Cultura y Espectaculos

Enrique Vela. Arqueología Mexicana

En el paisaje arqueológico de México, las pirámides constituyen el elemento más llamativo. De tal manera que para la mayoría el término “pirámides” se asocia, en primera instancia, al total del conjunto de vestigios relacionados con las culturas prehispánicas, aunque también se le utiliza para referirse en específico a aquellas construcciones que a la sola vista se perciben especiales.

De hecho, varios de los nombres que ahora reciben muchas de las estructuras principales van acompañados por el calificativo de pirámide, por ejemplo: la Pirámide del Sol y la Pirámide de la Luna en Teotihuacan, estado de México, o la Pirámide de los Nichos en Tajín, Veracruz, sin duda monumentos emblemáticos de la época prehispánica.

Esas grandes construcciones representaban para las sociedades prehispánicas sus obras de mayor calado y significado. Hoy en día son elementos icónicos no sólo por su atributos estéticos, sino por lo que convocan sobre sus constructores: sociedades con complejos rituales, con organizaciones capaces de mandatar su construcción y con eficientes técnicas para lograrla. En la medida en que eran edificios cargados de simbolismo, que constituían elementos indispensables en el desarrollo de la vida ritual, no es extraño encontrar representaciones de ellas en la iconografía prehispánica. Se les plasmó lo mismo en grabados y pintura mural que en maquetas, muy probablemente para recrear a otra escala los ritos que se efectuaban en las pirámides, con la misma intención que debieron tener las representaciones de templos en los patios de algunas estructuras teotihuacanas.

En los códices prehispánicos también se encuentran representaciones de esos grandes templos, las cuales permiten percatarse de la complejidad de su decoración. Debe tomarse en cuenta que esas grandes construcciones que ahora estamos habituados a ver en la simple monocromía de la piedra, estuvieron en su momento totalmente pintadas en vivos colores y con una multitud de motivos de hondo significado. En varios documentos posteriores a la conquista aparecen asimismo representaciones de esos edificios que si bien muestran ya la influencia europea sobre la mano indígena que los elaboró, reflejan adecuadamente sus características. Durante la Colonia y a lo largo del siglo XIX, las pirámides llamaron la atención de los viajeros y estudiosos, quienes elaboraron representaciones, las más de las veces idealizadas. Con la profesionalización de la arqueología y la exploración de un buen número de esas estructuras, las representaciones tendieron a ser cada vez más fieles y hoy en día se cuenta con registros detallados que dan cuenta de cada elemento constructivo y decorativo.
En el México moderno persiste la presencia de las pirámides, no sólo como edificios que pueden admirarse en las zonas arqueológicas abiertas al público sino como elemento distintivo recurrente en nuestra numismática; también han sido fuente de inspiración para artistas como Diego Rivera y en varias construcciones es palpable la intención de los arqui-tectos de tomarlas como modelo.

Vela, Enrique, “Las pirámides de México. Visual”, Arqueología Mexicana núm. 101, pp. 40-51.
Texto completo en la edición impresa. Si desea adquirir un ejemplar: http://raices.com.mx/tienda/revistas-las-piramides-de-mexico-AM101

Se cumplen hoy 15 años de la muerte del ensayista, narrador y poeta, autor de influyentes obras de la literatura mexicana como Varia invención y Bestiario
RAFAEL MIRANDA BELLO. EXCÉLSIOR

Creyente apa­sionado de las posibilidades artesanales del lenguaje, Juan José Arreola practicó la esgri­ma del verbo espontáneo, y fue tan diestro en el malaba­rismo de la palabra improvi­sada como espléndido en la invención de asombros litera­rios. Fabulador de obra redu­cida, pero prodigiosa, Borges cifró su labor narrativa –en el volumen de los Cuentos fan­tásticos del escritor que murió en Guadalajara, Jalisco, el 3 de diciembre de 2001, incluido en la Biblioteca Personal del autor argentino— bajo el sig­no de la libertad: “Libertad de una ilimitada imaginación, re­gida por una lúcida inteligen­cia”. Mientras que en el libro titulado Poesía en movimien­to, Paz definió algunos de sus cuentos como “verdaderos poemas en prosa”, que no ca­recían de “fantasía, humor, y el elemento poético por exce­lencia, el elemento explosivo: lo inesperado (...) La corrien­te que transmiten esas trans­parentes paradojas es de alto voltaje”, afirmó el Nobel de Literatura. Y Cortázar, en una carta de 1954, luego de elogiar la puntería literaria de Arreola, a quien consideraba ante todo un poeta —“usted no puede ver las cosas más que con los ojos del poeta”, afirmaba–, y asombrado con la capacidad fulminante de sus narracio­nes breves, escribió: “Usted es una hormiga león, si son las hormigas león las que hacen un embudo en la arena para que sus víctimas resbalen al fondo. Cuatro palabras y zás, adentro. Pero vale la pena ser comido por usted”.

APEGO A LAS LETRAS

Originario de Zapotlán el Grande, Jalisco, Arreola nació el 21 de septiembre de 1918. En el texto De memoria y olvi­do —bisagra biográfica de las singulares ficciones que pue­blan el Confabulario (1952)—, hace una evocación del co­mienzo de su vida entre ani­males de rancho, y cuenta: “Di los primeros pasos seguido precisamente por un borre­go negro que se salió del co­rral. Tal es el antecedente de la angustia duradera que da co­lor a mi vida, que concreta en mí el aura neurótica que en­vuelve a toda la familia y que por fortuna o desgracia no ha llegado a resolverse nunca en la epilepsia o la locura. Toda­vía este mal borrego negro me persigue y siento que mis pasos tiemblan como los del troglodita perseguido por una bestia mitológica”.

A consecuencia de la Gue­rra Cristera —que alborotó los prejuicios religiosos de su fa­milia y lo mantuvo alejado de las aulas escolares—, creció alimentando su apego natu­ral por la letras, y muy pronto leyó a Dante, a Baudelaire, a Whitman, y encontró un cos­mos de influencia estilística en las obras de Papini y Mar­cel Schwob. En la década de los treinta fue aprendiz de en­cuadernador, y mientras tra­bajaba como dependiente en diferentes tiendas de Guada­lajara, vertió sus primeros es­fuerzos literarios en pedazos de papel de envoltura. Por esos años también comenzó a actuar, y en 1945 viajó a Pa­rís para hacer estudios de arte dramático, auspiciado por el actor Louis Jouvet, e incluso llegó a presentarse en el esce­nario de la Comedia Francesa.

A su regreso a México, tra­bajó en el Fondo de Cultura Económica haciéndose pasar por filólogo y gramático, y se desempeñó como traductor, redactor y corrector. Su ofi­cio narrativo echó raíces con la publicación del libro Varia invención (1949), y años des­pués, Cortázar escribió en la carta ya citada: “Me parece que lo mejor de Confabulario y de Varia invención nace de que usted posee lo que Rim­baud llamaba ‘le lieu et la for­mule’, la manera de agarrar al toro por los cuernos y no, ay, por la cola como tantos otros que fatigan las imprentas de este mundo. Y por eso acabo de leer sus cuentos —y releer los que más me gustan, y des­pués superleerlos, que consis­te en leerlos en el recuerdo—, y estoy contento”.

EN SU TINTA

Además de ser un ajedrecista empedernido —que siempre prefirió afrontar cualquier de­safío en la infinitud bélica de los escaques, antes que en­zarzarse en una partida solita­ria en el tablero insondable de la página en blanco—, Arreo­la ensayó jugadas relevantes en el frente editorial. En Gua­dalajara fundó la revista Eos —en la que publicó el cuen­to Hizo el bien mientras vivió (1943)—, y más tarde, junto a Rulfo y Antonio Alatorre, dio a la imprenta otra que se lla­mó Pan. En la Ciudad de Mé­xico, a partir de 1950, dirigió la editorial Los presentes, en la cual llegó a publicar un par de series que ejercieron un peso considerable en el panora­ma literario de la época. Entre 1958 y 1963 dedicó su aten­ción a los Libros y Cuader­nos del Unicornio, y de 1964 a 1967, impulsó Mester, una re­vista y proyecto editorial que involucraba a los integrantes de su Taller Literario.

Sólo me gustaría apun­tar, que confabulados o no, el autor y sus lectores probables sean la misma cosa. Suma y resta entre recuerdos y olvi­dos, multiplicados por cada uno”, escribió el autor de Bes­tiario (1959), que al princi­pio tuvo el título de Punta de plata, y recoge los Cantos del mal dolor y Prosodia —que con elocuencia él mismo ca­lificaba de “prosa poética y poesía prosaica”–; La feria (1963), novela coral que recrea la historia de su pueblo natal; y Palindroma (1971), una reu­nión de textos que se amplía con Variaciones sintácticas y Doxografías.

En total, algunos cientos de extraordinarias páginas que parecen pocas —y en las que se han encontrado algu­nas vetas de misoginia no del todo involuntarias—, pero en las cuales, como apuntó cer­teramente Felipe Garrido al prologar la Narrativa comple­ta de quien fue bautizado por su hijo Orso como “el último de los juglares”, sus muchas virtudes “están coronadas por el taimado arte de sacarle ventaja al lector; de adminis­trar a voluntad lo que se dice y lo que se calla; de avanzar con el paso justo y la palabra precisa. Dueño del oficio, co­nocedor profundo de los me­canismos del cuento, Arreola es un prodigio de economía, de no decir sino lo esencial”.

En una charla que man­tuvo con Fernando del Paso, incluida en el “libro hablado” Memoria y olvido, el visiona­rio que se dedicó a contar lo que aprendió las pocas horas que su boca estuvo “goberna­da por el otro”, y lo que oyó, “un solo instante a través de la zarza ardiente,” dijo: “Porque me ha sido dada la palabra me pierdo en palabras y no pue­do hallar la palabra que real­mente me defina. En el fondo no sé quien soy. Me escondo tras una muralla de palabras. Me oculto, como el calamar, en su mancha de tinta”.

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Luigi Martínez. Algarabía
Han sido la comedia, el amor, la mujer, el sarcasmo, la improvisación y las ironías de la cultura occidental el eje central de sus películas.
Han sido la comedia, el amor, la mujer, el sarcasmo, la improvisación y las ironías de la cultura occidental el eje central de sus películas.
Sin embargo, pocos saben que Allen Stewart Königsberg, el joven comediante amante al jazz, cambió su nombre en honor a Woody Herman, su clarinetista favorito; que faltó a la entrega de un Oscar para tocar con su banda ⎯en la que él toca el clarinete⎯, o que mientras concebía Manhattan, «Rhapsody in Blue» sonaba en su cabeza. La música ha llenado su vida y, por ende, su obra durante 47 años de carrera.
Ésta es nuestra selección de los temas que mejor se han mezclado con las imágenes y guiones del escritor, actor, director, productor, músico, comediante, filógino y genio; del «chico con gafas que nunca consigue a la chica, pero que es divertido y cae bien a todo el mundo»: Woody Allen.
10. Fedora, «Amor Ti Vieta», en «To Rome With Love» (2012).
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I can't unclench when there're turbulence. You know, I'm an atheist.
Se trata del tema principal de Fedora (1898), de Umberto Giordano. En la cinta, Giancarlo ⎯F. Armiliato⎯, animado por Jerry ⎯W. Allen⎯, decide por fin enfrentar a su pánico escénico para mostrar su enorme talento en público. Se presenta en vivo con la condición de cantar de la única forma en que él puede hacerlo: en la ducha. Sin duda, la más original interpretación de la obra de Giordano.

9. Sidney Bechet, «Si tu vois ma mère», en «Midnight in Paris» (2011).
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Nostalgia is denial. Denial of the painful present.
La cinta comienza con esta canción de fondo, obra de uno de los músicos —clarinetista, para ser más específicos— preferidos del director.

8. Tom Sharpsteen & His Orlandos, «Salty Bubble», en «Whatever Works» (2009).
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[...] whatever love you can get and give, whatever happiness you can filch or provide, every temporary measure of grace... whatever works.
El tema, compuesto por el cornetista Ray Ronnei, fusiona los sonidos del banjo, el piano, el trombón y el clarinete para vestir esta cinta de 2009 ⎯el sonido de la corneta, ejecutado por Ronnei, es una grabación del músico realizada en 1962.

7. Joe Goodwin, Larry Shay y Mark Fisher, «When You’re Smiling», en «Mighty Aphrodite» (1995).
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Adopt, what. I don't want to adopt. Not with my genes. I have award-winning genes.
Este tema consagró a sus creadores en la historia de la música, y fue, a su vez, popularizado por la inigualable voz de Louis Armstrong, en 1943. En la escena final de la película, un coro de griegos canta una peculiar versión del tema.

6. Johnny Green y Edward Heyman, «Out of Nowhere», en «Manhattan Murder Mystery» (1993).
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My life is passing before my eyes. The worst part about it is that I'm driving a used car.
Grabada por primera vez por Bing Crosby, en 1931, es uno de los pilares del jazz. Después sería grabada por otros grandes, como Benny Carter y el mismísimo Charlie Parker.
Larry ⎯W. Allen⎯ y Carol ⎯D. Keaton⎯ aparecen en la última escena de la película acompañados por este tema en su versión interpretada por Coleman Hawkings.

LARRY: How could you ever be jelaous of Marcia? Isn’t that ridiculous? Don’t you know that I could only love you?
CAROL: You were jealous of Ted.
LARRY: Ted? You’re kidding. Take away his elevator shoes, his fake suntan, his capped teeth, and what do you have?
CAROL: You.
5. Harry James, «I’ve Heard That Song Before», en Hannah and her Sisters (1986).
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What if there is no God and you only go around once and that's it. Well, ya know, don't you wanna be part of the experience?
La música es de Jule Styne, la letra, de Sammy Cahn. El tema fue grabado en 1942 por la orquesta de Harry James ⎯con Helen Forrest en la voz⎯, y pronto se convirtió en un éxito tanto de los rankings de pop como de r&b.

4. Alfred Astaire, «Cheek to Cheek», en «The Purple Rose of Cairo» (1985).
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I just met a wonderful new man. He's fictional but you can't have everything.
Fue escrita en 1935 por Irving Berlin para la cinta Top Hat (1936), específicamente para la escena en la que Jerry ⎯F. Astaire⎯ le canta a Ginger ⎯D. Tremont⎯ mientras bailan. Esta composición estuvo nominada en aquel año al Premio de la Academia como Mejor Tema Musical, y la grabación, hecha por la Orquesta de Leo Reisman, le valió la inclusión al Salón de la Fama en el año 2000.
Woody Allen muestra a una Cecilia ⎯M. Farrow⎯ abandonada, sola, desempleada y sin esperanza que escapa de su realidad en una sala de cine en la que proyectaban la clásica cinta de los treinta, precisamente en la icónica escena del baile.

3. Hoagy Carmichael, «Stardust», en «Stardust Memories» (1980).
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You can't control life. It doesn't wind up perfectly. Only-only art you can control. Art and masturbation. Two areas in which I am an absolute expert.
Se trata de uno de los temas más grabados durante el siglo xx. En 2004, la versión original de Carmichael fue seleccionada como uno de los 50 temas a incluir en el Registro Nacional de Grabaciones de los ee.uu. En la cinta, Sandy Bates ⎯W. Allen⎯ hace referencia a Louis Armstrong mientras suena este tema —de 1927— para enmarcar una de las secuencias más emblemáticas en la obra del director.

2. Arturo Toscanini y la NBC Symphony Orchestra, «Rhapsody in Blue», en «Manhattan» (1979).
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Chapter 1.
«He was as tough and romantic as the city he loved. Behind his black-rimmed glasses was the coiled sexual power of a jungle cat. [I love this.] New York was his town, and it always would be.»
Escrita en 1924, es una obra de George Gershwin con tintes de música clásica y jazz. Es el tema que suena de fondo mientras Isaac Davis ⎯W. Allen⎯ presenta a la ciudad de Nueva York en la escena inicial de la cinta.

1. Isham Johns, «It had to be you», en «Annie Hall» (1977).
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[...] you should be thankful that you're miserable, because that's very lucky, to be miserable.
Con música de Isham Jones y letra de Gus Kahn, este tema había aparecido ya en las pantallas, interpretado por Ruth Etting en Melody in May (1936), Priscila Lane en The Roaring Twenties (1939), y Danny Thomas en I’ll See you in my Dreams (1951).
Es la más peculiar interpretación, sin duda, la de Annie Hall ⎯D. Keaton⎯, quien canta el tema en un bar, en su primera cita con Alvy Singer: «Whatever Works»... @luigiwich.
Referencias:
⎯Adam Harvey, The Soundtracks of Woody Allen, 2007.
⎯IMDb

MÉXICO DESCONOCIDO
La fabricación de esferas de Navidad, en cuanto a adornos de la temporada se refiere, es la especialidad en Chignahuapan y Tlalpujahua. ¡Descubre cómo llegar y llévate las más bellas a casa!
La esfera es uno de los elementos que nunca faltan en la decoración navideña mexicana. Son dos los poblados pioneros en la producción de esta artesanía: los Pueblos Mágicos de Tlalpujahua, en Michoacán, y Chignahuapan, en Puebla.

En México, las esferas son elaboradas con la técnica del vidrio soplado y es considerada una pieza de arte popular, más que un simple adorno de decoración en Navidad, por el empeño y creatividad que aplican los fabricantes. Además de la herencia que ha traspasado este arte de generación en generación y que lo ha enriquecido tanto en técnica como en creatividad, ya que es posible encontrar tantos tipos y diseños de esferas como la imaginación lo permita.

Tlalpujahua, manos maestras

El bello pueblo de Tlalpujahua fue fundado en el siglo XVI. De acuerdo con algunas tradiciones, es desde el año 1558 que se han explotado los metales preciosos de esta región. Sin embargo, tras la decadencia de la minería en los años treinta del siglo XX, Tlalpujahua estaba lista para convertirse en pueblo fantasma. Pero tres décadas más tarde una nueva industria la devolvió al camino de la prosperidad: lafabricación de esferas navideñas. Hoy, gran parte de la población local se gana la vida haciendo estas decoraciones, así como todo tipo de adornos para fin de año.

Aquí es común encontrarse por doquier con tiendas y talleres que se dedican a la venta de esferas. La variedad de los arreglos, adornos navideños, objetos decorativos y esferas es enorme, y suele costar la mitad o menos de lo que vale en las tiendas del resto del país. Te recomendamos revisar con calma varias tiendas para encontrar aquellas que más se adapten a tu gusto. Noviembre y diciembre son obviamente los principales meses de venta y en ellos se llevan a cabo ferias y exposiciones adicionales. Además, el invierno es la mejor temporada para hacer una visita al cercano Santuario de la Mariposa Monarca.

Si durante esta temporada quieres también ser testigo del proceso defabricación de las esferas, te recomendamos mejor ir a Tlalpujahua entre semana, ya que los productores prefieren pasar sus fines de semana vendiendo sus creaciones. Otras artesanías que se producen en esta localidad son los cuadros en popote, el arte plumario (semi extinto), las esculturas de cantera y los alambroides. ¡Pregunta por ellos!

¿Cómo llegar a Tlalpujahua?
Tlalpujahua se encuentra a 138 km al este de Morelia. Para llegar, es necesario tomar la autopista núm. 15 con rumbo a Maravatío y continuar por una carretera estatal que lleva a Tlalpujahua.
Chignahuapan, donde la esfera se hace color

Chignahuapan es un poblado de riqueza natural y cultural; famoso por sus toros de lidia, su balneario de aguas termales y sus iglesias. Ahí, el Santuario de la Inmaculada Concepción resguarda una estatua de Nuestra de Señora de Guadalupe de 12 m de altura. También son interesantes la Parroquia de Santiago Apóstol con sus bellos retablos barrocos y la Iglesia del Honguito, llamada así por la imagen de Cristo crucificado que está plasmada en un hongo petrificado

Pero una de las más coloridas tradiciones de Navidad no sólo le han dado fama en México a Chignahuapan; las esferas navideñas le han dado trascendencia internacional debido a que aquí se producen más de 60 millones de esferas al año.

En Chignahuapan hay alrededor de 100 talleres que se han creado a partir de las generosas enseñanzas de don Rafael Méndez Núñez, dueño del primer centro de esferas de Chignahuapan.
¿Cómo llegar a Chignahuapan?
Chignahuapan se encuentra a 19 km al sur de Zacatlán de las Manzanas, por la carretera núm. 119.

EFE
Excélsior
ADIS ABEBA.
La Organización de Naciones Unidas para la Educación, la Ciencia y la Cultura (Unesco) declaró hoy la charrería mexicana Patrimonio Inmaterial de la Humanidad, informaron fuentes de esta institución.
Así lo decidió el Comité intergubernamental durante su reunión anual en Adis Abeba al considerar que esta práctica tradicional es un elemento importante de la identidad y patrimonio cultural de México.
LA RUMBA TAMBIÉN ES PATRIMONIO
Asimismo, este miércoles, la Unesco declaró la rumba cubana Patrimonio Inmaterial de la Humanidad.
La delegación de Cuba dedicó este reconocimiento de la cultura y la identidad cubana a Fidel Castro, líder histórico de la Revolución fallecido el pasado viernes tras diez años apartado del poder.
El Comité, formado por representantes de 24 países firmantes de la Convención de la Unesco, decidió incluir la rumba cubana en la lista de bienes protegidos porque es un símbolo de toda la sociedad cubana y "defiende el derecho a la diversidad cultural basada en el respeto mutuo".
La rumba, que surgió en las barriadas urbanas pobres de Cuba, está vinculada a la cultura africana, pero también posee algunos elementos característicos de la cultura antillana y el flamenco español.
¡SALUD!
Por su parte, la cerveza belga también fue declarada Patrimonio Inmaterial de la Humanidad.
La Unesco acordó proteger esta tradición cultural alcohólica, que involucra a quienes producen, disfrutan y promueven la producción artesana de esta bebida.
Los expertos reunidos en la capital de Etiopía han valorado la extrema diversidad del arte cervecero en Bélgica, así como la intensidad con la que es consumida e integrada en la vida diaria y festiva de sus habitantes.
Bélgica cuenta con casi 200 fábricas de cerveza que producen 1.500 tipos distintos de esta bebida hecha con cebada fermentada, agua y lúpulo, muchas de ellas artesanales o cervezas especiales.
En este país europeo, la cerveza se somete hasta a cuatro procesos distintos de fermentación: la espontánea, empleada en la cerveza "lambic" (única en Europa); la alta o "ale"; la mixta, propia de las cervezas "tostadas"; y la "baja" o "lager", utilizada en la modalidad "pilsner".

Helsinki rechaza instalación de museo Guggenheim
La jornada
Helsinki. El Consejo Municipal de Helsinki rechazó definitivamente este jueves, sobre todo por razones financieras, el proyecto de un museo Guggenheim en la capital finlandesa al cabo de seis años de polémicas.

Se trata de una victoria para los que criticaban que la ciudad cediera uno de los mejores lugares de la ciudad, en la costa, cerca del palacio presidencial, a lo que califican de "McDonald's del arte", presente en ciudades como Nueva York, Bilbao (España) y Venecia (Italia).

Los partidarios de la instalación del museo destacaban la importancia del proyecto para el turismo y señalaban que el sitio previsto, utilizado como párking, está desaprovechado.

Al cabo de un largo debate, el proyecto fue rechazado por 53 votos contra 32.

Los principales argumentos contra la instalación del museo fueron financieros ya que la ciudad debía aportar 115 de los 130 millones de euros necesarios para su construcción.

Además, la Fundación Solomon R. Guggenheim facturaba 18,4 millones de euros anuales durante 20 años por la utilización de la célebre marca.