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Cultura y Espectaculos

Palabra: Venadear

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Categoría: Cultura y Espectaculos Creado: 06 Junio 2018 Visto: 3254

s40 palabrota WEBvenadaerRedacción

Se trata de perseguir, de acechar y asesinar...

Cuenta Fernando Benítez en Los indios de México esta historia ocurrida en un poblado de Oaxaca, donde había un brujo y un curandero: el curandero sanaba a aquellos a quienes el brujo enfermaba para que se murieran, y el brujo enfermaba a los que el curandero devolvía la salud.

La situación llegó a tal punto que la gente se hartó y un día, cuando el brujo salió a su siembra, lo venadearon.

¿Qué le hicieron a ese odiado brujo?

Pues bien, digamos que sigilosamente lo siguieron por entre los sembradíos y cuando ya lo tenían rodeado, lo asesinaron a balazos.

Quienes venadean van de caza. Este viejo y mexicano verbo, que tiene mucha más validez en el campo o en la sierra que en la ciudad, significa «perseguir a una persona y dispararle como se caza a un venado», como explica el drae, y además —agrega Santamaría
 en su Diccionario de Mejicanismos— «a traición entre los montes, alevosamente».

Decía el escritor y guionista Mauricio Magdaleno hace ya muchas décadas que «venadear, entre los verbos castellanos, es el más corriente y el que más impresiona al que llega de fuera».

¿Y cómo no, si se trata de perseguir, de acechar y de asesinar, como si se tratara de una cacería humana?

Explorando el diccionario de etimologías de Joan Corominas, descubrimos el significado primitivo de venado, que proviene del latín venatus, ‘producto de la caza’, derivado a su vez de venari, ‘cazar, ir de caza’.

Si venado quiere decir «cualquier animal objeto de caza», venadear es matar a un hombre cual si fuera un animal tras acosarlo y acorralarlo. No sólo debería impresionar a los extranjeros, sino también a los mexicanos, por muy «corriente» que parezca.

 

Los primeros estudiosos de la iconografía prehispánica

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Categoría: Cultura y Espectaculos Creado: 04 Junio 2018 Visto: 3195

inconografiaaBeatriz de la Fuente
Los trabajos de investigadores como Herbert Spinden, Alfonso Caso
y Miguel Covarrubias, no sólo produjeron notables avances en la interpretación de las manifestaciones iconográficas prehispánicas, sino que señalaron las premisas metodológicas en que hoy en día se basa su estudio.
La iconografía es un método de estudio propio de la historia del arte cuyo objetivo
es analizar y discernir sobre los temas representados en distintos objetos de arte. Para ello, éstos se estudian bajo variados enfoques, que van del elemental reconocimiento visual a la más compleja interpretación contextual y cultural. Esos objetos son el centro de las investigaciones de la historia del arte; sin embargo, en la práctica el interés y el ejercicio de la metodología iconográfica se han extendido a otros profesionales y aficionados. El método ortodoxo fue propuesto por Erwin Panofsky en su Studies in Iconology 0939), método que, apoyado en los textos, se basa en el reconocimiento de los temas representados en el arte de Occidente. No obstante, debe señalarse que gran parte de la historia prehispánica carece de textos, y que cuando éstos existen (por ejemplo, en el mundo maya y parcialmente en el mexica) no necesariamente están relacionados con lo representado.
Los primeros esbozos por hacer iconografía, no ortodoxa sino simplemente intuitiva, aparecen desde la conquista española, cuando la mayoría de los objetos que se conservaban eran lo que hoy llamamos "artísticos” y se procuraba entender su significado. Así, de acuerdo con las ideas dominantes, los “ídolos” fueron considerados objetos de Satán o demoniacos, en un primer intento por etiquetarlos con base en su contenido.
Tiempo después, en el siglo XIX, Alfredo Chavero en su Historia antigua y de la conquista - parte de la obra colectiva México a través de los Siglos, sostuvo la idea de que las cabezas colosales olmecas representaban a la raza etiópica o negra, identidad que se estableció a partir de la calificación de un atributo que, desde luego, era falso.
Desde principios del siglo XX ha habido intentos importantes por explicar el contenido de las representaciones del extenso universo de los mayas. Así, cabe recordar el trabajo de H.J. Spinden titulado A Study of Maya Art (1913), en el que se reconocen tres temas fundamentales: las imágenes antropomorfas, las zoomorfas y las de deidades, categorías en las cuales se han apoyado estudiosos subsecuentes. Dentro de los estudios mayas, este punto de partida condujo, mediante los trabajos de Tatiana Proskouriakoff (1950, 1960, 1963 y 1964) y de Heinrich Berlín (1950, 1953), a la identificación de nombres de personajes y sitios. En dos libros esenciales sobre metodología iconográfica en Mesoamérica: The Iconography of the Art of Teotihuacan (1967) y Studíes in Classic Maya Iconogmphy (1969), el historiador del arte George Kubler definió una nueva experiencia iconográfica en la cual no necesariamente se utilizan los textos, y en la que se obtienen conclusiones relevantes en cuanto al inventario temático de las imágenes. Así, se refiere a ceremonias dinásticas e imágenes rituales, y a signos precisos en la lectura e interpretación de la escena o icono en cuestión.
Debo mencionar brevemente a dos notables historiadores e iconógrafos mexicanos que incursionaron exitosamente en el campo de la comprensión temática y cultural de los iconos precolombinos. Me refiero a Alfonso Caso y Miguel Covarrubias, quienes demostraron su capacidad visual y su conocimiento para identificar el estilo y la significación panicular de muchísimos objetos de diversos pueblos del pasado mesoamericano. Alfonso Caso leyó e interpretó innumerables piezas aparecidas en manuscritos pintados (códices) o encontradas en espacios ceremoniales y funerarios: objetos de piedra, barro, hueso y materias preciosas corno el oro procedente de Oaxaca, inagotable región de tesoros prehispánicos. Asimismo, en otras antiguas regiones mexicanas también aplicó su conocimiento para reconocer las piezas que aún se conservan.
Beatriz de la Fuente. Doctora en historia por UNAM. Investigadora emérita del Instituto de Investigaciones Estéticas de la UNAM y del SIN (CONACYT). Miembro del Colegio Nacional y académica de número de la Academia Mexicana de la Historia.

de la Fuente, Beatriz, “Los primeros estudiosos de la iconografía prehispánica”, Arqueología Mexicana núm. 55, pp. 36-39.
Texto completo en la edición impresa. Si desea adquirir un ejemplar:
http://raices.com.mx/tienda/revistas-iconografia-del-mexico-antiguo-AM055

 

Diez Íconos de Londres

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Categoría: Cultura y Espectaculos Creado: 04 Junio 2018 Visto: 3312

s15 top 10fIngrid Constant Saavedra

La ciudad de Londres cuenta con una serie de edificios, monumentos, objetos y personajes tan particulares y reconocibles, que puede ser representada a través de ellos.

Cuando vemos una imagen del Big Ben, de un guardia real con su enorme sombrero negro, o de un autobús rojo de dos pisos, inevitablemente pensamos en Londres; incluso es posible que imaginemos un día lluvioso y una multitud abriéndose paso entre la niebla londinense.

I don’t drink coffee I take tea my dear / I like my toast
done on one side / And you can hear it in my accent
when I talk / I’m an Englishman in New York...1 No bebo café, tomo té, querida / Me gusta mi pan tostado de un solo lado /
Y puedes oírlo en mi acento cuando hablo / Soy un inglés en Nueva York.

«Englishman in New York», Sting

Quizá debido a sus eternos afanes imperialistas, el «British way of life» se impone al resto del mundo por medio de los retratos que se hacen sobre él en películas, artes gráficas y medios de comunicación. El estilo de vida londinense, cristalizado en sus efigies culturales, a menudo se interpreta como sinónimo de lo europeo, lo urbano y la modernidad.

A continuación mostramos diez de los íconos más representativos de la capital británica.

10. Bandera de la unión —Union flag—

En 1603, Isabel i de Inglaterra murió sin herederos, y subió al trono Jacobo vi de Escocia, que tomó el nombre de Jacobo i de Inglaterra, para gobernar ambos países. A pesar de que eran reinos independientes, él llamó a su dominio el «Reino de la Gran Bretaña». En 1606 ordenó usar una sola bandera para unir a la Cruz Roja de San Jorge, propia de Inglaterra, con la Cruz Blanca escocesa de San Andrés.

En 1800, se promulgó un Acta de Unión en la que Irlanda se anexó al Reino Unido, por lo que desde 1801 se usó una nueva bandera en la que se incorporó la cruz roja de San Patricio —que representa a Irlanda—, y aun después de la independencia de este país en 1921, se decidió conservar el mismo diseño. Actualmente el Reino Unido comprende Inglaterra, Escocia, Gales e Irlanda del Norte.

¿Qué es un ícono?
Es una representación gráfica de algo real o imaginario, creado para ser fácilmente interpretable, reconocible e inteligible. Estas imágenes pueden tener distintos grados de iconicidad, que es el grado de semejanza entre el signo y el objeto que representa. Si un ícono se parece mucho a su referente, tiene un alto grado de iconicidad; si se parece poco, tiene un alto grado de abstracción.

9. La corona

La corona es una pieza de joyería que los monarcas usan como símbolo de poder, victoria, gloria y de la legitimidad de su reinado. Actualmente, la reina Isabel ii es portadora de la Corona Imperial del Estado —que tiene más de 3 mil piedras preciosas, incluyendo un diamante de 317 quilates—, la cual usa una vez al año en la Ceremonia de Apertura del Parlamento. El ícono de la corona se utiliza en asuntos relacionados con la monarquía, y está presente en los escudos de armas y otros objetos oficiales.

8. Grenadier Guard

El cuerpo de soldados de infantería y caballería está encargado de proteger las residencias reales en Londres: el Palacio de Buckingham, el Palacio de San Jacobo, la Torre de Londres y el Castillo de Windsor. Estos soldados se caracterizan por su alto sombrero, el bearskin, que se usa en el ejército británico desde la Batalla de Waterloo. Los sombreros actuales que utiliza la Guardia miden 45 centímetros de altura, y están hechos de auténtica piel de oso canadiense.

7. Los taxis

Algunos de los fabricantes más destacados de estos distintivos vehículos negros que inundan la capital británica han sido lti, Peugeot, Fiat, Volkswagen y Mercedes-Benz. Los taxistas se caracterizan por ser afables y parlanchines; antes de obtener su licencia, deben aprobar un riguroso examen, llamado The Knowledge, «el conocimiento», que consiste en nueve entrevistas orales que determinan su capacidad de tolerancia al estrés. Además se les aplica un examen médico, una prueba de conducir y otra de familiaridad con la ciudad.

6. El gentleman

Desde el siglo xix circula por las calles londinenses el caballero inglés o gentleman, un hombre cortés y un tanto snob, amante del té, el estilo y la elegancia. Como accesorios de su impecable traje, usa bombín, un largo paraguas o bastón, pipa, y en algunos casos, monóculo y bigote.

El bombín fue popular durante la época victoriana, cuando era una prenda de la clase trabajadora; posteriormente se convirtió en el uniforme de los banqueros, por lo que se le asoció con un estilo de vestir, propio de los negocios. Hasta el día de hoy muchos hombres visten así para eventos formales.

5. El puente de la Torre

El Puente de La Torre es quizá el más icónico de los cinco puentes que tiene la ciudad. Es un puente levadizo que permite el paso de embarcaciones, y está suspendido entre dos torres. Su construcción comenzó en 1886, y en su inauguración fue descrito como «un símbolo colosal del genio británico». Tiene pasarelas que permiten el paso de peatones y ofrecen vistas espectaculares a la ciudad.

Para su construcción se asentaron más de 70 mil toneladas de concreto sobre el río Támesis para soportar 
la estructura final, que tiene más
 de 11 mil toneladas de acero. Opera gracias a un complejo sistema electro-hidráulico, que aún conserva algunos de sus componentes originales.

4. El autobús de dos pisos

Aunque en la actualidad circulan en la ciudad de Londres cerca de mil autobuses de dos pisos, y sólo operan en dos rutas, en todo el mundo se les asocia con el ajetreado ritmo de vida londinense. El autobús rojo de dos pisos se introdujo después de la ii Guerra Mundial —el modelo Routemaster, el más famoso, comenzó a operar en 1956—.

Aunque el número de vehículos en operación 
se redujo drásticamente después de la privatización del sistema de transporte público, aún existen algunos. Además, se fabricaron nuevos modelos para el festejo de los Juegos Olímpicos de 2012.

3. La cabina telefónica

Aunque los primeros modelos de cabinas se lanzaron en 1920, en 1924 la Comisión Real de Bellas Artes encargó al arquitecto sir Giles Gilbert Scott un diseño nuevo; desde entonces las cabinas son de color rojo, se fabrican principalmente en hierro fundido, y desde que Isabel ii subió al trono en 1952, ordenó que todas incluyeran el ícono de la corona de San Eduardo.

Las cabinas son parte importante de la arquitectura urbana de Londres —desgraciadamente están desapareciendo a pasos agigantados—, y hasta hoy el trabajo de Scott se considera una obra maestra del diseño, en especial el modelo conocido como Kiosco número 6 (1935), el más reconocible.

2. El metro —London Underground—

Las líneas actuales incorporan parte de los viejos sistemas ferroviarios, pero su primera línea eléctrica data de 1863. El diseño del mapa de the tube —como se le dice al metro de forma coloquial—, organizado esquemáticamente y por colores, influyó en el de muchos otros mapas de trenes subterráneos del mundo. Actualmente tiene 270 estaciones y 402 kilómetros de vías. Por otro lado, su logotipo —conocido como rondel, ojo de buey o diana— surgió de un ícono
 militar y de insignias, e 
incorpora los colores de la bandera. El diseño actual fue creado por Edward Johnston en 1919.

1. El Big Ben
El Palacio de Westminster, sede de la Casa del Parlamento, tiene tres torres: la del Reloj, con 100 metros de altura; la Central, de 92 metros, y la Victoria, de 105 metros. Contrario a la creencia popular, el Big Ben no
 es ni el reloj ni la torre, sino la gigantesca campana —16 toneladas— que «vive» dentro de la Torre del Reloj, aunque por extensión, así se le llama tanto a la torre como al reloj.

El Big Ben determina con campanadas la hora oficial de Gran Bretaña, y es proverbialmente famoso por la precisión de su mecanismo. La torre es uno de los íconos más característicos de Londres desde su inauguración en 1859. El origen de su nombre es debatido, pero se cree que se llama así en honor al jefe de obras del palacio, Benjamin Hall, o bien, por el célebre boxeador Benjamin Caunt.

 

Los amorosos son los insaciables, como el culto a Jaime Sabines

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Categoría: Cultura y Espectaculos Creado: 04 Junio 2018 Visto: 2781

sabinessCIUDAD DE MÉXICO.

Este texto de Virginia Bautista se publicó originalmente en marzo de 2014 en estas mismas páginas de Excélsior digital.

“Jaime Sabines es sin duda el último gran poeta popular que ha tenido México”, afirma el escritor Juan Domingo Argüelles. Y aclara que decir que es un poeta popular “no es descalificarlo en términos de calidad literaria”.

El antologador de la poesía mexicana explica que suele creerse equivocadamente que lo popular es malo y lo elitista es bueno. “En el caso de Sabines, lo popular fue un mérito producto de que consiguió que su poesía llegara a la conciencia y a la percepción de mucha gente que se sintió identificada con sus versos, que básicamente son una descarga de emoción”.

Es considerado el poeta más leído por los enamorados, el más recitado.

Con Jaime Sabines hay un culto: Claudio Isaac

De padre de origen libanés, el mayor Julio Sabines, y madre chiapaneca, doña Luz Gutiérrez, el autor de Los amorosos y Tarumba abarrotó como pocos los escenarios donde leyó su poesía ante jóvenes ávidos de oírlo.

“Pienso que Sabines, como dijo Octavio Paz, es un poeta de dos o tres cuerdas, que las supo tocar con enorme maestría. Y con esas tres cuerdas, la emoción, la pasión y el hondo sentimiento humano, logró que la gente se identificara con esas pasiones humanas.

“Esa es la maravilla de Sabines, que no pierde vigencia, no pierde lectores, continúa vivo y, además, es un autor que le habla a mucha gente; a diferencia de una poesía más intimista, menos expansiva, la suya consigue la atención de un vasto público que está acostumbrado a que la poesía tenga emoción”, agrega Argüelles.

El promotor de la lectura añade que, durante mucho tiempo, se ha querido oponer “absurdamente” la poesía de Paz a la de Sabines o al revés. “Decir que Paz es un mejor, más grande y más alto poeta que Sabines y que éste es popular porque era menos grandioso es un falso dilema que debe descartarse este año que se cumple el centenario del natalicio de Paz. Más allá de lo popular, Sabines es un gran poeta. Pocos pueden enorgullecerse de tener 20 o 30 poemas de los que nadie se olvida, y él es uno de ellos”.

Jaime Sabines: El primer amoroso

Juan Domingo piensa que el autor de Horal (1950) y Algo sobre la muerte del mayor Sabines (1973) no hizo escuela, porque tuvo la virtud de escribir y dejar algo irrepetible. “Es un poeta del desgarramiento. Lo que dejó es un tono o una manera que se podría denominar sabiniana, que tiene que ver con la forma de llamar las cosas por su nombre. No es tan fácil conseguir que la poesía sea sencilla y que además tenga esa profundidad de concepto y de emoción”.

Un rock star

Para el poeta Hernán Bravo Varela, la obra del Premio Xavier Villaurrutia 1973 fue una lectura asidua durante la adolescencia, “principalmente porque es la puerta de entrada no sólo para la poesía mexicana, sino para conocer la poesía relativamente contemporánea del país”.
Recuerda haber asistido a una de las últimas lecturas públicas que dio Sabines, en la Sala Nezahualcóyotl, en 1996, y que fue todo un suceso. “La mayoría de los ahí convocados tenían mi edad en ese entonces, 16 años. Todos reaccionamos en cierta medida y sin exageraciones como si estuviéramos ante un rock star y coreábamos los poemas, porque nos sabíamos varios de memoria.

“Desde el famoso y algo mediocre poema sobre la Luna, pasando por los extraños y vallejianos poemas de Tarumba y los que de alguna manera recuperan la herencia del Romancero español y la poesía de la Generación del 27 de sus primeros libros, hasta los magníficos poemas en prosa de Adán y Eva, que sigue siendo uno de mis libros favoritos”, dice.

Piensa que el legado del bardo chiapaneco fue precisamente esa “inusual conexión que tuvo con el público lector, con un público que está prácticamente perdido para la poesía en el México de hoy: los que la escuchan. Sabines cierra un capítulo de una historia sentimental de la poesía para ser oída por chicos y grandes y abre otro donde el texto leído termina siendo esencial”.

Jaime Sabines, el poeta que perteneció 
a todos
Sin embargo, Bravo no ve la huella de Sabines visible en la poesía escrita por sus contemporáneos o gente más joven. “Es un autor del que fácilmente se tiene la tentación de huir ante su inmensa popularidad, que cada vez va siendo más relativa, pues se le tiene confinado al rincón o a la esquina de los lugares comunes, de donde hay que sacarlo.

“Lo que se pide para estos falsos lugares comunes es una lectura más problemática de Sabines, abandonar al poeta recitable, al poeta de una cantidad de recursos tendientes a la serenata amorosa y leerlo como uno de los autores centrales de nuestra tradición poética. Hay un verdadero laboratorio verbal y formal en los poemas en los que no hemos reparado”, indica.

La poesía, un accidente

La poeta Rocío Cerón cuenta que conoció a Sabines en la casa que lleva su nombre, a mediados de los 90. “Fue siempre muy amable, gran conversador. Trabajé un año en las actividades literarias de la casa y platiqué con él en varias ocasiones. Era muy atento y escuchaba a los jóvenes. Nos decía que la poesía estaba en la vida, en las cosas simples. Su poesía toca a la gente porque es profundamente epidérmica, por eso tiene tanta aceptación entre lectores de distintas generaciones”.

Asegura que su legado pervive porque, como él mismo decía, “la poesía ocurre como un accidente, un atropello, un enamoramiento, un crimen; ocurre diariamente, a solas, cuando el corazón del hombre se pone a pensar en la vida”.

Sabines, Premio Nacional de Ciencias y Artes 1983, vivió enfermo la última década de su vida, una fractura en la pierna izquierda lo obligó a someterse a 35 operaciones. No obstante, viajó para difundir su obra en Nueva York, Holanda, Canadá, Francia y España.

 

Montan en el CCB la saga teatral Los grandes muertos

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Categoría: Cultura y Espectaculos Creado: 04 Junio 2018 Visto: 2947

ccbbosqueFabiola Palapa Quijas
Periódico La Jornada
La Compañía Nacional de Teatro (CNT) restrenará el 6 de junio la saga teatral Los grandes muertos, de Luisa Josefina Hernández, dramaturga, ensayista, traductora, catedrática y profesora emérita que este 2018 cumplirá 90 años.

La saga, que se escenificará bajo la dirección de José Caballero en el teatro Julio Castillo del Centro Cultural del Bosque, reúne las obras El galán de ultramar, La amante, Fermento y sueño, Tres perros y un gato, La sota y Los médicos.

Se trata de una muestra de la mejor dramaturgia mexicana que se realiza en coproducción de la CNT con Teatro UNAM y el gobierno de Campeche.

Las obras de Luisa Josefina Hernández giran en torno a la vida de la familia Santander, con historias de pasión, desencuentros amorosos y encuentros. La trama se desarrolla en Campeche de 1862 a 1909, época de cacicazgo.

Mosaico de costumbres

La serie teatral, que se estrenó en 2014, comienza con El galán de ultramar, que muestra la discriminación racial y social de la época. Vemos en escena cómo Juan José Fierro, galán español, llega al poblado del sureste mexicano para administrar las haciendas de don Sebastián Santander y se convierte en el candidato ideal para las hijas casaderas del hacendado: Encarnación y Agustina.

Mediante sus personajes, la dramaturga presenta un mosaico de costumbres de la época y cómo eran las relaciones con los criollos, mestizos, indios y negros.

Desde que llega el galán de ultramar, éste se siente atraído por Amanda Baeza, sobrina de doña Francisca Baeza, dueña del burdel del pueblo. El protagonista confiesa su amor a la joven, pero los prejuicios sociales hacen que sea la misma Amanda quien le sugiera casarse con Encarnación, la hija de Sebastián Santander, para seguir como administrador.

Mientras en la hacienda de los Santander, Encarnación, quien ha sostenido un noviazgo con Gervasio, mestizo que nunca aceptará su padre, decide romper su compromiso. Esto causa el enojo de su hermana Agustina, porque veía como posibilidad casarse con el galán de ultramar.

Las hermanas quieren desposar al administrador español y es la bella Encarnación quien convence a su padre para arreglar su matrimonio.

Hay un personaje que en la oscuridad y detrás de las paredes está al tanto de lo que sucede: doña Dulcinea Brito de Santander, quien sabe que el matrimonio hace desdichadas a las mujeres porque sólo los hombres pueden tener muchos amoríos e hijos. Ella se opone al casamiento de Encarnación, porque no quiere que termine sola y loca.

Amanda Baeza renuncia a la posibilidad de casarse con el hombre que ama porque está consciente de que la sociedad los discriminará, ya que ella es sobrina de la dueña de un burdel; su enojo la lleva a convertirse en la amante de Juan José Fierro.

La autora en esta obra va más allá del tópico amoroso para desnudar el brutal desdén racial y social de los criollos. Deja ver una sociedad dominada por la marcada diferencia entre las clases sociales y el machismo.

A través de sus personajes, la dramaturga muestra el desarrollo y las consecuencias de una familia constituida a partir de caprichos y poder.

Sobre sus obras, Luisa Josefina ha comentado en entrevistas: “Los grandes muertos es la recolección de las historias que mi madre me contaba. Al cambiar el siglo, ya en 1999, sentí que ese material no debía perderse, porque tiene fuerte valor emotivo e informativo”.

El reparto está formado por Laura Padilla, Jorge León, Ana Isabel Esqueira, Azalia Ortiz, Gabriela Núñez, Antonio Rojas, Óscar Narváez, Julieta Egurrola, Ana Paola Loaiza, Marta Aura, Arturo Beristáin y Miguel Cooper entre otros.

La saga Los grandes muertos, con dirección de José Caballero y dirección adjunta de Arturo Beristáin, Mariana Giménez y Octavio Michel, se presentará del 6 de junio al 15 de julio en el teatro Julio Castillo del Centro Cultural del Bosque (CCB), ubicado en Paseo de la Reforma y Campo Marte.

Los miércoles a las 19 horas se escenificarán El galán de ultramar/ La amante; los jueves a la misma hora, Fermento y sueño/ Tres perros y un gato; los viernes a las 19 horas se presentarán La sota/ Los médicos; el sábado a las 12 horas El galán de ultramar y a las 19 horas La amante/ Fermento y sueño; los domingos, Tres perros y un gato a las 12 horas y La sota/ Los médicos a las 18 horas.

 

Revisan la creación textil de la era prehispánica a la actualidad

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Categoría: Cultura y Espectaculos Creado: 04 Junio 2018 Visto: 2957

texttillEse quehacer no sólo es indumentaria o belleza; también es una plataforma para plasmar ideas políticas, sociales y económicas, definió Magdalena Wiener, curadora de la muestra
Se analizará el plagio de diseños; la idea es apoyar esa herencia cultural, dijo Walter Boesterly, director del recinto
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Aspectos de la exposición México textil, montada en el recinto de Revillagigedo 11, Centro HistóricoFoto cortesía del museo
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Indumentaria incluida en la muestra que finalizará el 14 de junioFoto Jesús Villaseca
Mónica Mateos-Vega

Periódico La Jornada
El arte textil en México no tiene que ver sólo con la indumentaria o la belleza de un rico legado: es también una plataforma para plasmar ideas políticas, sociales y económicas, sostiene Magdalena Wiener, curadora de la exposición México textil montada en el Museo de Arte Popular (MAP).

La muestra propone un repaso por la historia de la manufactura de textiles de la época prehispánica a la actualidad con la finalidad de conocer las diferentes técnicas de elaboración, las materias primas y, sobre todo, para reflexionar acerca de los retos actuales de esa actividad.

Uno de los problemas más importantes es el plagio de los diseños artesanales, tema que se abordará en la muestra y en un par de mesas redondas, pues la idea es crear conciencia en los visitantes y potenciales consumidores de textiles nacionales acerca de la importancia de apoyar esa herencia cultural, dijo en rueda de prensa el director del MAP, Walter Boesterly.

Arte vivo y en constante transformación

La exposición reúne 300 trabajos, entre huipiles, obras de telar de cintura, tapetes, sarapes y rebozos, así como algunos objetos de cerámica y religiosos, como casullas, mitras y frontales, de los acervos de la Catedral Metropolitana y los museos Franz Mayer, del Templo Mayor, del Antiguo Palacio del Arzobispado, del Castillo de Chapultepec y el Nacional de Antropología, así como de colecciones privadas.

“El empoderamiento de la mujer, la identidad, pero también la violencia y la guerra contra el narco afectan a las comunidades y su producción artesanal. Algunas de las prendas que presentamos hacen referencia a esos temas”, añadió la curadora.

Uno de los núcleos temáticos tiene que ver con el plagio y la apropiación cultural, continuó Magdalena Wiener; son retos actuales y vigentes que deben integrarse a la muestra para crear conciencia en el público y sea parte de un movimiento de apoyo.

El discurso del textil en el arte contemporáneo, los usos y costumbres, así como la poética imaginación de los diferentes pueblos y etnias, complementan la muestra que deja constancia de que ese quehacer nacional es un arte vivo, en constante transformación.

Por conservar tradicionese innovar en el país

Boesterly consideró que “hay que desmitificar ciertas cuestiones, pues si bien existe quien se roba los diseños de las comunidades para reproducirlos en varios lugares del mundo, sin dar crédito ni beneficiar a los artesanos, también hay que saber que los primeros que desacreditamos esa indumentaria en México somos nosotros.

Por ejemplo, cuando vemos a las personas vestidas con sus trajes tradicionales de inmediato los señalamos, los hacemos a un lado o decimos que está caro cuando nos ofrecen una prenda. Pero si la producen grandes firmas internacionales, lo pagamos. Hay que pugnar por un trato digno y justo hacia los artesanos.

México textil pone sobre la mesa de discusión cómo conservar y mantener las tradiciones, al tiempo que se debe innovar, pues una parte del problema artesanal en el mundo, en especial en México, consiste en que al no innovar, el consumidor no adquiere los productos, los cuales se deben adaptar a una vida diferente.

La exposición México textil, montada en el Museo de Arte Popular (Revillagigedo 11, entrada por Independencia, Centro Histórico), concluirá el 14 de junio.

 

Hablar: Recordar, acordarse

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Categoría: Cultura y Espectaculos Creado: 04 Junio 2018 Visto: 2723

habrallrarMe acuerdo de que Gerardo, mi compañero
 de prepa que más tarde ascendió a amigo, siempre «se recordaba de algo».

Se recordaba de no haberle enumerado al cliente de la mañana todos los beneficios de obtener una bomba para el agua en su empresa, se recordaba de lo divertido que había sido ir a comprarle refacciones a su vieja camioneta morada llamada La Lupita, se recordaba de comprar boletos para el juego Pumas-América y también decía: «Me recuerdo de esos días de prepa con Chucho, Salvador, El Chino, Miguelón y, por supuesto, con Martha».

—Un año para recordar—

A mí me causaba gracia oírlo y, en el afán de la buena amistad, siempre se me quedaba en la punta de la lengua decirle: «Más bien, “te acuerdas”, ¿no?» Y es que, aunque los verbos acordar y recordar comparten el significado de «tener algo presente en la memoria», la forma en que se construyen, es decir, la manera en que se unen a las demás palabras para formar las oraciones, es distinta.

Todo comienza con cómo se clasifican, pues acordar es un verbo reflexivo y recordar no, lo que significa que el primero expresa una acción que realiza el sujeto y que recae sobre él mismo —acordarse—, para lo que requiere los pronombres me, te, se o nos:

Ayer [yo] me acordé de cuando mi abuelo me llevaba al deportivo.
¿Te [tú] acuerdas de Olivia?
Salieron corriendo. [ellos] Se acordaron de que tenían una cita.
Cada vez que vamos a ese café [nosotros] nos acordamos mucho de ti.

En cambio, recordar no necesita los pronombres, pues la acción recae sobre lo que se recuerda, es decir, un objeto directo:

Iván recordó paso a paso el procedimiento.

Además, acordar es un verbo intransitivo que no requiere la presencia de un objeto directo que reciba la acción para tener significado —pues la acción recae sobre sí mismo— y recordar es un verbo transitivo que necesita que haya un objeto directo que reciba la acción. De esta manera nos acordamos de algo:

¡Claro que [yo] me acuerdo de ti!

Y, en cambio, recordamos «algo»:

Recuerdo que siempre íbamos a cenar a Los Panchos después de las tocadas.

En ambas oraciones estamos trayendo a la memoria un hecho, pero, en la primera, la acción de acordarse no recae en nadie, pues soy yo quien se acuerda, y, en la segunda, yo recuerdo «algo» en lo que recae mi acción.

La última clave de todo este asunto está en la preposición de, pues al verbo acordar debe seguirlo esta preposición:

Se acordó justo a tiempo de alcanzar a Silvia.

Pero de no debe ir con el verbo recordar:

Recordaba esos días con mucha melancolía.

—Acércate a conocer las memorias de otros—

Finalmente, la clave más sencilla es no perder de vista que no «nos recordamos de algo»:

Me recordé de que Sonia me pidió no faltar a su fiesta.

Sino que nos «acordamos de algo»:

Además, me acordé de que no había comprado el regalo.

Y «recordamos algo»:

Y recordé que había una tienda de regalos muy mona en la esquina de su casa. Así que tomé la bolsa y salí corriendo para llegar a la fiesta.

 

Cronología: De la imprenta de Gutenberg a la impresora

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Categoría: Cultura y Espectaculos Creado: 04 Junio 2018 Visto: 3220

Grandes imprenta 6La Redacción
Para que hoy puedas imprimir desde un smartphone o tablet, la tecnología vivió varios cambios y etapas que aquí te contamos.

La imprenta: odisea de las letras
Desde el emprendimiento temprano del hombre en el camino del lenguaje surgió la necesidad de representar toda su actividad y materializarla en superficies en las que pudiera perdurar. Puesto que los progresos en el habla fueron lentos, lo fueron aún más en la escritura —que comenzó en el año 3200 a. C.—. Una vez establecido el manuscrito, se idearon formas para propiciar y acelerar la escritura, pero en el periodo que comprende de las pinturas rupestres a los primeros grabados, no hubo invención tan revolucionaria como lo fue la imprenta y la tipografía, entendida como el arte de imprimir y también como la diversidad en tipos de letra de imprenta.

Para entender su aparición, es necesario desempolvar el año de 1450 y la fotografía —imaginaria— de Johannes Gutenberg que, para fabricar sus tipos móviles, decidió imitar el estilo manuscrito de los copistas germanos de la época: la letra gótica o negra, para lo cual talló moldes de madera que le sirvieron para fundir los tipos con los que armó el primer libro impreso con tipografía: la Biblia de 42 líneas. Este incunabulum es un minucioso trabajo de técnica mixta, pues las capitulares se imprimieron en xilografía —grabado en madera— y los detalles fueron pintados a mano.

A partir de esta innovación, en las imprentas surgieron el arte de la tipografía y algunos nuevos oficios, como el de cortador de tipos, que era el encargado de pasar el diseño de una familia tipográfica del papel al molde. Un oficio sumamente importante , ya que de él dependían la precisión y calidad que le daban renombre a las casas de impresión. La imprenta de tipos móviles se difundía muy pronto por toda Europa, cosa que, sin duda, alarmó a los copistas que veían próximo el fin de su oficio. Algunos bibliófilos de la época despotricaron contra la tipografía, alegando que su calidad, inferior a la de la caligrafía, era indigna de pertenecer a sus bibliotecas, a tal grado la tipografía llegó a prohibirse.

Desarrollo tipográfico
Mientras que las ciudades alemanas y suizas desarrollaron y potenciaron el libro ilustrado, Venecia se distinguió por el desarrollo de la tipografía. Al parecer, Nicolas Jenson, (1420-1480) fue el primero en cortar tipos basados en la letra capital romana, familias que, en lo subsiguiente, serían denominadas humanísticas. Aldo Manuncio (1450-1515) creó la primera fuente itálica — es decir, inclinada— en minúsculas que imita la caligrafía comercial denominada cancelleresca. En su búsqueda de producir demasiado, Manuncio introdujo el libro de bolsillo y optó por ediciones económicas, sin lujos.

Geofroy Tory (1480-1533), inventó las capitulares móviles, las comillas, la cedilla y el acento. En ese tiempo, debido a la mala calidad del papel y la tinta, la parte blanca de las letras se perdía en la impresión, y los remates o patines se engrosaban al punto de dificultar la lectura, por lo que Claude Garamond diseñó tipografías —las garaldas— con una proporción más ancha de que la de las letras humanísticas e implementó también las letras mayúsculas oblicuas.

México, casa de la primera imprenta de américa
Durante 1539, en el recién descubierto territorio mexicano se estableció la primera imprenta en América, tuvo sede en la Casa de las Campanas —que todavía existe, bajo el cuidado de la Universidad Autónoma Metropolitana—. El primer centenario de actividades de imprenta aportó —en caracteres góticos mayormente— la cantidad de ciento ochenta obras, debido que el papel era escaso. De hecho, el primer molino que lo fabricara no se inauguró sino hasta 1580.

Ya en 1692, Luis XIV impulsó la Imprenta Real, para la que Louis Simonneau diseñó la tipografía Romain du Roi, con la que se inició el periodo de transición tipográfica. En esos momentos, Fournier intentaba estandarizar el sistema de medición de las letras; tras él, Didot hizo lo propio, de donde resultó el punto como unidad de medición.

Por su parte, John Baskerville se dio a la tarea de trabajar en el mejoramiento del papel que, en aquella época, era poroso y absorbía mucha tinta durante la impresión, por lo que le agregó un acabado de cal prensada y planchada, originando un papel terso que no absorbía tanto la humedad. También mejoró la calidad de la tinta, lo que le permitió que su tipografía fuera más fina y detallada en sus trazos: la Baskerville.

En Italia, Giambattista Bodoni, resultó ser uno de los tipógrafos más prolíficos, llevó al extremo la diferencia entre los trazos gruesos y delgados, utilizó patines con remates rectos del mismo grosor que el fuste delgado de la letra. A su muerte, su viuda publicó su Manuale tipografico, que fue la quintaesencia de la tipografía «moderna» de aquella época.

Fotolitografía
El siglo XIX representó una época de avances fundamentales, un boom que se suscitó por dos razones principales: la evidente mejoría en las prensas mecánicas y la litografía implementada desde 1798 por el alemán Alois Senefelder. Unos años más tarde, Luis Peitevin —en colaboración con el impresor Lemercier—, desarrolló la fotolitografía, que permitió por primera vez obtener varias copias de una imagen fotográfica y hacerlo de forma barata, además abrió camino para nuevas prácticas técnicas, como de la que surgió el Poster, en manos de Jules Chéret.

La industria continuó avanzando y la distribución en serie era el siguiente paso, ese que únicamente podría darse por la invención del linotipo, obra del relojero alemán, Ottmar Mergenthaler. Un sistema que simplificó y aceleró los procesos, además de bajar los costos.

Principios de la impresión offset
El siglo XX resultó igualmente —o tal vez más— sustancial, pues, utilizando placas de zinc y aluminio granulado, la estadounidense Ira Rubel aportó los principios de la impresión offset. Para 1907, fue presentada la primera prensa rotativa bajo ese sistema, que desde entonces se convirtió en el método de impresión más difundido. A raíz de esto, comenzó en México —y en muchos otros países— una disyuntiva entre tradicionalistas —como los encargados de publicar el libro La Universidad Nacional de México— y modernistas —como quienes dirigían la Revista Moderna—, este segundo grupo liderado por jóvenes elitistas de cuyos enfoques e ideas surgió el diseño gráfico como licenciatura —1968—.

Fotocomposición, gran avance de los años 80
Al llegar la década de los 60, había aparecido la fotocomposición controlada por computadora y ésta dominaría el mercado hasta los años 80, solo derrocada por la idea ostentosa de las computadoras personales y la configuración interactiva de teclado y pantalla —y la novedosa posibilidad que brindaba de revisar la captura sobre el monitor, realizar los ajustes de formato correspondientes y cerciorar la impresión—

Entrando en materia diremos que la evolución de la tecnología permitió que la forma de producir y reproducir la tipografía no solo avanzara en calidad, sino que tuviera una diversidad estilística que desembocó en la existencia de alrededor de quince mil tipografías distintas, como las muy famosas Helvética y Arial.

Por otro lado, el desarrollo del internet ha dado paso al desarrollo de tipografías «seguras», es decir, familias que se despliegan con la misma eficacia —y que luzcan bien— en las distintas plataformas computacionales. Hablo, claro está, de las screen fonts, como la Verdana, que es la protagonista en la mayoría de las páginas de internet.

En la actualidad, las computadoras e impresoras, cada vez más pequeñas y de mayor calidad, han facilitado la vida de diversos profesionistas y de las personas en general. Imprimir un libro, una tarea, un proyecto, una tarjeta, una fotografía familiar o los momentos más divertidos de tus vacaciones y hasta una pintura es cada vez más sencillo y preciso con la nueva HP Deskjet 3775, la impresora «todo en uno» más pequeña del mundo. Además, puedes guardar todas tus experiencias con momentos HP. ¡Tus recuerdos ahora siempre presentes con impresoras HP!

De esta manera, el proceso que se realizaba en la antigüedad se quedó justo ahí, en el pasado, pues ahora ya no necesitamos la participación de diferentes personas y técnicas para imprimir cualquier cosa que desees, sólo necesitas una computadora conectada a tu impresora HP Deskjet 3775. ¡Así de sencillo!

Es increíble el largo camino que diferentes personas han tenido que recorrer, como si se tratase del traslado del fuego olímpico, que si bien dará paso a un gran acontecimiento, unos años más tarde se ha de reubicar en un lugar desconocido, tal como el futuro de la tecnología.

 

Las estaciones de Felipe Ehrenberg

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Categoría: Cultura y Espectaculos Creado: 30 Mayo 2018 Visto: 2809

esctacion deAbren ¡La última y nos vamos!, exposición-homenaje por el primer aniversario luctuoso del artista conceptual
Felipe Ehrenberg (1943-2017), en primer plano, fotografía incluida en la muestra que se puede visitar en la Galería Metropolitana de la UAM, la cual concluirá el 28 de julio en ese recinto ubicado en Medellín 28, colonia RomaFoto cortesía de fotógrafo popular de Chapultepec
Daniel López Aguilar

Periódico La Jornada
A un año del fallecimiento de Felipe Ehrenberg (1943-2017), la Galería Metropolitana de la Universidad Autónoma Metropolitana (UAM) rinde homenaje al artista multidisciplinario con una entrañable exhibición que destaca el quehacer de uno de los máximos representantes del arte conceptual en México.

La exposición ¡La última y nos vamos! Homenaje a Felipe Ehrenberg consta de 113 piezas, entre dibujo, pintura, escultura, obra en 3D, poesía sonora, fotografías y maquetas, se inauguró anoche en ese espacio de la UAM.

Inicialmente la dirección de Artes Visuales de la UAM me solicitó, en 2016, encargarme de una exhibición que abordara la obra de Felipe Ehrenberg. No me comprometí, porque antes necesitaba platicar con el involucrado, explicó Víctor Muñoz en conferencia de prensa.

Muñoz, curador de la exposición –junto con Lourdes Hernández Fuentes, viuda del artista– dijo que el también editor y ensayista sólo puso una condición: no hacer una retrospectiva.

Ehrenberg, añadió Muñoz, quería mostrar las últimas series que había hecho; padecía una enfermedad terminal, pero jamás cesó su euforia productiva.

Colaboración creativa frecuente y entrañable

Lourdes Hernández destacó que Ehrenberg probablemente no quería una retrospectiva, porque la mayoría de los coleccionistas le solicitaban obras y apuntes sólo de los años 60.

La situación era una especie de burbuja en ebullición desde que montó una muestra en Burdeos, Francia. Realizaba una infinidad de tesis, mandaba autorizaciones para libros en Estados Unidos, estaba bajo profundo estrés.

Hernández adelantó que en la inauguración de la muestra se daría a conocer un texto escrito por Felipe Ehrenberg, donde el artista narra el proceso de restauración de sus obras de los años 60 y 70, y además comparte anécdotas durante su elaboración.

Víctor Muñoz rememoró que fue en 1973 cuando conoció a Felipe Ehrenberg y desde entonces su colaboración creativa y amistosa fue frecuente y entrañable.

Añadió: “Felipe se integró en 1976 al Grupo Proceso Pentágono, integrado por Carlos Fink, José Antonio Hernández Amezcua y yo, equipo que se caracterizó por inventar nuevas formas de producir arte.

Finalmente, en aquella reunión a propósito de su exhibición logré decirle que para mí él era el artista contemporáneo en México más interesado de manera genuina en la expresión popular de nuestras culturas, debió haber dado un sorbo de mezcal y comenzó a llorar. Es un honor formar parte de esta muestra después de dos años.

Lourdes Hernández apuntó que la exposición dedicada a Ehrenberg incluye piezas que forman parte de la colección Casos aislados: objetos que Felipe recolectaba en distintos países y ciudades, que formaban parte de su vida.

También se exhiben decenas de fotografías de una puesta de sol, captadas por el artista en diferentes horarios durante varios meses.

Santiago Espinosa de los Monteros, director de Artes Visuales y Escénicas de la UAM, confirmó que la Galería Metropolitana de esa casa de estudios también será sede de mesas de diálogo y talleres en torno a Ehrenberg.

“Es muy importante decir quién es Felipe Ehrenberg, sobre todo pensando en el público universitario. No basta asociar su nombre con el arte mexicano. Con esta muestra proponemos un recorrido por su historia, por las estaciones que transitó.

Hay piezas de un autor que manipuló y jugó con el lenguaje. La muestra brinda luces a muchos de sus seguidores y luces para quienes desean conocerlo.

¡La última y nos vamos! Homenaje a Felipe Ehrenberg concluirá el sábado 28 de julio en la Galería Metropolitana de la UAM (Medellín 28, entre Puebla y Sinaloa, colonia Roma).

 

Sangre esclava, narración de Gabriela Fonseca, se publicará en octubre, adelanta su fundador

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Categoría: Cultura y Espectaculos Creado: 30 Mayo 2018 Visto: 3583

drakkErige editorial puente intercultural entre las lenguas española, inglesa y náhuatl en AL
Reyes Martínez Torrijos

Periódico La Jornada
Tender un puente intercultural que abarque el español, el inglés y el náhuatl en América Latina es la finalidad del naciente sello Dark & Glow Press.

La publicación de El retorno de Quetzalcóatl, novela de Roger Vilar, marca el comienzo este año de esa editorial fundada por este autor, que también distribuirá, importará y exportará libros.

En entrevista con La Jornada, Vilar, periodista originario de Cuba, adelanta que ya se firmaron contratos con la poeta uruguaya Laura Inés Martínez Coronel, los narradores mexicanos Gabriela Fonseca y Manuel Solís, así como el autor argentino Nicolás Fiks.

Luego de una primera traducción al náhuatl de El retorno de Quetzalcóatl, prevé abocarse a alguna lengua maya. Y a finales de este año o principios del siguiente, quizá comencemos a publicar en inglés para penetrar en el mercado estadunidense, ya sea con obras en español de escritores mexicanos o de Latinoamérica, o con autores de lenguas originarias al inglés. Espera publicar de cuatro a cinco títulos al año.

Sin embargo, añade Vilar, la colección Lord of flame and shadow no está limitada a la mitología mexicana, sino que abarcará cualquier tema que pueda dar lugar a una novela o libro de cuentos fantásticos.

El terror es el eje de otro conjunto, que se inicia con la novela La tumba innombrable, del mexicano Manuel Solís; historia de unos petroleros mexicanos que en el sur del país excavan demasiado profundo y llegan a lo que podríamos llamar el infierno y encuentran al diablo, pero está muerto.

El siguiente conjunto es el de poesía. “Hasta el momento sólo es poesía en español, aunque no hay limitación de tema. No apostamos por una poesía barroca o coloquial, con que sea un buen o una buena poeta está bien. Se inicia con el poemario Toda alegría es imposible, de la uruguaya Laura Inés Martínez Coronel.

La narración de Gabriela Fonseca, Sangre de esclava, incorpora elementos de fantasía y eróticos, ambientados en el antiguo imperio romano y aparecerá alrededor del próximo octubre; en tanto, El paraíso de los sádicos, de Nicolás Fiks, será publicado en diciembre.

Oportunidad al idioma español

Roger Vilar considera que “la mayor parte de los libros de fantasía en América Latina son traducciones de escritores estadunidenses, británicos y de otros idiomas. Hay buenos autores en lengua inglesa, pero también los hay en español y existen pocas posibilidades para ellos. Queremos dar oportunidades a los que escriben literatura fantástica, terror o ciencia ficción contemplada para el futuro en español.

México tiene una tradición cultural milenaria, así como una mitología y un mundo de dioses tan complejo equiparable y quizá en algunos casos superior a los del norte de Europa, explica Vilar.

Las propuestas de materiales para publicar se reciben en el correo electrónico Esta dirección de correo electrónico está siendo protegida contra los robots de spam. Necesita tener JavaScript habilitado para poder verlo.. Cada obra debe incluir una sinopsis y las 10 primeras páginas del texto.

 

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