Cultura y Espectaculos

El artista realizó un programa de residencia en el que invitó a seis artistas a realizar un performance en distintas sedes, con temáticas e interés diferentes
SONIA ÁVILA
Performance de Manu Sol Mateo. Foto: Cortesía El Cuarto de Máquinas
Performance de Manu Sol Mateo. Foto: Cortesía El Cuarto de Máquinas

CIUDAD DE MÉXICO.

Hacer performance es romper con uno mismo desde otro mismo que desea no mirarse al espejo, sino transportar en un acto la memoria de un colectivo”. Así define Mauricio Limón (Ciudad de México, 1979) la acción artística que no es precisamente un montaje escénico ni un objeto plástico, sino la posibilidad de expresarse a través del cuerpo.

La definición viene a cuenta por la exposición Los efectos de la presión y la súbita expulsión que el artista propuso para la galería El Cuarto de Máquinas. Una revisión del performance, no histórica ni teórica, sino desde su propia perspectiva que ve en la fusión de las artes –teatro, danza, pintura– un futuro para el arte acción.

Limón, quien realizó el programa de residencia de la Rijksakademie (2016-2017) en Ámsterdam, invitó a seis artistas a realizar un performance en distintas sedes, con temáticas e interés diferentes, para al final exhibir en la galería los “residuos” de las acciones como documentos objetuales. Así el proyecto entiende la disciplina en dos momentos, el repertorio y el archivo.

Esta idea de archivo y repertorio viene de teorías de performance específicamente de Diana Taylor quien sostiene que un performance se crea a partir del archivo y el repertorio, y su idea es que el archivo son todas las cosas que son documentables, que tienen una característica perdurable, y el repertorio es todo lo que se puede desarrollar en vivo y tiene que ver con la trasmisión del conocimiento en vivo”, precisa.

En el libro Estudios avanzados de performance, Taylor sostiene que la práctica del arte acción tiene estos dos lugares: “La memoria del archivo se registra en documentos, textos literarios, cartas, restos arqueológicos, huevos, videos, disquetes, es decir, todos aquellos materiales supuestamente resistentes al cambio. El repertorio, por otro lado, consiste en la memoria corporal que circula a través de performances, gestos, narración oral, movimiento, danza, canto”.

Limón desplegó en el Cuarto de Máquinas –que ahora ocupa la sede de la galería Hilario Galguera– vestuario, documentos, utensilios y objetos que sirvieron a Genoveva Álvarez, Mercedes Azpilicueta, Sophie Dupont, Xavier Rodríguez, Manu Sol Mateo, Geo Wyeth durante las acciones que realizaron la semana pasada en Biquini Wax, la explanada del Museo Jumex, Kiosco Morisco y Galería Hilario Galguera.

En el repertorio, el encuentro con el público es directo, en vivo, y lo que genera queda en la subjetividad de cada quien, y en la galería la subjetividad se presenta como una narrativa a la que el público puede entrar de manera más reflexiva”, añade quien ha expuesto pintura hiperrealista en el Centro de Arte Reina Sofía y en el Centro Pompidou. Su propuesta es explorar el performance en sus dos momentos: la acción en directo y la que es memoria.
La investigación de Limón sobre el performance toma también como referente el cuerpo, y la manera en que los artistas se involucran físicamente en la acción, o si delegan la tarea de estar dentro del performance. Y si bien no hay un común denominador en los seis participantes, incluso apelan por evadir las categorías, los performers, establecen un diálogo sobre el contexto social-cultural en que desarrollan su obra
¿DÓNDE Y CUÁNDO?
Los efectos de la presión y la súbita expulsión se presenta en Galería Hilario Galguera (Francisco Pimentel 3, San Rafael) hasta el 17 de agosto.

En sus poemas de juventud, hoy rescatados por cinco académicos de la UNAM, el célebre autor italiano del siglo XIV vertió algunos elementos de la filosofía amorosa y del amor cortés
JUAN CARLOS TALAVERA

CIUDAD DE MÉXICO.

Pasaron 700 años para que fueran rescatados y traducidos, por primera vez al español, los sonetos que escribió Giovanni Boccaccio (1313-1375) en su juventud. El trabajo fue hecho por académicos de la UNAM, quienes publican, en coedición con Almadía, esos versos que el autor del Decamerón usó para experimentar y mundanizar la poesía de su tiempo, donde le canta al amor y a la mujer, a la fortuna, a la fama y al deseo carnal.

La edición es bilingüe, se titula Rimas y fue coordinada por el académico Fernando Ibarra Chávez, quien dijo a Excélsior que este trabajo nació como un ejercicio didáctico para alumnos de filosofía hasta culminar en un volumen imprescindible para cualquier lector interesado en el autor, en la literatura italiana medieval y en conocer cómo logró concentrar la maestría de Dante y Petrarca en su poesía.

En sus poemas, Boccaccio vertió elementos de la filosofía amorosa y el amor cortés, comentó Ibarra, conceptos que fueron producto de un movimiento social que surgió en Europa hacia el año 1100 y captado por Dante en su literatura.

El amor cortés fue una especie de código caballeresco trasladado a las relaciones amorosas entre hombres y mujeres, un código válido dentro de las cortes donde el amor se expresaba justo a través de la poesía”, dijo.

Lo cierto es que mientras para Dante la mujer era un vehículo que permitía alcanzar la gloria eterna, Boccaccio “mundanizó la poesía y logró que la mujer fuera una persona de carne y hueso, y no un instrumento para la salvación, sino un objeto del deseo carnal”.

La diferencia era clara, detalló Ibarra Chávez. “Mientras Dante suprimía cualquier posibilidad de erotizar a la mujer en el poema o de vincularla con la libido, Boccaccio se preguntó: ‘¿Por qué no hacerlo si está bonita y tiene buena pierna’? Y así en uno de sus poemas abordó las piernas de la mujer”.

Así fue como el poeta italiano imaginó que el lugar apropiado para el amor era el mar y, en sus textos, representó escenas de mujeres que vestían con ropa muy ligera, mientras tomaban el sol. “Esto nos hace pensar que para el poeta el verano era el mejor instante para enamorarse y así lo plasmó en su poesía”.

POETA VOYEUR
La traducción de los sonetos fue hecha por cinco académicos de la Facultad de Filosofía y Letras (FFyL) de la UNAM. Ellos son Imelda Almaraz Ojinaga, Nancy Rosas Zambrano, David Hazael Rodríguez Berea, Virginia Sánchez Jiménez y el propio Fernando Ibarra Chávez, quien además hizo la selección y escribió el estudio introductorio.

¿Cuál fue la apuesta en esta traducción? “Podíamos tratar de hacer otro soneto en español a partir de lo que hizo Boccaccio, manteniendo la estructura canónica del soneto. Sin embargo, me parece que al momento de hacer eso tendría que modificarse demasiado el texto original. Así que la idea fue mantener en lo posible el sentido original del texto; en todo caso mantener el endecasílabo, pero hasta ahí... mas no pretendimos mantener la rima”.

¿Qué reflejan los textos sobre Boccaccio? “La mayor parte son poemas que escribió en su juventud. Así que descubrimos el entusiasmo juvenil de un muchacho que está encontrando un estilo de escritura. Muchos de sus poemas son frescos, hablan del entusiasmo amoroso y del encuentro con una mujer por la que el poeta siente una admiración particular”.
¿Cómo definiría su poesía? “Gran parte de su obra es poesía narrativa que se inscribe en la tradición del amor cortés. Por eso vemos en sus textos poéticos muchos personajes que se enamoran; a unos les va bien, a otros mal, pero el amor siempre está presente; también la angustia de la mujer, del joven que toma por fuerza a una jovencita como parte del juego amoroso. Eso era parte de lo que entretenía a las mujeres del siglo XIV en Nápoles”.

¿Cuál era la búsqueda del poeta? “Le emocionaba el cabello recogido de las mujeres, la sensualidad que podía hallar en la ropa mojada, en la belleza de un rostro y en su juventud. Él fue una especie de voyeur que siempre miró a la distancia, contemplando a esa mujer porque no podía acercar a ella.

Boccaccio era hijo de un comerciante con cierto poder adquisitivo, un plebeyo que intentó acercarse a la corte con la intención de ser adoptado como el Poeta de la corte, título que nunca consiguió”, explicó el investigador.

¿Fue exitoso en su tiempo? “Boccaccio no murió sin reconocimiento. La gente leía sus obras y, cuando escribió el Decamerón, de inmediato se tradujo al francés. Muchas de sus obras tuvieron un impacto europeo casi inmediato.

Sin embargo, él quiso ser reconocido desde joven como gran poeta. Eso no lo consiguió a pesar de todos los esfuerzos que hizo. Así que ya mayor, a los 50 años, se sintió muy desprotegido y se integró al clero, porque esa era la única manera en que podía tener un lugar para vivir y comer”.

¿Falleció en la pobreza? “Tenemos el testamento de Petrarca y el de Boccaccio. En el primero se registró que Petrarca le dejó unas moneditas de oro y una cobija. ¿Qué tan mal estaba Boccaccio para recibir una cobija ¿o fue una especie de broma? No creo. Mientras que, en su testamento, Boccaccio dejó unos cuantos libros y una virgen de alabastro”.

Hacia el final de su vida, recordó Fernando Ibarra Chávez, el autor italiano enfrentó un proceso de introspección de conciencia y dejó de ser el poeta del amor, se alejó de los textos divertidos que deleitaban al público y empezó a escribir textos eruditos, en latín, y alguno que otro poema religioso para salvar su estatus como intelectual y su alma ante los ojos de la divinidad.

Con Rimas de Boccaccio, Almadía, en colaboración con la UNAM, abre su colección Filosofía y Letras. El próximo libro que el sello publicará es Los filósofos ante los animales, coordinado por Leticia Flores Farfán y Jorge E. Linares.

¿QUIÉN ES EL AUTOR DEL DECAMERÓN?
Giovanni Boccaccio ocupa un lugar preponderante en la historia de la literatura occidental, gracias a su prolífica obra, que abarca desde géneros para la lectura recreativa hasta tratados de vasta erudición. Buena parte de su trabajo creativo lo dedicó a la lírica: a la composición de poemas de materia diversa, aunque en su mayoría amorosos, que ponen de manifiesto sus gustos personales, influencias y tendencias. Durante el siglo XVI, estos poemas fueron reunidos parcialmente bajo el título de Rime, ya que no fueron escritos con la intención de conformar un cancionero.

UN GRAN DANTISTA
Estudió derecho para administrar el comercio de la familia, pero su padre vio su habilidad para la poesía, quien le asignó una mensualidad para buscar un lugar en la corte napolitana.
Hizo una copia de la Divina Comedia, la cual envió a Petrarca, quien consideraba a Dante Alighieri como un autor de escaso valor.
Se convirtió así en uno de los primeros dantistas.
Conoció a quienes rodearon, en vida, al autor de la Divina Comedia. Boccaccio utilizó esos testimonios para dar clases y conferencias en la Catedral de Florencia, para entender la obra capital de Dante.
Intentó emular lo mejor de Dante y Petrarca, por lo que en su obra hay elementos dantescos, pero también uno que otro verso que parece escindirse de la obra de Petrarca.
Se cree que Boccaccio tradujo el famoso Tratado sobre el amor, de Andrés el Capellán.
Conoció a Leoncio Pilato, un monje calabrés a quien le encargó la primera traducción de la Ilíada de Homero, del griego al latín.

ALMADÍA CREA UNA COLECCIÓN SOBRE BOX
La editorial Almadía anunció que también prepara la publicación de una antología de narrativa boxística bajo el título A puño limpio. La gran historia del boxeo, con una colección de 12 rounds con crónicas, ficciones y testimonios del ring de autores como Homero, Arthur Conan Doyle, Jack London, Norman Mailer, Alberto Salcedo Ramos, Joyce Carol Oates, James Ellroy y Eduardo Lamazón, entre otros.

Estos libros comenzarán a ser comercializados en puestos de periódicos a partir del domingo 17 de junio e incluirán desde las peleas a puños que se pueden encontrar en pasajes de la literatura clásica grecolatina, pasando por crónicas de su resurgimiento en la Inglaterra del siglo XVIII, las sangrientas peleas a puño limpio del siglo XIX, su paulatina reglamentación en la era victoriana, los grandes encuentros del siglo XX y culminará con las más destacadas peleas del pasado reciente.

Antonio Sánchez
Vicente Leñero, escritor, dramaturgo y periodista, fue uno de los hombres de letras más célebres de México.

Vicente Leñero es, sin lugar a dudas, uno de los hombres de letras más destacados del México contemporáneo. Entre sus trabajos se encuentran novelas, guiones para cine y teatro, y crónicas periodísticas, mismos que lo hicieron acreedor de numerosos galardones durante toda su carrera.

A pesar de haber cursado la carrera de ingeniería civil en la Universidad Nacional Autónoma de México, el interés de Leñero por la escritura lo motivó a estudiar periodismo en la Escuela Carlos Septién García, tras lo cual comenzó a destacar en la creación literaria con novelas como La voz adolorida (1961) y Los albañiles (1963), con ésta última obtuvo el Premio Biblioteca Breve, que lo convirtió en el primer escritor mexicano en lograr un reconocimiento a nivel internacional.

Incursionó en el periodismo colaborando en la revista Señal, una publicación católica, y tiempo después se encargó de dirigir la revista Claudia y la Revista de Revistas. Más adelante, Leñero fue uno de los miembros fundadores de la revista Proceso, de la que fue subdirector de 1977 a 1998, además de fungir como vicepresidente del consejo de administración hasta su fallecimiento.

Entre sus trabajos como periodista destaca la entrevista que le hizo al subcomandante Marcos en 1994, una conversación que trascendió a nivel internacional. La calidad de ésta y muchas otras colaboraciones lo hicieron merecedor del Premio Nacional de Periodismo Carlos Septién en 2010.

Sus guiones para teatro y cine también fueron notables, destacando el de la película mexicana El crimen del padre Amaro, que durante varios años se mantuvo como la cinta más taquillera en la historia del cine nacional. Leñero era conocido por su cuestionamiento a las posturas de la Iglesia Católica y era afín a las ideas difundidas por la Teología de la Liberación, lo cual se dejaba ver en muchos otros de sus textos.

Otros importantes reconocimientos que recibió el también autor de Asesinato fueron el Premio Xavier Villaurrutia, en 2001, gracias a la antología La inocencia de este mundo, así como el Premio Nacional de Ciencias y Artes, que se le otorgó en el mismo año. Leñero se hizo también acreedor a la Medalla Bellas Artes de México y era miembro de la Academia Mexicana de la Lengua.

Vicente Leñero nació en la ciudad de Guadalajara el 9 de junio de 1933 y falleció en la Ciudad de México el 3 de diciembre de 2014.

Hilos de historia. Colección de Indumentaria del Museo Nacional de Historia es el título del libro que surge como resultado de la exposición homónima que reunió una selección de prendas de vestir que datan de la época colonial hasta la década de 1970, entre las que se encontraban cuatro vestidos de corte, zapatos, abanicos, sombrillas, además de atuendos de próceres nacionales, como Vicente Guerrero, José María Morelos, Benito Juárez, Venustiano Carranza, Francisco Villa, entre otros.

La muestra, que se exhibió entre 2015 y 2016 en los museos Nacional de Historia (MNH), Castillo de Chapultepec, en la Ciudad de México, y del Noreste, en Monterrey, Nuevo León, fue apreciada por más de 400 mil visitantes.

En el primer artículo, La colección de indumentaria del Museo Nacional de Historia, María Hernández hace referencia a la integración de dicho acervo en dos momentos: el que corresponde al inicio de la colección en el Antiguo Museo Nacional, con el arribo de las prendas de los héroes nacionales y los primeros vestidos de uso femenino, legada posteriormente al Museo Nacional de Historia; y el segundo, con lo adquirido a lo largo de los 70 años de funcionamiento de este recinto”.

Por su parte, la investigadora María del Carmen Arechavala escribió el capítulo ¿Cuánto costaba vestirse entre 1840 y 1870? Los placeres y tormentos de la moda, donde refiere que adentrarse en la moda decimonónica, “no es una frivolidad o un capricho, sino un medio para conocer patrones de consumo y conducta, una forma de aproximarse a la economía, un artilugio para la comprensión de industrias relacionadas, una herramienta para entender el comportamiento de los mercados nacionales y de todo aquello que llega de importación; es la historia del gusto y de la vida cotidiana.

“Hablar de ropa es, también, tocar rivalidades, diferencias de clase, de tipos, de castas. Es deleitarse con su aparición dentro de la literatura y la manera de condimentar el paisaje con múltiples formas de vestir”.

En el tercer artículo, El cuerpo envuelto y modificado: el vestido como protagonista social (México en el tránsito del siglo XVIII al XIX), la especialista Atzín Julieta Pérez Monroy aborda las prendas que se utilizaban en esa época: el vestido corte imperio y la incursión del pantalón largo como se conoce actualmente.

Pérez Monroy narra en el libro que en Europa y América los caballeros exhibieron sus piernas tan sólo cubiertas con medias durante siglos; en cambio, a mediados del siglo XIX, cuando se había impuesto el uso del pantalón, las piernas masculinas se ocultaron y a ningún hombre que se considerara honorable se le hubiera ocurrido mostrarlas en público.

“Por el contrario, en los tiempos en que los varones lucieron piernas torneadas —incluso con ayuda de rellenos— las damas las ocultaron y a lo más que llegaron fue a exponer el pie y los tobillos, que se convirtieron en un gran atractivo, incluso con significación erótica. Y no fue sino hasta el siglo XX cuando los vestidos de las mujeres se acortaron paulatinamente hasta llegar a la minifalda de Mary Quant”.

Finalmente, Verónica Kuhliger y Laura G. García Vedrenne, conservadoras del MNH, redactaron el artículo Conservación y restauración, en el Museo Nacional de Historia, en el que, a decir de Kuhliger, se aborda de manera general dónde, por qué y para qué se hace la conservación y restauración de indumentaria en el museo; desde el diagnóstico, el análisis material, el cual incluye la composición química y biológica de las fibras, colorantes, etcétera, hasta la propuesta de intervención, sin dejar de lado la investigación histórica y tecnológica. Asimismo, toca la conservación preventiva, importante para evitar llegar a la acción propiamente de restauración.

En el artículo también se mencionan algunos casos específicos, como la generación de soportería y montaje, los trabajos realizados a un ropón del siglo XIX, a un vestido de polisón y a un abanico de seda, así como la conservación del pañuelo con el que se envolvieron los restos óseos del conquistador Hernán Cortés, pieza que fue intervenida para exhibirla en la exposición.

Verónica Kuhliger resaltó que es la primera vez que se hace un libro con esta temática, aunque el museo ha publicado de otras exposiciones de corte histórico y con fotografías que las atestiguan, es la primera ocasión que se habla de una colección particular, cuyos objetos fueron de uso común, pero hoy en día se ven como patrimonio cultural colectivo.

La publicación se complementa con una selección de 80 imágenes en las que aprecia a detalle algunas de las piezas.

El Museo Experimental El Eco inaugura una exposición que aborda el tema de la violencia, a partir del trabajo de artistas jóvenes
SONIA ÁVILA
La muerte en Latinoamérica; Fundación Kadist, 'El presente, mañana'
Fotos: Cortesía Museo Experimental El Eco/David Hernández

CIUDAD DE MÉXICO.

Sin mostrar imágenes explícitas de personas asesinadas o escenas violentas en México y América Latina, la curadora Magali Arriola propone explorar cuál es el papel de los “muertos en el mundo de los vivos”. En el sentido de plantear una investigación, desde la plástica, sobre la historia compartida en Latinoamérica que converge en los asesinatos de civiles por causas sociales, políticas o del crimen organizado.

La propuesta la hace a partir del proyecto El círculo faltante, que consiste en un programa de tres seminarios, tres comisiones a artistas y una exhibición colectiva en colaboración con la Fundación Kadist, con sede en París y San Francisco.

El programa parte de la experiencia compartida de la muerte que traza la historia de América Latina desde la época colonial hasta una modernidad aún no concretada. Una muerte que puede leerse como esclavos, desaparecidos, guerrilleros en Paraguay, Chile o Perú, lo mismo que los asesinatos en la guerra contra el narcotráfico en países como México y Colombia.

No es necesario, explica Arriola en entrevista, que en los seminarios o exhibiciones se muestren imágenes de un cadáver o un cargamento de drogas decomisado, sino basta con explorar la historia de cada país, su pasado reciente, para dar cuenta de ese estado de muerte constante.

Hay ciertos rasgos de cierta historia política que compartimos, y pensando en la situación de México y de ciertos países como Brasil, Argentina o Chile en los años 60 y 80 lo que tenemos en común es precisamente esta presencia tan fuerte de los muertos”.

El proyecto –continua– explorará el papel que los “cadáveres contados” y los no contados tienen en el mundo actual, como víctimas de la violencia institucionalizada, y responsables de la obsesión por nuestros recuerdos de un pasado no fructífero que define las expectativas para el futuro. “La idea es ver cómo estas víctimas son las que pueden liderarse para generar un cambio dentro de la cotidianidad, las madres de los desaparecidos, los familiares de los asesinados, ellos tienen un poder”.

El programa inicia en la Ciudad de México con la exposición El presente, mañana en el Museo Experimental El Eco, que se inaugurará mañana. Es una individual de la brasileña Carla Zaccagnini que explora las relaciones entre el Brasil moderno y su pasado colonial.

Zaccagnini cuestiona la fiebre del oro del siglo XVII y su relación con las figuras del esclavo, el mártir y el traidor, y toma de la historia relatos míticos que son traídos al presente para abogar por el modernismo.

La segunda comisión es del artista Naufus Ramírez Figueroa (Guatemala, 1978) quien presentará una investigación sobre la guerra civil en su país a partir del performance y la escultura; se presentará en un recinto de Guatemala.

Y la tercera exhibición será del colectivo Rometti Costales integrado por los artistas Julia Rometti (Niza, Francia, 1975) y Víctor Costales (Minsk, Bielorrusia, 1974), quienes ocuparán el Museo de la Solidaridad Salvador Allende en Chile. En el marco de cada individual, se realizará un seminario para teorizar sobre los temas de las exposiciones.

El programa terminará en el verano de 2019 en el Museo Amparo de Puebla con una exhibición colectiva curada por Arriola en la que se conjugarán piezas de la colección Kadist con obra de otros acervos públicos y privados para evidenciar la presencia de los muertos en el intento de modernidad en América Latina.

Esto no quiere decir que el proyecto final sea un análisis histórico ni cronológico de estos fenómenos, pero me gustaría trabajarlo a nivel de fábula y como si uno leyera una ficción y puede detectar ciertas constantes que tienen significado especifico político”.

Dentro de la exposición El presente, mañana se montarán 17 libros en los que se hace referencia a la leyenda de Judas acuchillado. Foto: Cortesía Museo Experimental El Eco

LAS CAMPANADAS DE BRASILIA

El proyecto de Carla Zacagnini toma relatos del pasado colonial de Brasil para tratar de entender el presente en que se vive. Recibe al espectador con la sala principal del museo vacía. La falta de objetos se entiende cuando el espectador debe poner toda su atención en las campanadas que suenan de manera frecuente desde bocinas.

La artista cuenta que el repique de la campana lo grabó de una de las primeras capillas de Vila Rica en Brasilia. La campana fue la que anunció el 21 de abril de 1960 el nacimiento de la capital brasileña saturada de esperanzas de modernidad. Un golpeteo que de pronto toma los ritmos africanos.

Este mismo repicar se escuchó en 1792 cuando se asesinó a José da Silva Xavier, dentista y oficial militar, considerado traidor a la patria portuguesa; personaje que años después se convirtió en héroe nacional.

Zacagnini refiere que el relato ejemplifica cómo el Brasil actual, capitalista, está sustentado en mitos y personajes del pasado. Un vínculo entre modernidad e historia que tiene una proyección sutil en el sonar de la campana considerado como un instrumento de poder católico.

En la siguiente sala, se montaron 17 libros en los que se hace referencia a la leyenda de Judas acuchillado. La artista cuenta que se trata de una escultura de Judas que se encontraba en una capilla y la gente le clavaba un cuchillo en los ojos de la pieza. En años recientes se rescató la obra y se convirtió en un símbolo del arte nacional de vanguardia. La exposición termina con una instalación de una vajilla de porcelana con ilustraciones de sitios emblemáticos de Brasil, pero decorados con detalles coloniales bañados en oro.

Este trabajo tiene que ver con el Brasil moderno y la paradoja es que, al ser un país moderno, la sociedad regresa a algunos mitos y símbolos que tienen que ver con la cultura colonial”, apunta la artista, quien fuera asistente curatorial de la XXIV Bienal de Sao Paulo (1998) y curadora asistente del Museo de Arte Moderno de São Paulo (2001).

La propuesta de Zacagnini no refiere de manera directa a los muertos en Brasil por temas de violencia, pero se hace evidente la reflexión al momento de repasar la historia mítica del país: “Siempre he pensado que, para saber dónde estar parado actualmente, tienes que saber de dónde vienes, por eso me gusta trabajar con la historia o la arqueología”.