degas pintaba los huesos, Poussin le reveló la anatomía del grito y la estructura del movimiento.
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Autorretrato, 1971.
Después de acudir a una exposición de Picasso, se encontró con el concepto que guiaría su propio trabajo: «la forma orgánica que se refiere a la imagen humana, pero de la que es su total distorsión». Bacon sostenía que un cuadro debía ser la recreación de un evento y no la simple ilustración de un objeto.
«Quiero pintar la boca como Monet pinta una puesta de Sol»

Once años después del encargo de Eric Hall, y en el transcurso de dos semanas de continua borrachera, terminó Tres estudios para figuras en la base de una Crucifixión. «El alcohol me ayudó a sentirme un poco más libre», aseguraba. Creía que las imágenes irracionales llegan al espectador con una fuerza mayor; cualquier análisis del intelecto arruina la verdad de la obra.
Bacon arremetía contra el lienzo provocando todo tipo de manchas hasta que apareciera «el accidente», ese súbito instante en que el sistema nervioso y el azar le llevaban al hallazgo involuntario del personaje.
Tres estudios se exhibió por primera vez en 1945. Tres figuras fálicas y grises sentadas en un cuarto vacío, sus cuellos se alargan, los cuerpos se contorsionan, las bocas rebosantes de dientes se abren en gritos mudos. Bacon era ateo, pero en la crucifixión hallaba el esplendor de las fotografías de animales hechas en el instante en que los envían a degollar. Las carnicerías lo maravillaban con sus extraordinarios matices de color y forma.

"La literatura es la identidad de un país": Sergio Ramírez

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Categoría: Cultura y Espectaculos Creado: 21 Noviembre 2017 Visto: 2833

Sergio Ramirez Afp | lunes, 20 nov 2017 08:48

El escritor nicaragüense Sergio Ramirez ofreció una entrevista en Managua, Nicaragua. Ramirez fue galardonado con el Premio de Literatura Miguel de Cervantes 2017. Foto Afp

Managua. El escritor nicaragüense Sergio Ramírez, galardonado con el premio Miguel de Cervantes 2017, considera que la literatura es "fundamental" para la identidad de un país y que un autor nunca debe dejar de experimentar, ni de apoyar a los nuevos talentos.

Ramírez, de 75 años, y autor de más de 50 obras, habló con AFP en Managua sobre la importancia que tiene el Cervantes (1547-1616) en su obra literaria, como en la novela moderna.

El escritor participó con el Frente Sandinista en la lucha contra la dictadura de Anastasio Somoza convencido que Nicaragua "merecía una mejor suerte", pero cuatro décadas después piensa que la revolución armada ya no es una opción.

Afirma que el liderazgo de Daniel Ortega, quien gobernó durante el régimen revolucionario de la década de 1980 y retornó al poder en las urnas en 2007, "debería cambiar".

Defiende una filosofía de vida "sencilla" y dice que detesta la falsedad y la hipocresía.

- ¿Qué significado tiene el premio Cervantes en su trayectoria literaria?

- Me llena de gran alegría y satisfacción, es el premio más alto que se concede en la lengua castellana y yo lo recibo como un estímulo a mi carrera literaria.

No diría que es una culminación, (porque) las carreras literarias no culminan en vida nunca.

Me siento con la energía suficiente para seguir adelante. Es un impulso que recibo para completar una vida literaria que yo todavía veo a medio camino.

-¿Qué peso ha tenido Cervantes en su obra?

- Yo diría que pertenezco a lo que podríamos llamar un mundo cervantino, que se me abre a partir de este traslape que Cervantes siempre hace entre realidad e imaginación.

La novela moderna le debe todo a Cervantes. Uno siempre está aprendiendo de su escritura y sobre todo está aprendiendo la ligereza, que a través de las líneas de un párrafo debe circular el aire en contra de la pesadez.

-¿Cómo hace para escoger los temas y personajes de sus novelas?

-Observando. La literatura está hecha de los detalles.

La realidad nicaragüense (me ha enriquecido) porque es la que conozco mejor, los recuerdos de la infancia, el pueblo donde nací, el ambiente social en que yo viví, he visto evolucionar la historia... es el país que puedo decir conozco como mi mano.

Creo que un escritor, por mucho que vaya aumentando de años no debe dejar nunca de experimentar.

-¿Cuál es la tendencia de la literatura centroamericana?

-Examinar el pasado inmediato, la década de los 80 fue la más difícil del siglo XX en Centroamérica, guerras en El Salvador, Nicaragua, Honduras comprometida, desaparecidos en Guatemala, cementerios clandestinos, enfrentamientos entre contras y sandinistas, la guerra por conquistar el poder de la guerrilla en El Salvador.

-¿Por qué decidió promover a los jóvenes escritores centroamericanos?

-Para mí la literatura es fundamental para la identidad de un país. No se puede vivir sin imaginación, sin plasmar la imaginación en libros.

Lograr que los jóvenes escriban cada vez mejor, con mayor calidad, es en beneficio de la cultura y las mismas sociedades. Es un hecho que me preocupa.

-¿Cree que esta nueva generación de escritores puede incidir en los cambios sociales?

-Yo no sé si la literatura es capaz de cambiar la sociedad. Soy muy escéptico yo a estas alturas. Si influencia o cambia la vida de alguien depende de la eficacia de la escritura.

-¿Cuál es la obra que mayor placer le dio escribir?

Pues una novela que tiene que ver con mi infancia que se llama Baile de Máscaras, esa es la que me ha dado más gusto escribir, porque escribí en base a mis propios recuerdos, de mi familia.

-¿Qué experiencia le dejó haber sido vicepresidente de Daniel Ortega en el período 1985-1990?

-Aprendí bastante sobre el poder, los mecanismos internos, secretos que tiene el poder y eso ayuda a alimentar mi experiencia de escritor.

-¿Aún cree en las revoluciones?

-Creo que vivimos en sociedades muy injustas..., (pero) me parece que los cambios armados no lo resuelven.

-¿Ya no apuesta entonces por las revoluciones armadas?

-No apostaría por la sangre nunca más en mi vida. Yo creo que bastante sangre juvenil se derramó en Nicaragua. (Hay que) cambiar las cosas que están mal, pero a través de la lucha democrática.

-¿Usted ha sido bastante crítico con Daniel Ortega, qué piensa sobre su liderazgo?

-Creo que es un liderazgo que debería cambiar, ha llegado el momento de cambiar. Debe haber un relevo generacional.

-¿Cómo es Sergio Ramírez en su vida diaria, sus gustos, su hobby?

-Me gusta llevar una vida sencilla, una vida estrechamente ligada a mi mujer, ahora tenemos muchos años de vivir solos desde que los hijos se casaron y se fueron. Nos acompañamos muy bien, viajamos juntos, nos gusta recibir amigos. Nunca hemos tenido las ostentaciones de lo superfluo, de lo banal.

-¿Cuál es su filosofía de vida?

-La sencillez y la falta de fingimiento. A mí me ofende mucho la gente que finge o miente. La gente que miente con alevosía, por sacar ventaja, la doble cara, eso me perturba y me molesta mucho.

-¿Qué le hace falta aún hacer en su vida?

-Escribir más libros.

El día que EUA invadió México para cazar a Pancho Villa

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Categoría: Cultura y Espectaculos Creado: 21 Noviembre 2017 Visto: 2828

globo zeppelin mexico pancho villa mexico Durante 11 meses, 12 mil soldados estadounidenses se dedicaron a buscar a Pancho Villa quien había atacado días antes Columbos. El evento se considera una violación a la soberanía nacional.

Josué Huerta
Editor web en México Desconocido

El 15 de marzo de 1916 un aproximado de 10 mil soldados del ejército estadounidense emprendieron una invasión al territorio mexicano en busca de capturar vivo o muerto al Centauro del Norte, Pancho Villa.

Querían hacerle pagar la ofensa de haber robado, seis días atrás, un destacamento militar en Columbus, Nuevo México, llevándose caballos, mulas y fusiles. Pero no solo eso, también se le acusó a él y a sus hombres de haber robado, asesinado y violado a mujeres de esa localidad norteamericana.

En la "Expedición punitiva" la milicia estadounidense utilizó su mejor tecnología

Fue el presidente de los Estados Unidos, Woodrow Wilson, quien envió a las tropas a la caza de Pancho Villa en una operación a la que llamaron “Expedición Punitiva” comandada por el general Black Jack Peshing, quien años después comandaría a las fuerzas de aquella nación en la Primera Guerra Mundial.

El despliegue armamentista de aquella incursión fue espectacular: 10 mil soldados que a la postre se transformaron en 12 mil, empezaron a manejar automóviles, motocicletas, camiones, coches blindados, aviones y dirigibles.

Todo ese equipo recorrió 600 kilómetros a la redonda en busca de Villa, que, de acuerdo con las crónicas, levantó tanto polvo que permitió que el objetivo pudiera esconderse justo detrás de ellos todo el tiempo.

Durante este lapso el gobierno mexicano retiró a su embajador de Estados Unidos en protesta por la invasión militar norteamericana, pero no sirvió de mucho pues la tropa comandada por Black Jack Peshing duró 11 meses en territorio nacional.

Pancho Villa nunca fue capturado por los estadounidenses, de hecho algunos historiadores sugieren que la milicia norteamericana lo que en realidad buscaba era entrenar a sus soldados y probar su equipo previo a la primera guerra mundial. Sin embargo se sugiere otra hipótesis: que el trasfondo real era distraer la atención nacional para que industriales anglosajones de los combustibles entraran a territorio mexicano con el fin de apropiarse de hidrocarburos, minerales y metales

Para febrero será el regreso de los restos óseos de Carmen, Aquiles y Máximo Serdán

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Categoría: Cultura y Espectaculos Creado: 21 Noviembre 2017 Visto: 2838

aquilll Por Paula Carrizosa

El comedor de la casa de los hermanos Serdán ■ Foto Abraham Paredes
Será en el mes de febrero de 2018 cuando “probablemente” los restos de Carmen (1875–1948), Aquiles (1877–1910) y Máximo Serdán (1878–1910) lleguen a Puebla para alojarse de manera permanente en la llamada sala de sacrificios del Museo Regional de la Revolución Mexicana, ello tras el proceso de intervención que recibieron durante este 2017 por parte de la Coordinación Nacional de Conservación del Patrimonio Cultural del Instituto Nacional de Antropología e Historia (INAH).

Con ello, expuso el director de este recinto Patricio Eufracio Solano, el museo regional se convertirá en el primer espacio de su tipo en México en contener y exhibir los restos de quienes ocuparon esa casa y fueron los protagonistas de la historia que se cuenta museográficamente.

Entrevistado en el marco del primer simposio “Génesis y desarrollo de la Revolución Mexicana”, que organizó el INAH a través del Museo Regional de Puebla, el funcionario estatal expuso que la llegada de los restos óseos programada para estos días de noviembre se canceló debido a la contingencia causada por el sismo del 19 de septiembre.

Ello, expuso, porque los especialistas de la coordinación nacional fueron requeridos en los trabajos de revisión e intervención de los bienes muebles e inmuebles que son protegidos por el Instituto Nacional de Antropología e Historia, particularmente en los sitios afectados por el terremoto de 7.1 grados ubicados en Morelos, Ciudad de México y Puebla.

Eufracio Solano dijo que, dado que se tratan de los restos de próceres de la Revolución Mexicana, estos serán trasladados, recibidos y depositados en el museo regional con “todo el protocolo que se merecen”, por lo que se prevé la realización de una “gran ceremonia” en la que participarán los tres niveles de gobierno, además del Ejército y descendientes de la familia Serdán.

“Los héroes regresarán a casa y lo harán en un ánimo festivo. No será un acto solemne ni oscuro; será, además, una condición inédita, ya que el museo regional será el primer museo de México en tener los restos de los protagonistas en el lugar donde sucedió el hecho histórico”, indicó el historiador.

Una petición de un descendiente
El director del Museo Regional de la Revolución Mexicana, Patricio Eufracio, recordó que fue a principios de 2017 cuando Aquiles Serdán, descendiente de la familia, denunció que estaba olvidado el mausoleo en donde se hallaban los restos óseos de quienes son considerados los primeros mártires del movimiento armado ocurrido hace más de un siglo.

Así, dado que la custodia del mausoleo le corresponde al ayuntamiento de Puebla, lo siguiente fue el envío de una misiva que fue respondida de manera positiva. Luego, la petición de intervención fue enviada al INAH nacional que mandó a especialistas para que hicieran un dictamen y un programa de trabajo, lo mismo sobre los restos óseos que sobre las tres urnas que los contenían.

Tras una primera inspección sobre los restos se encontró que el mausoleo no estaba en las condiciones para seguir siendo su contenedor, así que estos fueron mandados –en abril pasado– a la Ciudad de México, a la Coordinación Nacional de Conservación del Patrimonio Cultural (CNCPC), para ser objeto de una intervención encabezada por Luisa Mainou, responsable del Taller de Conservación y Restauración de Material Orgánico.

Ahí, como se informó en junio pasado, se determinó que el esqueleto de Aquiles Serdán tenía las condiciones más desfavorables de conservación, mientras que el de Máximo Serdán era el que mejor estado presentaba, en tanto que el de Carmen Serdán se mantenía estable.

Asimismo, se supo que los restos óseos de Aquiles Serdán, al igual que los de su hermano menor Máximo, fueron depositados en un contenedor de metal en una segunda exhumación, lo que provocó que en el contenedor del primero se filtrara agua y causara la disolución y recristalización de los minerales propios del hueso de manera heterogénea en la mayor parte del esqueleto; “además, hubo pérdida de material óseo en las escápulas, costillas y de muchos otros huesos que se degradaron”.

La restauradora Luisa Mainou explicó entonces que los tres esqueletos mostraban residuos de tejido blando y tierra, lo que les daba un tono oscuro pero estaban bien conservados. Particularmente, señaló que los restos óseos de Carmen también están bien preservados, pero su estado era frágil porque murió a una edad avanzada.

Destaca que la intervención también incluyó la restauración de las urnas de plata en las que se encontraban los restos de los héroes revolucionarios. En la que descansaban los restos de Aquiles Serdán se halló una botella de vidrio fragmentada con un documento dentro, mientras que en el contendedor de Carmen Serdán se encontraron fragmentos de materiales de color verde, parte de un escapulario que parece ser lana y otros pedacitos de tejido de punto de color rojo.

En el proyecto de intervención colaboraron el antropólogo físico Jorge Gómez Valdés, adscrito a la Escuela Nacional de Antropología e Historia, las restauradoras Judith Gómez González y Luisa Straulino de la CNCPC, así como la restauradora Andrea Cordero del Centro INAH Puebla.

Conferencias INAH

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Categoría: Cultura y Espectaculos Creado: 13 Noviembre 2017 Visto: 2912

Edith López Sánchez. CORACYT

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