Cultura y Espectaculos

El primer presidente negro de Estados Unidos, Barack Obama, inauguró ayer, con el sonido de 'la campana de la libertad'
EFE. EXCÉLSIOR

Obama inaugura Museo Afroamericano
El primer presidente negro de Estados Unidos, Barack Obama, inauguró ayer, con el sonido de 'la campana de la libertad'

Los matrimonios Bush y Obama, ayer en Washington. Foto: AP
WASHINGTON.

El primer presidente negro de Estados Unidos, Barack Obama, inauguró ayer, con el sonido de “la campana de la libertad”, el Museo Nacional de la Historia y Cultura Afroamericana, en recuerdo de la liberación de los esclavos proclamada en 1863 por el entonces presidente Abraham Lincoln.

El mandatario, la primer primera dama negra, Michelle Obama, y cuatro generaciones de una familia negra que es “prueba del progreso” de esta comunidad hicieron sonar la campana, trasladada a Washington para la apertura, de la primera iglesia bautista de Virginia, establecida en 1776, una de las primeras iglesias negras del país. “Vamos a abrir este museo al mundo. El sonido de esta campana será reproducido por otras en centros religiosos, en plazas, en todo el país. Un eco del sonido de las campanas que señaló la liberación (de los esclavos) hace siglo y medio, el sonido y el himno de la libertad estadunidense”, dijo Obama.

A la esperada inauguración del museo asistieron los expresidentes Bill Clinton (1993-2001) y George W. Bush (2001-2009), quien firmó en 2003 la ley para la construcción del museo afroamericano en la explanada monumental de Washington, el National Mall.

Bush y su esposa, Laura, presidieron junto a Barack y Michelle una emotiva ceremonia que reunió a miles de personas, entre ellas figuras icónicas de la lucha por los derechos civiles, como el senador demócrata John Lewis, que participó en 1963 en la organización de la Marcha de Washington junto a Martin Luther King.

“La historia afroamericana no está separada de la historia de Estados Unidos. No es la parte inferior de su historia”, afirmó Obama, el último en intervenir antes de la inauguración.

“Nos ayuda a entender mejor las vidas, sí, del presidente, pero también del esclavo, del industrial, pero también del botones, del que mantuvo el statu quo, y también del activista que buscaba acabar con ese statu quo”, agregó.

Obama lanzó un mensaje para el futuro en un momento de tensión racial en el país por los episodios de violencia policial contra ciudadanos negros en el último año: “Espero que este museo nos haga hablar los unos con los otros, escucharnos y vernos los unos a los otros”.

Publicado por E. P. Armas. La Jornada de Oriente

Derivado del interés de la presente administración por fortalecer y preservar la cultura, el Museo Nacional del Títere (Munati) se encuentra temporalmente cerrado al público, con la finalidad de llevar a cabo trabajos para ampliar y remodelar este espacio, a efecto de contar con las condiciones necesarias para exhibir una colección de más de mil piezas donadas por la Fundación Carmen Toscano y la Compañía Picollini.

Se trata de marionetas talladas en madera de cedro de personajes como Agustín Lara, Pedro Vargas, Toña La Negra y Jorge Negrete, entre muchos otros, que darán realce a este museo con sede en el municipio de Huamantla.

Esta colección se sumará a las 730 piezas que donó al Munati el filántropo Eli de Gortari, que serán expuestas al público en cuanto se termine la rehabilitación de este espacio, que se prevé para octubre próximo.

Para concretar estos trabajos, las salas Eli de Gortari, introductoria, temporal, de personajes huamantlecos, prehispánicos, sala de festival y de personajes Rosete Aranda serán desmontadas, a efecto de agilizar los trabajos de mejoramiento.

Al concluir estas labores se reinaugurará la parte que corresponde a la ampliación, donde se exhibirá 12 grandes vitrinas que permitirán apreciar los ejemplares únicos que contemplan las colecciones recientemente llegadas al museo.

Estos trabajos se llevan a cabo con la finalidad de impulsar a nivel internacional el Munati, que por sus características es único en su tipo, ya que con la reciente donación se adquirieron piezas muy antiguas y de gran calidad, con lo que alcanza un nivel equiparable a los mejores del mundo, además permitirá el libre acceso de un mayor número de visitantes.

Aun con estos nuevos ejemplares, prevalece la importancia que tienen las marionetas de la familia Rosete Aranda y que de manera permanente también se exhiben, como es el caso del famoso “Vale Coyote”, “Doña Pascarroncita” o “Mr. Bell”, entre otros personajes que surgieron entre los años 1835 y 1905.

Al inicio de la presente administración, el Munati contaba con 730 piezas y a la fecha suman 2 mil 631, resultado del trabajo de gestión del gobernador Mariano González Zarur.

De esta forma, la administración estatal refrenda su compromiso en beneficio de la cultura y las artes, y genera espacios para que los visitantes disfruten de este legado. Para conocer más acerca de las actividades de este y otros museos, los interesados pueden visitar la página www.culturatlaxcala.com.mx.

CORACYT

Historiadora de arte habla sobre la vida y obra de Agustín Arrieta pintor costumbrista del siglo XIX

Agustín Arrieta, pintor costumbrista del siglo XIX tlaxcalteca nacido 29 de agosto de 1803, en Santa Ana Chiautempan y fallece 22 de diciembre de 1874 en Puebla de Zaragoza, habla sobre él Mariana Herrera Molina, Historiadora de arte, en entrevista para Sistema de Noticias comenta

Pintor del siglo XIX, muy famoso por sus escenas costumbristas pero sin dejar de lado la creación de los bodegones en su antigüedad llamados también salas de comedor, esto nos remonta hasta la Grecia antigua donde ya se presentaban este tipo de representaciones

Sin embargo, lo que más ha llamado la atención de los estudiosos y del público en general de Arrieta son sus escenas costumbristas de lo que él veía en su transitar por las calles, continúa la historiadora

Lo mismo te muestra, el maestro Arrieta te muestra un mercado, te muestra una cantina, te muestra una pulquería, te muestra al indigente, a sus famosas chinas todas bellas y que tal parece que repite los mismos modelos en muchas de sus escenas
Muchas veces las personas ven el arte solamente en el concepto del placer, de deleitar la vista, no, muchas obras de arte son históricas

Nos muestran pasajes de la vida en ellas, si observamos detenidamente vemos ese pasar de las modas por ejemplo en el vestido, esas frutas, las comidas de los lugares, todo el regionalismo que se puede encontrar sin estar peleado con las cosas que vienen de otros lados o sea, realmente Arrieta nos presenta una gama cultural en sus obras inmensa que no cualquier artista se atreve a mostrarlo
El maestro Arrieta dominaba perfectamente la técnica de la iluminación en la pintura
El maestro Arrieta te domina la técnica del color con una gran maestría, te resuelve perfectamente la luz en el cristal, te da el brillo pero aparte, si tú ves uno de sus cuadros, existe un cuadro donde te presenta el cristal y al mismo tiempo te presenta una pieza de plata, ninguno de los 2 brillos se contrapone, los dos brillan en su exacta dimensión no chocan uno con otro, ves la dureza y ductilidad de la plata pero ves el cristal con su pureza, con su brillo con la luz que te refleja
El Maestro Agustín Arrieta también hacía retratos, un ejemplo de ello se encuentra en el Museo de Arte de Tlaxcala actualmente, de ello comentará en una segunda parte de la entrevista la historiadora de arte Mariana Herrera Molina

La Jornada
Ciudad de México. La edición 28 de la Feria Internacional del Libro de Antropología e Historia (FILAH), que tiene como invitados a Yucatán y Guatemala, inició hoy con la entrega del Premio Antonio García Cubas 2016, que reconoce al mejor libro y labor editorial del ámbito de la Antropología y la Historia a nivel nacional.
En el Auditorio Jaime Torres Bodet del Museo Nacional de Antropología, Diego Prieto Hernández, secretario técnico encargado de la dirección del Instituto Nacional de Antropología e Historia (INAH), señaló que la feria del libro forma parte de la misión de la institución y recordó que en 1989 se realizó la primera FILAH para promover la producción editorial en torno a temáticas sobre antropología e historia ya que permite un vínculo entre editores, investigadores y académicos.
El titular de la Secretaría de Cultura federal, Rafael Tovar y de Teresa, celebró la llegada de la edición 28 de la FILAH ya que se crea un espacio particular a temas que son parte del trabajo académico, antropológico, arqueológico e histórico.
El funcionario aprovechó la ceremonia de inauguración para señalar que el INAH desde su creación se ha convertido en el núcleo y la verdadera fortaleza de nuestra historia.
A la apertura de la feria en el Museo Nacional de Antropología asistieron el gobernador de Yucatán, Rolando Rodrigo Zapata Bello y el embajador de Guatemala en México Arturo Romero Duarte Ortiz, así como Felipe Garrido y Antonio Saborit, director del recinto museístico.
En la inauguración se entregó reconocimiento a la publicación La real expedición botánica a Nueva España. Volumen XIII, ornitología, de José Mariano Mociño y Martín de Sessé, publicado por Siglo XXI Editores, en la categoría de Obra Científica.
En Obra de Divulgación se reconoció a ¿Cómo se hace un Dios?: creación y recreación de los dioses en Mesoamérica, de Enrique Florescano, editado por Random House/Taurus; el libro El umbral: María Teresa de Medina, la dama insurgente, de Roberto Peredo y publicado por la Universidad Veracruzana, fue premiado en la categoría de Novela Histórica.
En obra infantil el libro ganador fue Monos: mensajeros del viento, con textos de Ana Paula Ojeda e ilustraciones de Juan Palominos, cuya edición realizó Tecolote S.A. de CV. En la categoría de Obra Juvenil, el ganador fue Mito, leyenda e historia de Quetzalcóatl: la misteriosa serpiente emplumada, de Luis Barbeytia.
El volumen Alfredo Gautí Rojo y el Museo Nacional de la Acuarela con textos de Miguel León Portilla, Francisco José Macedo de Jesús, Ana Garduño Ortega, Martha Orozco Escudero, Alicia Leyva y Manuel Arrieta, fue reconocido en la categoría de Libro de Artes.
Javier Marín, Tierra. La materia como idea, coordinado por Cándida Fernández de Calderón, fue el texto ganador en la categoría Catálogo, mientras que en la categoría Edición Facsimilar el premio fue para el libro Indumentaria antigua mexicana: armas, vestidos guerreros y civiles de los antiguos mexicanos, cuyo diseño editorial Miguel Ángel Porrúa. La categoría Libro de Texto Escolar se declaró desierta.
De acuerdo con los organizadores, este año recibieron 105 de 45 editoriales, de las cuales se hizo una rigurosa selección de las obras ganadoras a partir de su aporte intelectual, organización y disposición de la información.
El premio en cada categoría asciende a 50 mil pesos destinados a la adquisición de ejemplares que enriquecerán los acervos bibliográficos del INAH.
La FILAH del 22 de septiembre al 2 de octubre ofrecerá más de 13 mil títulos y su programación contempla seis foros académicos, 118 presentaciones editoriales, 17 talleres, 50 actividades artísticas, así como la proyección de 37 películas entre cortometrajes y documentales.

Algarabía
La «conciencia colectiva» sesentera se había fracturado a tal grado que era difícil tener al menos un ideal —y ni hablar del ideal del «amor y paz».
El 4 de julio de 1976, millones de estadounidenses celebraban con bombos y platillos el bicentenario de su independencia. Al mismo tiempo, cuatro neoyorquinos montaban su propia fiesta en el London’s Roadhouse, aporreando otros bombos y otros platillos al ritmo de canciones cortas, directas e incendiarias. La banda se llamaba The Ramones, y su influencia en la contracultura y la música habría de inyectar sangre nueva y vigorosa a la escena del rock del ultimo cuarto del siglo XX.
A mediados de la década de los 70, la industria del disco era revitalizada por el surgimiento de sellos independientes que trajeron a escena nuevos géneros musicales. Para 1976, la manera en que se producía, tocaba y escuchaba música, había cambiado: las viejas estrellas del rock se habían desvanecido, y otras nuevas señalaban nuevos caminos y tendencias.
Algo similar había sucedido en 1966, cuando el rock que conocemos nació debido a las revolucionarias grabaciones de Bob Dylan, Frank Zappa, The Doors, Pink Floyd y The Velvet Underground. Pero una década más tarde, la explosión creativa —aunque muy similar a la de los años 60— tenía un cariz muy distinto: los sesenta fueron una década francamente optimista, en la que los jóvenes creían que podían cambiar el mundo; diez años después, sólo los muy ingenuos podían creer en el triunfo de la paz y el amor, y los jóvenes habían dejado de creer en las autoridades, en la sociedad y en el mundo.
Los jóvenes sentían una gran impotencia, no sólo porque no tenían el poder en sus manos, sino porque se daban cuenta de que había poco que ellos pudieran hacer.
Claramente, sólo el dinero importaba, y la mayor parte de los actores sociales estaban corrompidos —incluyendo a muchos rockstars, quienes llenaban estadios, vendían millones de discos y se enriquecían a costa del mismo sistema capitalista que habían criticado—. Esto era peor que una dictadura, porque no había un dictador contra quien levantarse.
De los 60 a los 70
El idealismo agonizaba y el materialismo ganaba terreno; los 60 habían sido la época de lo excéntrico, lo inusual, el compromiso y la participación social; los 70 marcaban el regreso a la «vida normal», a la mediocridad, a la uniformidad y a la indiferencia. La contracultura había sido vencida por el establishment. La revolución se había perdido.
They’re forming in straight line / They’re going through a tight wind / The kids are losing their minds / The blitzkrieg bop... [Ellos forman una fila / y caminan contra el viento, / los chicos se están volviendo locos, / el Blitzkrieg Bop...] «Blitzkrieg Bop», The Ramones
Los adolescentes de los setenta crecieron en una década bastante aburrida, y en su horizonte sólo se veía una carrera universitaria, encontrar un empleo y casarse. Sus padres habían combatido a los nazis; sus hermanos mayores eran los baby boomers,hijos de la bonanza económica; ellos no eran «nada».
Los jóvenes músicos de 1976 transpiraban esa sensación de hastío con un sonido áspero y burdo, letras desencantadas poco complacientes.
Estas circunstancias dieron pie a una «depresión generacional» entre los jóvenes, que se caracterizaba por la violencia, la aburrición y el nihilismo.
La ciudad de Nueva York era la meca de esta «nueva ola» de músicos, muchos de los cuales fueron llamados punks —que quiere decir «novicio, joven sin experiencia; rufiancillo»— y conformaron un fenómeno que se propagó por toda la Unión Americana como antes lo había hecho el love and peace de los hippies, sólo que elpunk era prácticamente lo opuesto.
Los punks eran perros callejeros, no pacifistas; su lenguaje era vulgar, no suave; buscaban la emoción y no el éxtasis o la trascendencia de la conciencia; no creían en las marchas, los movimientos o la organización, ya que su propia vida como punks era su modo de protesta.
«Punketos» malditos
Herederos de los «poetas malditos» del rock —Lou Reed, Jim Morrison e Iggy Pop—, los new bohemians colocaban el énfasis en lo que se decía más que en cómo se decía. Los profetas de esta nueva generación fueron Patti Smith, Television y Tom Verlaine, que compartían un estilo rotundo que rechazaba el virtuosismo y la grandilocuencia de las estrellas del rock. Pero la banda que tendría mayor impacto en el mundo sería The Ramones, que tocaba rock & roll muy torpemente a velocidades supersónicas, no eran intelectuales ni tenían pretensiones artísticas. Pero eso era justo lo que legiones de jóvenes frustrados habían estado esperando.
I am an antichrist / I am an anarchist / Don’t know what I want / But I know how to get it/ I wanna destroy passer by... [Soy un anticristo, / soy un anarquista, / no sé lo que quiero / pero sé como obtenerlo, / quiero destruir lo que está a mi paso...] «Anarchy in the U.K.», The Sex Pistols
Acércate también a las letras y el rock
La efervescencia de la escena subterránea neoyorquina resultó ser muy contagiosa. La gira de The Ramones por la Gran Bretaña encendió una llama que se alimentó del desempleo y la pobreza que el régimen thatcheriano había impuesto a las clases bajas, y que amenazaba con dinamitar el tejido social.
El fenómeno de los hooligans, así como la pasión británica por beber y pelear, fueron un caldo de cultivo para que los punk se convirtieran en algo mucho más serio: si bien en los EE. UU. existían más jóvenes frustrados que se identificaban con ellos, en la Gran Bretaña eran muchos menos, pero más radicales, muy violentos, cínicos, anarquistas, inmorales y casi analfabetas —en algún medio se les llamó «los nuevos bárbaros».
Fiebre punk
De pronto, surgió en Inglaterra una fiebre punk que se reflejó en la música, en la moda y en la sociedad: ser punk —o parecerlo— se volvió cool, y surgieron muchas bandas que seguían los pasos de The Ramones, y cuyas presentaciones en vivo eran como si se destapara una cloaca: su música era simple —a veces sólo gritaban un estribillo lo más ruidosa y rápidamente posible—, odiaban todo y a todos, sin ira ni depresión, sólo con una aversión absoluta; les gustaba provocar y pelear, y no desaprovechaban cada oportunidad que tenían de hacerlo.
El manager inglés Malcolm McLaren fue quien moldeó el punk en la Gran Bretaña cuando lanzó a la paradigmática banda The Sex Pistols —que era como The Ramones, pero en heroína y Valium— y lo volvió un asunto de moda, provocativa y llena de estoperoles, a través de su boutique londinense.
The Sex Pistols eran antimusicales, antimelódicos, y actuaban como si su único propósito fuera generar desorden y escándalo; duraron sólo dos años juntos, pero cambiaron para siempre el rostro del rock solamente con dos discos sencillos —«Anarchy in the u.k.» y «God Save the Queen» — y un álbum —Never Mind The Bollocks (1977)—; la confrontación de la voz de Johnny Rotten y sus letras hicieron que sus canciones fueran prohibidas en el Reino Unido. Después de los Pistols, vinieron bandas como The Clash —con una vena más intelectual y preocupados por temas sociales—, Generation x o The Buzzcocks.
Don’t be told what you want / Don’t be told what you need / There’s no future, no future, / No future for you... [Que no te digan lo que quieres / que no te digan lo que necesitas. / No hay futuro, / no hay futuro para ti...] «God Save The Queen», The Sex Pistols
La llama de la anarquía se había encendido y se propagaba con furiosa rapidez a otros países. En Alemania, por ejemplo, una de las abanderadas punk fue Nina Hagen, y el movimiento se vinculó tanto con corrientes contestatarias de izquierda como con ultraderechistas como los skinheads de tendencias neonazis, que reconocieron al punk por su tendencia «contra el sistema»; en España, cuya sociedad estaba en el destape de 40 años de dictadura franquista, el punk se convirtió en una válvula de escape para una juventud hasta entonces reprimida.