Cultura y Espectaculos

Sor Juana Inés de la Cruz, mujer

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Categoría: Cultura y Espectaculos Creado: 18 Abril 2018 Visto: 2412

SORJUANA Valentina Santos. Algarabía
Sor Juana Inés de la Cruz aceptó llevar una vida de convento sólo para poder escribir y tener acceso al conocimiento.

Los enigmas que suscita la figura de sor Juana Inés de la Cruz parecen inagotables. Docta conocedora de la filosofía, poeta insaciable, pero, sobre todo, defensora imbatible de la razón, el talento de esta sabia cortesana da para muchos análisis.

Sin embargo, en este artículo nos centraremos en la doble condición de su vida religiosa. Su encierro monacal devino,  por un lado, en padecimientos y penurias, pero,  por el otro, implicó un desafío que fortaleció su espíritu y le permitió cultivar lo que más amaba: las letras. Echemos un vistazo a este mundo donde la condenación del cuerpo femenino se tradujo en impulso creativo.

El peso de la ilegitimidad
Para quienes han investigado a profundidad la vida de Sor Juana Inés de la Cruz —Ermilo Abreu Gómez y Octavio Paz, entre los más autorizados nombres— subsisten varias lagunas que, seguramente, jamás serán aclaradas. La primera es su fecha de nacimiento, establecida el 12 de noviembre de 1651, aunque Paz calcula que nació tres años antes y nos dice que la ausencia de un acta fiable obedece a una simple razón: en la Nueva España del siglo xvii no se acostumbraba registrar a los hijos naturales, y la pequeña Juana lo era.

Juana Inés nació en Nepantla, Estado de México, y parecía marcada por el nombre de este lugar, que en náhuatl significa «en medio» —lo que probablemente tenga que ver con  el hecho de que el pueblo se sitúa entre los volcanes—. Casualidad o destino, esta medianía encuentra su análogo en la estirpe de Juana Inés, típicamente criolla.

La ausencia del padre en la vida de Sor Juana no significó discriminación alguna, pues los hijos naturales eran comunes. Se trataba, por así decirlo, de la regla y no de la excepción.

Otro misterio deriva del origen bastardo de la niña Asbaje.  Se sabe que su madre, Isabel Ramírez, era analfabeta y que, a pesar de ello, estuvo al tanto de los talentos de su hija. A través de la poesía de la precoz Juana Inés resulta evidente el efecto de la trayectoria amorosa de Isabel, que, con el tiempo, estableció una relación con Diego Ruiz de Lozano, un capitán que le dio tres hijos más y quien, al parecer, trató siempre con estima y respeto a los vástagos de la primera unión.1

Octavio Paz señala con claridad que el dolor de la bastardía sería un lastre que Juana no superaría del todo y que, al contrario, la incitaría a tomar determinaciones de una audacia extraordinaria para su tiempo. La primera fue la negación absoluta de un destino conyugal, derivado de la posible repugnancia hacia la vida hogareña y, más importante aún, de la cancelación de la vida intelectual que acarrearía. No importaba, pues, que la jovencita destacara por su belleza; su interés principal radicaba en «saber».

Si bien Sor Juana no compartía las creencias acerca del cuerpo y la condición femenina, sí las acataba, para poder seguir con «lo suyo»: la lectura y la escritura.

Inteligencia descomunal y hermosura innegable parecían dos atributos incompatibles —y también imperdonables— para una mujer de su siglo. La moza Juana Inés se convirtió, entonces, en el objetivo de un hábil y temible cazador de núbiles damas que consideraba al cuerpo femenino como el principio de toda condenación e indignidad: Antonio Núñez de Miranda. Confesor de virreyes y férreo soldado de Cristo, era un hombre temible que evitaba ver a la cara a las mujeres y no establecía contacto físico alguno con ellas. El mejor servicio que podía prestar a la institución religiosa era el reclutamiento de almas femeninas, inferiores y encerradas en cuerpos proclives al pecado.

La deslumbrante muchacha de Nepantla se convirtió en un suculento bocado para tan hábil y poderoso individuo.

La clausura y el quebranto corporal
Una vez convertida en religiosa, Juana Inés hubo de  sufrir la dureza de la vida monacal, misma que abatió su fortaleza física, mas no la espiritual ni la creativa. La joven verdaderamente carecía, como la mayor parte de las monjas, de un espíritu religioso que le hiciera por lo menos llevadera la vida en clausura, y la peor decisión para la inquieta novicia fue ingresar en la orden de las Carmelitas Descalzas, a instancias del propio Núñez de Miranda y con la venia de los virreyes.

Al poco tiempo de su ingreso y dadas las condiciones de ascetismo y las penurias, Sor Juana sufrió una crisis  de salud y, debilitada, regresó a palacio. Pero un bocado tan suculento no se le iba a escapar tan fácilmente al fiero Núñez, y la religiosa fue destinada a otro espacio, el monasterio de San Jerónimo, mucho menos tortuoso que el primero.

Núñez de Miranda era un hombre extremadamente astuto  y comprendió que un modo de mantener a Sor Juana  Inés en relativa paz, en esta nueva clausura, consistía en  no restringirle la posibilidad de estudiar y escribir versos «decentes», siempre que no se desviara de la tarea principal: la adoración de Dios. Las prohibiciones se limitaron al contacto con «los de afuera».

Así, Sor Juana se adentró y se sostuvo en un mundo restrictivo, marcado por la repugnancia al cuerpo femenino, la cancelación de la sensualidad y el temor a las ideas. Y  en él, a pesar de todo, pudo seguir creando con la misma dedicación y sabiduría de siempre.

Los privilegios de las letras
La producción literaria de Sor Juana transitó por diversas etapas, de acuerdo con el ambiente en el que se desenvolvía y con las fidelidades que debía mantener. Así, en sus primeros años de vida desbordó su sensibilidad y el pesar que la ilegitimidad le provocaba en epigramas, como aquel en que confiesa «no ser de padre honrado».

También se sabe que escribía muchos textos por encargo, lo cual, a falta de indicios fiables, nos permite conocer la clase de relaciones que la bella escritora sostenía con el poder.  La prodigiosa comprendió el peso de la ideología en las libertades creativas. De esta forma, su pluma trabajaba para articular composiciones en honor del citado virrey, su esposa y su pequeño hijo, que vino al mundo en 1683.

Epístolas —como las famosas intercambiadas con «Sor Filotea», seudónimo del obispo de Puebla, en las que defiende el derecho de las mujeres a acceder al conocimiento—, loas —El cetro de José— y pequeñas obras teatrales —Los empeños de una casa— se entremezclan con textos más elaborados que exigen una comprensión amplia no sólo del lenguaje, sino de códigos mucho más restringidos de los que a menudo no tienen conocimiento alguno sus lectores ni los destinatarios.

La referencia a deidades en la loa escrita con motivo del vigésimo cumpleaños de Carlos ii es un claro ejemplo de los recursos desplegados para agradar al palacio. Pero, semejante derroche de alabanza, bien puede demostrar una secreta ironía atesorada.

Erotismo y sabiduría enclaustrados
Con todo, si por fuera Sor Juana era una mujer taimada y ecuánime, por dentro, todas esas cualidades entraban en conflicto al no encontrar un cauce para su erotismo, que,  a decir de los estudiosos, era desbordante, muy elevado, como también ambiguo e inasible en una única figura.

Los poemas dirigidos a la virreina María Luisa Manrique de Lara, condesa de Paredes, cuya presencia es disimulada bajo otros nombres —Filis, uno de ellos—, dan cuenta de una relación cuyo carácter lésbico no puede ser comprobado, pero apunta a que la monja no era indiferente a los talentos, virtudes y sensibilidad del objeto de su afecto.

Todo texto que se refiera a la vida de Sor Juana resultaría incompleto si se omitiera la obra más extensa, compleja y ambiciosa: Primero sueño, que es, también, la composición más personal de la bella religiosa. Aunque se desconoce la fecha de su escritura, se calcula que data de 1895. Considerado un poema gongorino, en él, la autora —a diferencia de lo que estila Góngora— cifra el significado de la composición en el alma y no en los sentidos.

Piramidal, funesta de la tierra / nacida sombra, al cielo encaminaba / de vanos obeliscos punta altiva, / escalar pretendiendo las estrellas... Fragmento de «Primero sueño».

Sor Juana albergaría, en su corta existencia, un espacio relativamente amplio para expresar su talento lírico, lo cual no es poco, sobre todo, si se considera el universo represivo que rodeó a la brillante mujer. Sin embargo, esta libertad creativa halló su freno después de la crítica que hiciera a  un sermón de Antonio de Vieyra, un connotado teólogo portugués, jesuita, por cierto.

El documento apareció en Puebla, en noviembre de 1690, bajo el título de Carta atenagórica de la madre Juana Inés de la Cruz, religiosa profesa de velo y coro en el muy religioso convento de San Jerónimo... Que imprime y dedica a la misma sor Filotea de la Cruz, su estudiosa aficionada en el convento de la Santísima Trinidad de Puebla de los Ángeles. El lenguaje directo de la misiva y su indiscutible carácter erudito ocasionaron múltiples ataques desde distintos púlpitos de escuelas y seminarios.

Después del incidente,  la monja, a instancias del obispo de Puebla, Fernández de la Santa Cruz, aceptó dedicarse a asuntos menos profanos y a deshacerse de su espaciosa biblioteca, que constaba de más de cuatro mil volúmenes.

Este golpe mermó el espíritu ciertamente envanecido y rebelde de Sor Juana, que falleció el 17 de abril de 1695, víctima de una epidemia que azotó al convento. A lo largo de su vida cultivó pasiones, envidias y lealtades, la más valiosa de ellas, sin duda, hacia sí misma.

Las obras imperdibles de Gabriel García Márquez

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Categoría: Cultura y Espectaculos Creado: 18 Abril 2018 Visto: 2546

gabriel garcia marquezf Diego Corona. Algarabía
«Dicen que yo he inventado el realismo mágico, pero sólo soy el notario de la realidad. Incluso hay cosas reales que tengo que desechar porque sé que no se pueden creer». G. G. M.

En la cumbre del realismo mágico latinoamericano confluyeron el papel y la tinta de Gabriel García Márquez, con ello escribiría una de las obras hispanas más importantes del siglo XX, misma que lo consagraría tras su publicación a mediados de 1967. A cuatro años de su muerte, te presentamos cinco obras imprescindibles del colombiano galardonado con el Nobel de literatura en 1982.

5. La hojarasca
A forma de preámbulo de lo que veríamos en su obra ulterior, Gabo nos presenta Macondo y atestiguamos los primeros asomos del realismo mágico en esta novela corta.

4. El coronel no tiene quién le escriba
Habiéndola escrito en su paso por París, la obra fue publicada en 1961. En una historia perspicazmente violenta en la que un coronel retirado mira la espalda de su patria. Entrevemos en ella mayor economía y un poco de sutileza en sus letras.

3. Crónica de una muerte anunciada
La carrera periodística de García Márquez se refleja en una obra compuesta como novela policiaca. Un rompecabezas literario que se inspiró en el asesinato real de un hombre en Colombia en 1951.

2. El amor en los tiempos del cólera
Apartada de los terrenos temáticos mayormente pisados, se convirtió en una de las obras más encariñadas de Gabo, pues se inspiró en la forma en la que su padre —de nombre Gabriel— cortejó a su madre, Luisa, y las dificultades a las que se enfrentó por la oposición del padre de ella.

1. Cien años de soledad
Sin lugar a dudas, la obra cumbre de Gabriel García Márquez que, además de representar la consolidación del realismo mágico latinoamericano, trajo consigo una revolución en la literatura. Figura entre los primeros lugares de las obras latinoamericanas más importantes del siglo XX.

Danza árabe

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Categoría: Cultura y Espectaculos Creado: 16 Abril 2018 Visto: 3188

Danza árabe y muestra musica Alma Báez Orihuela, directora de la academia de danza árabe invita a la muestra coreográfica que ofrecerán el próximo 20 de abril.
El 20 de abril tenemos el gusto de participar en el 35 aniversario del instituto y vamos a presentarles un programa titulado luna del desierto que va abarcar desde la danza árabe más tradicional hasta ya los estilos fusionados. Pandero, sable, estilos fusión con listones serán de las piezas que interpretarán las alumnas de la academia desde principiantes a avanzados.
La fusión se da porque las mismas estudiantes me lo piden ellas como jóvenes tienen esa inquietud de crear y desde ellas de su inquietud de crear algo diferente surge la idea de hacer fusión y una de las fusiones rápidamente que les puedo platicar es con zamba, es muy interesante, muy bonita se escucha bien desde la música y les va a encantar.
Viernes 20 de abril a las 6 de la tarde es la cita, la entrada es libre

Exposición colectiva “El láser como medio para la experimentación de la gráfica”

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Categoría: Cultura y Espectaculos Creado: 16 Abril 2018 Visto: 2449

lase La exposición colectiva “El láser como medio para la experimentación de la gráfica”, se exhibe en a partir del 11 de abril.
Melani, y Maritza estudiantes de la escuela secundaria técnica número 1, de la ciudad de Tlaxcala opinaron de la muestra: Me llamó la atención el trabajo que muestran que manejan una técnica de láser en acrílico, de hecho esta fue una de las que más me gustaron porque salen de lo típico como una pintura de frutas, no sé, sino que manejan más a fondo un sentimiento del artista por otras personas. Expresa mucho de lo que quiere hablar el artista sobre todo va reflejando las exposiciones que va viendo, por ejemplo la bailarina o las pinturas que sobre salen, expresa el amor al arte y el talento y la disciplina que tiene que reflejar eso mismo.
La muestra es resultado de la tercera etapa del proyecto de investigación “Tecnología de la gráfica no tóxica”, del artista Francisco Plancarte, con la participación de artistas, profesores y alumnos de la Facultad de Artes y Diseño de la UNAM, en el marco del Programa de Apoyo a Proyectos para la Innovación y Mejoramiento de la Enseñanza, y de la Dirección General de Asuntos del Personal Académico de dicha universidad. El objetivo es incorporar tecnologías y herramientas que permitan renovar el lenguaje de los artistas al tiempo de crear con materiales menos dañinos al medio ambiente.

Charles Chaplin, actor

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Categoría: Cultura y Espectaculos Creado: 16 Abril 2018 Visto: 2591

Charles Chaplin actor La Redacción. Algarabía

Sir Charles Spencer Chaplin nació el 16 de abril de 1889 en Londres, Inglaterra, dentro de una familia ligada al espectáculo. A una corta edad ya estaba dentro del mundo de la actuación y había ido de gira con la compañía de teatro music hall de Fred Karno.

Music hall es un tipo de espectáculo británico que incorporaba comedia, baile y música popular que estuvo de moda de 1850 a 1960, hasta que decayó frente a la televisión y otras expresiones artísticas y musicales.

A los 25 años debutó en la película Ganándose el pan con su personaje cómico Charlot, un vagabundo que intenta parecer elegante a pesar de su realidad social. Durante 1914 actuó en 35 cortometrajes y a partir de 1915 comenzó también a dirigir, producir y a componer la música para sus películas. Las cintas que lo llevaron al éxito fueron La quimera del oro (1925), Luces de la ciudad (1931), Tiempos modernos (1935) y El gran dictador (1940).

Charlot se volvió un ícono del cine mudo y el humor, lo cual le dio fama mundial a Chaplin e incluso se convirtió en uno de los hombres más conocidos del espectáculo para fines de la Primera Guerra Mundial.

Chaplin recibió múltiples reconocimientos y nominaciones, tales como el Oscar Honorífico en 1928 y 1972, candidato al premio Nobel de la Paz en 1948, distinguido con la Orden del Imperio Británico en 19755 y colocaron una estrella con su nombre en el Paseo de la Fama de Hollywood en 1970.

En 1952, luego de una serie de problemas políticos que lo involucraban con el comunismo y con la realización de actividades antiestadounidenses, debió exiliarse en Suiza, donde pasó el resto de su vida. Si bien la cantidad de producciones que realizaba para aquella época había disminuido, filmó Un rey en Nueva York y La condesa de Hong Kong, sus últimos trabajos más sobresalientes.

Chaplin estuvo en pareja en cuatro oportunidades –con Mildred Harris, Lita Grey, Paulette Goddard y Oona O’Neill–, y se le atribuyeron noviazgos con otras ocho actrices de su época. Tres de sus hijos, Josephine, Sydney y Geraldine, también se dedicaron al espectáculo.

Charles Chaplin murió en Vevey, Suiza el 25 de diciembre de 1977, habiéndose consagrado como actor, cómico, compositor, productor, guionista, director y escritor.

Apodos:

Charlie Chaplin
Carlos Chaplin
Carlitos Chaplin
Charlot

Pedro Infante, cada día canta mejor

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Categoría: Cultura y Espectaculos Creado: 16 Abril 2018 Visto: 3036

s29 quienfue 3pedroo Pedro Infante, un gran actor y cantante que se ganó el corazón del pueblo, no sólo en México, también en el mundo.

«Tratar de explicar, a estas alturas, el fenómeno de Pedro Infante es empresa inútil» —dice alguno de sus biógrafos. Y tratar de contar su vida en estas escasas páginas también lo es; por esa razón, ésta no es una biografía, sino más bien un mosaico hecho de recuerdos, imágenes, datos y, sobre todo, de fibras de un corazón que no olvida a El Ídolo —así, con mayúsculas.

El primer recuerdo que me llega de él es cuando caminaba de mi casa a la suya para verlo en la calle de Enrique Rébsamen —vivía en la colonia Del Valle, a media cuadra de la casa de Sara García, a dos de la de Joaquín Pardavé y a unos metros de la de Silverio Pérez— con mis hermanas y mis amigas Thelma y Yara del Río, en mi adolescencia.

Ya sabíamos a qué hora llegaba vestido de motociclista —estaba filmando a.t.m. A toda máquina (1951) con Luis Aguilar— para cambiarse e irse a la radio a grabar la radionovela de Martín Corona. Me acuerdo perfectamente de que un día de ésos estaba Pedro con su hermano Pepe, y éste le dijo:

—Pedro, las niñas te tienen miedo.

Y él, muy amigable, se acercó a nosotras para decirnos:

—No me tengan miedo— en un tono muy amoroso.

También me acuerdo de que Thelma y su prima, quien vivía en Pestalozzi —es decir, en la calle de atrás—, se asomaban y le gritaban: «¡Pedro, te amo!», y le mandaban besos mientras él hacía pesas —algo extraordinario en esa época, en la que nadie iba al gimnasio— y él les respondía lanzándoles besos desde los aparatos.

Pero yo de Pedro Infante me acuerdo todos los días, porque tengo todas sus películas, que veo y vuelvo a ver; me sé de memoria sus diálogos, tengo muchos libros que hablan de él y, además, todos sus discos. Por eso cuando me pidieron que hiciera un artículo para Algarabía, no supe ni por dónde empezar. Lo único que logré fue reunir pequeños fragmentos y frases que explican por qué fue único, inolvidable e inigualable.

«Trompudas, si me muero, ¿quién las besa?»

Pedro Infante era dicharachero, bromista, simpático, mujeriego y carismático como no ha habido nadie más. Su humor se refleja en las frases que le salían espontáneas, como gritito, antes de todas sus canciones; en las frases de las películas y en lo que cuentan sus compañeros de trabajo acerca de cómo era, las bromas que hacía, cómo se reía.

Como cantante era tan bueno, que el compositor Manuel Esperón decía que él «nunca desafinaba», y los dueños de Peerless —sello discográfico con el que grabaría 330 canciones, la mayoría, conocidas y exitosas, aún se cantan— le decían «San Pedrito» porque hasta la fecha sigue vendiendo, y mucho.

«Yo soy quien soy y no me parezco a naiden, / me cuadra el campo y el silbido de sus aigres...»

Sus canciones son inolvidables. Pedro llevaría a la fama las primeras composiciones de José Alfredo Jiménez, como «Paloma querida», «Ella», «Cuatro caminos», «La que se fue» y «Corazón». Pero su versatilidad era impactante, ya que cantó valses mexicanos como «Viva mi desgracia», «Rosalía» y «Alejandra»; también corridos y canciones tradicionales como «El siete leguas», «El muchacho alegre» y «Los gavilanes», de la cual hizo una película en 1954.

Cantó también muchos boleros rancheros, como «Cien años», que le canta a Elsa Aguirre en Cuidado con el amor (1954); «Grito prisionero», que le canta a Miroslava en Escuela de vagabundos (1954); «El muñeco de cuerda», que le canta a Rosita Quintana en El mil amores (1954) e «Historia de un amor», un clásico que luego han cantado muchos más.

También interpretaría otros boleros como «Te quiero así», «Enamorada» —que le canta a Alma Delia Fuentes en a.t.m. A toda máquina— y «No me platiques más», de Vicente Garrido. Y obviamente pondría su sello en la canción pícara y festiva, como «Conejo Blas» de Cri-Cri, que canta para «la Tucita»; «El desinfle», que le canta a Carmen Sevilla, en Gitana tenías que ser (1953); «Nana Pancha» que interpreta para Lolita Camarillo en Escuela de vagabundos, en la que también canta «Adiós Lucrecia», y hasta las de Chava Flores como «La Tertulia» y «Carta a Eufemia».

«El corazón a tu edad es como una esponja: si lo aprietas, se te sale.»

Sus papeles fueron de lo más disímbolo: desde su papel de patriota en Mexicanos al grito de guerra (1943), que es la historia del Himno Nacional, hasta el del hijo subyugado de Fernando Soler —con el que  temía trabajar, ya que lo consideraba el más grande actor— en La oveja negra (1949), que le generó grandes elogios. Hizo de rico y de pobre carpintero; de galán y de sacerdote; de ranchero, de norteño, de charro, de marido comprensivo en Angelitos negros (1948); de elegante hombre de negocios, de ladrón profesional, de mecánico popular, de profesor ñoño... en fin, su calidad histriónica no daba lugar a dudas.

«Que me las traigan, porque si voy por ellas me quedo, verdá de Dios.»

Su imagen más recordada es de macho y pícaro de buen corazón; seductor sinvergüenza, pero tierno con las mujeres; carismático y gran amigo del mezcal: ése fue el sello de la mayoría de los personajes que, a partir de entonces, lo convertirían en una referencia obligada del estereotipo del mexicano. Sin embargo, también interpretó otro tipo de personajes que descubrieron  su versatilidad y capacidad histriónica: una imagen más solemne en El seminarista (1949); un personaje histórico, como Juventino Rosas en Sobre las olas (1950); o Tizoc, un indio que da la vida por amor, el cual le valdría un Oso de Oro de Berlín.

«Llegó el desinfle que te esperaba, ya no te quiero, verdad de Dios, ya me hacen circo tus monerías y me endemonia escuchar tu voz.»

Quien no las haya visto, no deje de verlo en Viva mi desgracia (1943) transformarse en Mr. Hyde después de una bebida, o verlo presumir su bata «china, china, china», imitar a Frank Sinatra y tragar como descosido —incluyendo su Pedro Chávez Special Punch en a.t.m. A toda máquina—, y pongan atención en la carta que le hace a Marga López en Los tres García, para que se case con él y ganarle a sus primos: «Si te casas, ¿sí? O sí ¡sí!» Y fíjense en los zapatitos de Sara Montiel en Necesito dinero (1951), que él veía desde el sótano de su taller y de los que se enamoró.

«Dispénsame la mala ortografía, pero es que tengo la mano lastimada.»

Durante su carrera Pedro hizo 54 películas, la mayoría simpáticas y entretenidas, al punto de que las nuevas generaciones las siguen viendo y forman parte ya de la idiosincrasia mexicana. Empezó como extra en la película En un burro, tres baturros (1939) con Carlos Orellana, donde yo nunca lo he podido identificar y en donde tendría  22 años, y terminó con Escuela de rateros (1956), su última película, con Rosita Arenas, a los 39 años. Pero, ¿quién puede olvidar su papel de Lorenzo, el tamaulipeco bronco y ateo, y sus dos hermanos el cura y el militar, en Los tres huastecos (1948)?; ¿quién puede olvidarlo exclamando: «¡...Áaalgame!» cada vez que se le atravesaba una mujer en Dicen que soy mujeriego (1948)?

«Si te vienen a contar cositas malas de mí, / manda a todos a volar y diles que yo no fui...»

¿Quién no se acuerda de la borrachera que se pone como mecánico humilde con la «niña bien» —Silvia Pinal—, cantando rondas infantiles en El inocente (1955)? ¿O quién no olvida sus pleitos con Luis Macías en a.t.m. A toda máquina o su papel de salvaje gritando «¡Viejo buey!» en La tercera palabra (1955), o haciéndola de regiomontano en Pablo y Carolina (1955) con Irasema Dillian? ¿O cómo no recordar aquella escena en la que Pepe «El Toro» le canta «Amorcito corazón» a su «Chorreada»? ¿O el enfrentamiento de coplas que sostienen Jorge Bueno —Jorge Negrete— y Pedro Malo en Dos tipos de cuidado (1953)? O bien, ¿quién no reconoce el acento de Pepe «El Toro» o su voz gritando «¡Torito!» cuando sostiene el cuerpo de su hijito que murió en un incendio?

Español, lengua más feliz

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Categoría: Cultura y Espectaculos Creado: 16 Abril 2018 Visto: 2478

lenguaje lenguafeliz hero La Redacción. Algarabía
De acuerdo con un estudio del Centro de Sistemas Complejos de la Universidad de Vermont, el español de México es el idioma más feliz del mundo.

Si consideramos que el lenguaje es reflejo de la sociedad, cualquiera pensaría que con todas las malas noticias que recibimos a diario, no sólo en México, sino en todo el mundo, las palabras que usamos y el lenguaje en general se inclinarían hacia lo negativo. Sin embargo, estudios recientes confirman que el ser humano tiende a buscar el lado positivo a las cosas, incluso cuando se comunica.

En 1969 los psicólogos Jerry Boucher y Charles Osgood postularon la hipótesis Pollyanna, que señala una tendencia universal positiva en la comunicación humana, es decir, que entre toda la variedad de palabras que usamos elegimos las positivas por encima de las negativas. Entre otras cosas, los psicólogos argumentan que el ser humano tiende a buscar el lado bueno de la vida, habla de ello y lo refleja en el lenguaje. Hay quienes han atacado esta teoría, quienes la han defendido y otros que han preferido ponerla a prueba.

Recientemente, Peter Dodds, director del Centro de Sistemas Complejos de la Universidad de Vermont, y su equipo, realizaron un estudio a más de 100 mil palabras tomadas de diez idiomas: español, inglés, francés, alemán, portugués brasileño, coreano, chino, ruso, indonesio, y arábigo. Fueron 10 mil palabras de cada idioma que, a su vez, se dividieron en 24 córpora según sus fuentes.

Tras la selección de conjuntos se le pagó a un grupo de 50 hablantes nativos de cada lengua para calificar las palabras que más se repiten en una escala del 1 al 9, considerando 1 lo más negativo o triste, 5 lo neutral y 9 lo más positivo o feliz. El resultado confirmó la hipótesis Pollyanna y mostró una tendencia positiva universal en el lenguaje, de la que ¡el español de México obtuvo los resultados más altos!

Con las palabras obtenidas de este estudio se desarrolló el «hedonómetro»; un software para medir la positividad o negatividad de algunas obras. Los investigadores hicieron una selección de novelas entre las que se encuentran Don Quijote, Anna Karenina, El conde de Montecristo y la saga completa de Harry Potter. Tomaron 20 minutos de lectura de cada una y los resultados arrojaron que obras como Moby Dick son de las «más felices», Crimen y castigo está en la media y El Conde de Montecristo es de las «menos felices».

Para algunos lingüistas y psicólogos este estudio abre un nuevo campo de posibilidades de análisis de la conducta humana por medio del lenguaje; sin embargo, para otros aún quedan dudas al respecto y consideran que esta investigación tiene una falla de origen. Se trata de lo que los especialistas llaman sesgo de aquiescencia: una tendencia del ser humano
a puntuar alto en las encuestas. Quizá lo que se está considerando como una tendencia universal en realidad sea un sesgo experimental con «buenas intenciones».

Claridad al Muralismo

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Categoría: Cultura y Espectaculos Creado: 16 Abril 2018 Visto: 3149

muraicmlmo El catalán analiza la Escuela Mexicana de Pintura para cuestionar los principales clichés que acompañan a la obra de Rivera, Siqueiros y Orozco
EFE. Excélsior
El mural El hombre controlador del universo, que Diego Rivera pintó en el Palacio de Bellas Artes, es la segunda versión de la obra Man at the Crossroads, que hizo en el Centro Rockefeller y fue destruido. Foto: Especial
El mural El hombre controlador del universo, que Diego Rivera pintó en el Palacio de Bellas Artes, es la segunda versión de la obra Man at the Crossroads, que hizo en el Centro Rockefeller y fue destruido. Foto: Especial

CIUDAD DE MÉXICO.

El filósofo Eduardo Subirats (Barcelona, 1947) rompe con los mitos del muralismo mexicano. Ajeno a “la máquina académica”, la industrial editorial y la museografía construida en las capitales del arte –Nueva York y Berlín–, coloca al movimiento posrevolucionario, y a sus tres principales representantes, en una vía abierta a una reflexión pública con origen en América Latina.

Desmiente la Ruptura como concepto, y lo enclava en un manifiesto vacío. Quita a Diego Rivera, David Alfaro Siqueiros y José Clemente Orozco el velo comunista y revolucionario que los ha cubierto desde los años 20. Señala al sistema imperialista de Estados Unidos como el principal inquisidor de la pintura mural. Indica que si hubo una Ruptura, ésta inició con la censura a la obra Man at the Crossroads que Rivera hizo en el Centro Rockefeller en 1933.

Se trata de una visión independiente sobre la historia del arte de América Latina, que el profesor de la Universidad de Nueva York plantea en su más reciente libro El muralismo mexicano. Mito y esclarecimiento (FCE). Un compendio de ensayos en los que el autor de más de 40 títulos reflexiona sobre la estética de la segunda mitad del siglo XX tomando distancia de la visión “miope” del academicismo imperialista.

Subirats sostiene que la obra de David Alfaro Siqueiros fue mucho más influyente de lo que se conoce sobre el expresionismo abstracto estadunidense y concretamente en la obra de Jackson Pollock.

Inicia el ensayo introductorio del libro con la siguiente idea: “La historia de la música y la literatura, y la historia de las artes visuales latinoamericanas del siglo XX están todavía por escribirse”. ¿Desde qué perspectiva debe escribirse esta nueva historia?

El problema no es la perspectiva, no es el punto de vista, no es el método. El problema reside en construir una visión de la fragmentada realidad latinoamericana. La política cultural dominante es el microanálisis, es la mirada miope y fragmentaria, es una mirada sin visión, encerrada en los cubículos académicos, en sus campos acotados de investigación y en sus discursos predefinidos. Pero la necesidad de replantear, de repensar y de recrear la historia de la música, de la poesía, la arquitectura o la pintura latinoamericanas es también un problema de fronteras políticas. Si alguien quiere estudiar la cultura moderna de Brasil tiene que empezar por el departamento de literatura, en la que ya no se analizan obras literarias, sino se hace una especie de sociología diletante. Luego tendrá que ir al departamento de cine, donde hay algunos microhistoriadores distinguidos. A continuación, tendrá que subirse al departamento de arte y así sucesivamente. El resultado es una cultura completamente pervertida y una universidad desprovista de la menor energía intelectual. Por todo eso y mucho más comienzo ese ensayo con semejante declaración: la historia de América Latina está todavía por escribirse.

En la escena actual del arte mexicano tan activa, ¿por qué mirar hacia el muralismo?, ¿qué falta o es necesario conocer de esta etapa de la historia del arte?

En el arte mexicano de nuestros días hay una figura que descuella y que tampoco puede ignorarse: Francisco Toledo. Uno de los motivos iconográficos que Toledo plantea es la destrucción de las memorias culturales mexicanas. Lo hace en obras de gran formato, y de expresivas texturas y colores terrosos. En esas texturas parece que incrusta las huellas de este pasado: insectos, restos cerámicos, fragmentos de esculturas, signos. Esta conciencia de la destrucción en una sociedad postcolonial como la mexicana constituye un aspecto esencial de la conciencia moderna, guste o no guste a los curadores de los museos de Nueva York o Berlín, y a sus estéticas formalistas. La memoria histórica y la memoria artística sirven para establecer vínculos y reconstruir continuidades, allí donde la burocracia académica y museográfica impone barreras ficticias, dicta rupturas y establece prohibiciones arbitrarias.

Otra idea central es que: “Nadie ha puesto de manifiesto consistentemente los vínculos entre el pensamiento artístico del muralismo mexicano, y sus jóvenes pupilos norteamericanos lanzados bajo el postulado del abstract art”. ¿Cuáles son estas conexiones?

La crítica Irene Herner ha escrito una obra magnifica sobre Siqueiros, y en ella, entre muchas otras cosas, demuestra fehacientemente que las técnicas, las formas, el uso de los materiales e incluso la nomenclatura de Jackson Pollock, todo ello había sido creado y desarrollado con muchísima mayor amplitud de miras por Siqueiros, en cuyo taller de Nueva York se formó el joven Pollock. Con una notable diferencia: mientras la obra y la vida de Siqueiros destaca por sus mil rostros y sus constantes indagaciones formales y de contenido, Pollock se quedó en la indefinida repetición industrial de la técnica del pouring (técnica y concepto creados por Siqueiros). La crítica de arte estadunidense, que ha sido y es tan proteccionista como su neoliberalismo económico, omite sistemáticamente este vínculo, y muchos críticos mexicanos han seguido su nefasto ejemplo como obedientes subalternos.

Hace énfasis en la persecución política del muralismo mexicano por parte de Estados Unidos, ¿cuál fue el origen de esta persecución?, ¿es lo que se conoce como la Ruptura?

La verdadera “ruptura” comienza con la destrucción del mural de Rivera Man at the Cross-roads realizado en el Rockefeller Center. Fue un acto de verdadera barbarie, que solo puede compararse con la quema de millares de libros aztecas por los misioneros coloniales españoles. Y no lo digo yo. No es solamente mi opinión privada. Lo dijo en su día nada menos que The New York Times, que puso la noticia de ese acto vandálico de la familia Rockefeller en una columna contigua a la noticia del auto de fe de miles de libros de autores “judíos” y “comunistas” por las hordas hi-
tlerianas en Berlín el mismo día, 10 de mayo de 1933. Pero también el mural de la Hermandad Universal que Orozco pinto en la New School chocó con la intolerancia calvinista de los millonarios neoyorquinos. Y la policía también la emprendió a culatazos en el taller de Siqueiros, destruyendo obras suyas y de sus estudiantes. Muchos mexicanos, Octavio Paz entre ellos, han considerado que todo eso es legítimo porque lo hacia la nación más poderosa del universo bajo la bandera del imperialismo, y porque al fin y al cabo no eran más que obras comunistas, propagandistas y totalitarias.

En este contexto, ¿cuál fue la lucha de los muralistas mexicanos respecto a la posición del arte abstracto?, ¿cuál fue su respuesta a la persecución de Estados Unidos?

El concepto de abstract art, en su definición protocolaria de Alfred Barr
o Clement Greenberg, es falaz. Los empastes de Rembrandt son abstractos, la composición de la Gioconda es abstracta, los cielos románticos de Caspar David Friedrich son abstractos, la escultura de Michelangelo es abstracta. La abstracción es el camino necesario para poder penetrar más intensamente y más expresivamente la realidad. Por eso Orozco y Siqueiros son abstractos. Rivera y Siqueiros ya sabían alrededor de 1920, cuando abandonaron el cubismo y Paris, que la “abstracción”, es decir, el formalismo cubista, o sea, los lenguajes automáticos de la modernidad, estaban destinada a poner fin al arte. Y la historia les ha dado la razón. Hoy ya es chic en los medios académicos más ignorantes hablar del post-art y del post-post.

¿Cuál fue la reacción de México y Latinoamérica –sus intelectuales y artistas– respecto a la persecución del muralismo?

El caso de Octavio Paz me parece digno de mención: es el responsable de la disminución y menoscabo del muralismo con argumentos espurios, y de paso, de ningunear la obra de Toledo. Al otro lado de este desprecio ignominioso, tenemos una defensa tan noble y elegante, y tan ejemplarmente rigurosa como la de Irene Herner.

La calle de los pajareros

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Categoría: Cultura y Espectaculos Creado: 16 Abril 2018 Visto: 2720

pajareoss Dibujos de Alberto Beltrán
Elena Poniatowska
Foto
En el barrio que llaman de la Curva o de la Bolsa está la quinta calle de Carpintería, la de los pajareros. Arriba, ilustraciones de Alberto Beltrán
-A
la gente de aquí le gustan mucho los pájaros... Mire, aquí tengo 200 jilgueros para mandarlos a Zamora. En esta calle somos cuatro familias que hemos vivido aquí desde hace 35 años. A mí, mis padres me enseñaron a curar, a atender a estos animalitos, porque, oiga usted, son retedelicaditos, y si no los cuida uno, ¿pues quién?

Mientras Alberto Beltrán dibuja, el vendedor le aconseja:

–Mire, éste píntelo de colores... No nomás con lápiz... Mire, tiene el arcoiris en el pico, azul, verde, rojo, lila, rosa... No hay que confundir los tucanes con los pico de canoa.

Mucha gente se acerca a ver qué trazos hace el artista en su libreta. Dibuja de pie, con prisa, sin dejarse intimidar:

–¡Mire qué bien le salió!

Entre las calles de Pintores y de Peluqueros, por el barrio que llaman de la Curva o de la Bolsa, está la quinta calle de Carpintería, la calle de los pajareros, donde miles de aves se asolean en sus jaulitas de madera y alambre.

Los cantos de los jilgueros, los clarines, los canarios salen de las jaulas y son tan fuertes que llenan toda la calle. Aquí llegan pájaros de toda la República: tucanes de Tabasco o de la Sierra de Veracruz, pericos verdes de la Huasteca, periquitos azules de Australia que vienen de la costa, calandrias, gorriones proletarios y el cenzontle, que en náhuatl quiere decir 400 cantos.

Desde Cuautla vino una señora a comprar:

–Quiero unos periquitos; unos machitos azules y unas hembras verdecitas.

Don Chucho, el pajarero, la atiende. Una vez que se ha ido comenta: ¡Ah, qué las mujeres! En el mercado son las muchachas las que preguntan con mucha malicia cómo se distinguen las hembritas de los machitos. Cuando están tiernitos los separamos en una jaula y les soplamos en la pancita para ver si son mujer o hombre.

Don Chucho atiende a los pájaros con una constancia paternal. Cambia el agua de las jaulas, pone alpiste en unas diminutas cazuelas y, en otras, plátano con mosco y huevo remolido. Y es que hay pájaros de plátano –que son pájaros de fruta y cantan muy bonito– y pájaros de ornato, que son pájaros de alpiste y no cantan, con excepción del canario.

El trabajo del gremio o del sindicato de pajareros está dividido entre los capturadores, los criadores y los vendedores. Los criadores se encargan de cuidarlos y fijarse cuáles cantan más fuerte para ponerlos en jaulas separadas. Los barrotes de esas jaulas privilegiadas se forran de franela para que el pájaro no lastime sus patitas. Algunas de las personas que van a comprarse un pájaro esperan un gran rato para oír al pájaro y escoger al que cante mejor. Si no canta lo pueden devolver a los ocho días y cambiarlo por otro.

Los revendedores ambulantes, los pajareros que recorren las calles con su bosque de cantos en la espalda, enciman las jaulas como rascacielos de aleteos y de picos. Las jaulas son livianas y el oficio de pajarero es frágil. A su paso, al oír los chiflidos y los trinos, salen los chiquillos, los viejitos y las viejitas, maestros de paciencia para enseñar a los pajaritos, tarareándoles, una y otra vez, la tonada que han de chiflar.

–A ver este colibrí...

–¿Y este cardenal?

El pajarero descuelga la jaula.

–¡Mejor el canario!

Y el canario se queda en la casa –rayito de luz, blando calor de plumas– en la jaula colgada de un clavo, sobre los macetones del corredor, para que le dé el solecito.

Hace años tuve canarios que hacían mi felicidad y sacaba al aire y al sol de la calle, pero en Chimalistac los gatos saben abrir jaulas con su pata derecha y comérselos antes de que puedan decir pío.

Exposición Alebrijes

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Categoría: Cultura y Espectaculos Creado: 11 Abril 2018 Visto: 2567

Los alumnos Casa del Artista y David Zamora Rodríguez, diseñador gráfico y responsable del proyecto de cartonería y alebrijes, invitan al público en general a la exposición que se inaugurará en la galería de dicho espacio el próximo 13 de abril. Obras realizadas por jóvenes de San Francisco Tetlanohcan.
Este proyecto consistió de dotar a los estudiantes del cbeta y de la secundaria técnica de este municipio de los conocimientos de arte aplicados a la cartonería y al diseño de alebrijes. El taller fue impartido por el maestro José Raúl Saldaña quien integró lo que es el dibujo, modelado, la pintura, escultura para que generara en los alumnos estos trabajos, alumnos participantes exhibirán 25 piezas.
Los resultados fueron bastante satisfactorios por lo mismo vamos a exponerlos en la Casa del Artista, vamos a traer tanto productos de cartonería, como catrinas, alebrijes y algunos otros objetos hechos a partir de papel reciclable, los chicos se encargaron de recolectar todo el material y nosotros de alambre, pintura, pinceles de arte.
La cita es en calle Lardizábal número 14, Tlaxcala centro a las 18 horas del viernes 13 de abril y durante un mes los visitantes podrán conocer el trabajo de los jóvenes de Tetlanohcan

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