Cultura y Espectaculos

Por Elio Henríquez, enviado LA JORNADA
El ceramista César Sermeño define su trabajo como creativo e interpretativo de la naturaleza, pues muchas de sus figuras son basadas en animales. Foto Elio Henríquez

El Salvador. Para el ceramista y pintor salvadoreño César Sermeño, llamado el poeta del barro, el artista “es un delator que además de agradar con lo que hace está siendo ver los sufrimientos de un pueblo”.

El arte, agrega, ha sido siempre un mensajero de los anhelos e inquietudes de un pueblo; un vocero. Si un pueblo no tuviese anhelos ni problemas, ¿qué haríamos? Nuestra obligación es delatar esos aspectos”.

De 87 años de edad, afirma que “por eso es que muchas veces en aquellos años de juventud decían que uno era comunista, por la manera de pensar”.

En plática con La Jornada, señala que “desde las épocas primitivas la cerámica ha sido una de las formas en que el ser humano ha logrado manifestar su emociones, sus problemas como lo hizo el hombre primitivo en cavernas, con las vasijas”.

Comenta que sus obras se basan en animales como búhos, palomas, gallos, peces y caracolas, en la flora y la fauna nacionales, muchas en forma de platos, además de que ha elaborado murales cerámicos en la Ciudad de México y en El Salvador.

Desde 1950 hasta 2008 participó en exposiciones individuales y colectivas en países de Centro América, en México, Estados Unidos, Alemania y Japón. Recuerda que en 1963 representó a El Salvador en una exposición mundial de cerámica en Washington, donde sus trabajos, tres palomas salpicadas de turquesa, fueron elogiados y mencionados en el periódico The New York Times.

“Aparecer aunque sea en un párrafo pequeño es bastante”.

Una de sus muchas obras es un búho para cuyas texturas aprovechó la piña del pino. “Tiene como cinco mil pedacitos pegados. Este es para la casa”.

Sostiene que su vida “ha estado llena de oportunidades, pero en parte es por haber atendido las inquietudes naturales que uno posee. Uno no hace las cosas por obligación o por trabajo sino porque le agrada. La gente me compra cosas que me agrada hacer. Es diferente a alguien que trabaja por obligación. Por algo muchos están esperando la vacación, porque están hastiados de su rutina”.

Agrega: “Yo hago pintura creativa, no tengo capacidad de copiar, soy creativo e interpretativo de la naturaleza. He pintado cuadros que son un homenaje al maíz; he jugado con símbolos precolombinos.

Mi cerámica es de carácter pictórico, puedo pintar en un lienzo o en papel, pero lo hago en arcilla; por eso digo que es pictórico, referente a los platos que son de proporciones grandes, de 60 por 40 centímetros, algo atrevido para la cerámica por las limitaciones al horno”.

César Sermeño nació el 29 de marzo de 1928 en San Juan Opico, ciudad ubicada a poco más de 40 kilómetros de San Salvador, la capital salvadoreña. Su padre, Juan Antonio Sermeño, se dedicó a la pintura religiosa, lo mismo que su hermano Juan Antonio.

Aunque eran de diferentes generaciones mantuvo buena amistad con los poetas Roque Dalton –“íbamos a la cantina La Ensenada que estaba a cuadra y media de su casa”- y Ricardo Bogrand, así como con el pintor, muralista y grabador, Camilo Minero, salvadoreños los tres.

Recuerda que comenzó a interesarse más por la cerámica cuando en 1947 fue becado por el gobierno de Honduras para estudiar en la Escuela Nacional de Bellas Artes de ese país.

En 1958 partió a México becado por el gobierno de El Salvador para estudiar en el Centro Superior de Artes Aplicadas de México, donde conoció y fue apoyado por el pintor Pedro Coronel, el muralista José Chávez Morado y el escultor Juan Cruz, entre otros artistas.

En 1961 regresó a El Salvador, donde ha realizado su obra, y en 1965 ganó el primero y segundo lugares del Certamen Centroamericano de Ciencias y Bellas Artes de Guatemala, en la rama de cerámica. En la sala de su casa, situada en una colonia de Opico, guarda los bocetos fundidos en bronce de cinco esculturas que en 1958 hizo Pedro Coronel. “Estas figuras están hechas a dos metros y medio y me parece que se encuentran en un museo de Suiza donde adquirieron las obras”.

Expresa que los mandó a fundir en bronce “para demostrarle a Pedro la estimación que teníamos por las cinco obras, una de las cuales está hecha a base de cierta simbología precolombina, con una media luna y una calavera”.

Recuerda cómo en 1958 se las regaló el pintor zacatecano: “Yo estaba pegando una de las figuras, una terracota que se había roto, y me dijo: ‘¿qué están haciendo?’, a lo que le contesté: ‘pegando la figura para ver si me la regala’. Entonces me dijo: ‘No fregués, te voy a regalar unas buenas’. Y así comenzó la amistad. Después iba a comer a la casa y presumía a los demás que había comido pupusas (lo más representativo de la gastronomía salvadoreña) porque Nelly (su esposa) procuraba mantener los platillos salvadoreños cuando se invitaba a alguien”.

Sermeño cuenta que antes de ser enviadas a Europa, las esculturas de Coronel fueron expuestas en Bellas Artes, en la ciudad de México. “Estas son sus figuras siguiendo el folklor mexicano de arte y el color popular”.

Señala que tuvo “buena amistad” con el pintor y agrega: “Una vez llegó Pedro cuando yo estaba trabajando y me dijo: ‘Todos me buscan a mí, sólo vos no me has buscado’. Me le quedé viendo. ‘Vamos a ser amigo’, me dijo. Y así conocí también a José Chávez Morado, que pintó unos murales en mosaico italiano en la Secretaría de Comunicaciones y Transportes: El regreso de Quezalcoatl. Son grandes, enormes. Era mi maestro en la escuela, igual que el escultor oaxaqueño Juan Cruz, quien le hizo a Nelly un retrato y como muestra de gratitud la mandé a fundir en bronce”. También está en la sala de su vivienda.

Juan Cruz, continúa, “fue compañero de Francisco Zúñiga, un costarricense que en México hizo su fortuna y nombre como escultor en el mundo, tanto que no quería nacionalizarse mexicano pero lo obligaron, porque si no, no habría trabajo para él. Era uno de los mejores escultores del mundo”.

Aparte de pinturas propias, compradas o regaladas por amigos artistas, en una sala especial, junto al horno que ha usado por muchos años, se encuentran decenas de trabajos elaborados durante los últimos años, en esperar de ser vendidos. Debido a su edad avanzada, cada vez trabaja menos, pero tiene muchas obras y se alegra de haber tenido entre sus discípulos a Fernando Llort, renombrado pintor salvadoreño.

“Casi soy el único ceramista en el país. La cerámica, a diferencia de la pintura que inclusive una silla puede servir de caballete, además del equipo que se necesita, debe de contarse con un horno, compresor, pistola de aire y esmaltes que no hay aquí. No cualquiera se atreve a hacerlo”.

-¿Lo visitan las autoridades de su país?

-Uno pasa olvidado. Aparte ha faltado actividad de parte mía, pero ya cumplí y sería hacer un esfuerzo que difícilmente lograría los objetivos. Ya dí lo que tenía que dar. No tengo ningún resentimiento con la vida. Cada día que amanece al despertar sonrío y como dijo (el poeta) Hugo Lindo, cada día tiene su afán.

Con autorización del sello Debate, publicamos un capítulo de ‘Cronología del progreso’, el más reciente libro del escritor mexicano
GABRIEL ZAID. EXCÉLSIOR
Metabolismo del progreso
Los antiguos creían en la generación espontánea. Aristóteles, por ejemplo, habla de insectos que brotan de lo podrido (Historia animalium V 539a) o del rocío (V 551a). La creencia fue cuestionada cuando se inventó el microscopio, dos milenios después; pero, todavía en 1859, la Academia de Ciencias de París creyó necesario organizar un concurso de experimentos para refutarla. Lo ganó Pasteur.
Y, sin embargo, ahora es respetable creer en la abiogénesis: la generación espontánea de moléculas orgánicas (Alexander Oparin, El origen de la vida, 1924), aunque ningún laboratorio ha podido recrear lo que supuestamente sucedió hace 3.5 millones de milenios.

Que el cosmos surja de la nada, la vida de lo húmedo y el lenguaje surja de la vida animal son creencias antiguas que se han vuelto científicas. Implican saltos de progreso. Pero, ¿puede haberlos?

Sadi Carnot fundó la termodinámica con sus Reflexiones sobre la potencia motriz del fuego (1824). El libro compara el fuego solar que mueve el viento y las nubes con el fuego del carbón que produce vapor en las calderas y movimiento en las máquinas. Demuestra que, independientemente del diseño, ninguna máquina llegará a rendir el 100%. No toda la energía potencial de las brasas pasa al vapor. No toda la del vapor que se expande mueve el pistón. Finalmente, la energía mecánica aprovechada siempre es menor que la energía química del combustible consumido.

La termodinámica postula que, en un sistema cerrado (sin intercambios externos), la energía se degrada inexorablemente y de manera irreversible. Su degradación implica un antes y un después venido a menos. Esto niega el progreso. Concuerda con la creencia antigua de que el pasado fue mejor.

¿Cómo puede haber progreso? La energía, el calor, la presión, el movimiento, tienden a disiparse, enfriarse, nivelarse, detenerse. La vida tiende a desorganizarse, la comunicación tiende al ruido, el orden al desorden. Todo tiende a menos: a la degradación de la entropía.

Y, sin embargo, hay logros a contracorriente. Una fracción de la energía puede subir a más: transformarse en progreso, aunque el resto siga su tendencia natural. Erwin Schrödinger (¿Qué es la vida?, 1944) llamó entropía negativa a la contracorriente, y dijo que “lo más enigmático de la materia viva es que elude la pronta degradación al estado inerte” (capítulo 6).

¿Por qué hay progreso, en vez de pura degradación? ¿Por qué hay vida, en vez de pura materia inerte? Y, más radicalmente: ¿Por qué hay algo, en vez de nada? (Leibniz, Principios de la naturaleza y de la gracia 7). No se sabe.

Valerse de la tendencia a la degradación para eludirla es hacer como los antiguos navegantes de vela que aprendieron a avanzar con vientos contrarios, aprovechando parte de la misma fuerza opositora (no de frente, sino en zigzag). Sucedió lo mismo en el progreso espontáneo que inexplicablemente fue de la nada a la vida y de la vida al lenguaje. Sucede todavía en el progreso humano.

La máquina de vapor (siglo XVIII) y la cocina (desde hace 400 milenios) son admirables, pero menos que la fotosíntesis, aparecida hace 3.4 millones de milenios. Las células vegetales aprovechan la energía solar para “cocinar” sustancias que no son orgánicas y obtener moléculas que lo son (un proceso llamado metabolismo, del griego metabolé: transformación). La vida se alimenta de energía para mantenerse, funcionar y reproducirse, en vez de degradarse y extinguirse. La energía vital proviene, en último término, del fuego solar que las plantas transforman en energía orgánica (glucosa, C6 H12 O6) y oxígeno (O2), a partir de agua (H2O) y anhídrido carbónico (CO2).

Esta transformación de la energía solar genera progreso más allá de las plantas. Cuando son comidas, entran a un nuevo proceso metabólico que las digiere y les extrae nutrientes y energía para la vida de los animales (que, a su vez, pueden ser comidos). El oxígeno respirado permite quemar la glucosa y producir energía para los procesos internos, para la percepción del medio externo y para la acción.

El oxígeno del aire apareció en el planeta extraído del agua por las plantas. Hizo posibles los incendios forestales provocados por un rayo, la combustión interna de los animales que respiran y, finalmente, el fuego intencional. La hoguera redujo la combustión interna necesaria para resguardarse del frío y amplió las fuentes de energía externa digerible, cocinando alimentos antes indigestos. El uso cada vez mayor de fuentes de energía externa (siempre a contracorriente: quemando más de lo que se aprovecha) multiplicó la capacidad humana.

Durante milenios, la energía externa aprovechada provino esencialmente de recursos vivos: de las plantas (comidas o quemadas); de los animales (comidos o domesticados para cuidar, rastrear, pastorear, ordeñar, montar, cargar, tirar de carros o trineos, dar vueltas a la noria para sacar agua o mover máquinas); así como de los seres humanos (comidos o esclavizados). Había grandes reservas de energía quemable en la vegetación muerta y sepultada durante millones de años (que se fosilizó como carbón, petróleo o gas), pero no se aprovechaban.

Las primeras brasas de carbón fósil se encendieron hace apenas tres milenios, en el hogar. El uso pasó de la cocina a las fundiciones artesanales y, finalmente, a las calderas de las máquinas de vapor. Por eso, ya en el siglo XIX, hubo quejas ecológicas contra las minas de carbón (explotadas a cielo abierto). Destruían grandes superficies agrícolas y forestales para extraer el combustible necesario en las máquinas de vapor.

Antes de la máquina de vapor y de la Revolución Industrial (digamos, antes de 1760), el mundo artesanal producía esencialmente con leña, carbón (vegetal o mineral) y glucosa muscular (humana o animal) más la fuerza del agua y el viento en los molinos y la navegación.

Todavía un siglo después, en 1860, la mitad de la energía productiva en los Estados Unidos provenía de la fuerza animal, una cuarta parte de la fuerza humana y el resto de otras fuentes, según John McHale (World facts and trends). Para 1960, las otras fuentes (esencialmente fósiles) habían subido del 25% al 96%; mientras que la fuerza muscular de los animales y los hombres bajaba del 75% al 4%.

Las siguientes cifras, tomadas del mismo libro y de la web, están sujetas a muchos asegunes, pero son indicativas.

Se puede caminar tranquilamente a 3 kilómetros por hora; sostener un paso vivo a 5; correr un maratón a 15. Navegar en canoa a 4; en carabela a 8; en barco de vapor a 60. Cabalgar a 15, viajar en ferrocarril de vapor a 100; en tren bala a 300. En las calles congestionadas se puede avanzar en automóvil a 12; en bicicleta a 16. Un avión de hélice puede volar a 500, un jet a 900, el Concorde volaba casi a 2 500.

Al hombro se pueden llevar fácilmente 3 kilos, en una bicicleta 30, en un triciclo 120. Una mula puede cargar 200, una camioneta pick up 400. Un camión de volteo pequeño, 10 toneladas, un tráiler de un solo remolque 35, un carro de ferrocarril 100, una barcaza fluvial 1 500, un buque tanque petrolero, 300 000. Un ciclista tranquilo ejerce una potencia de 200 vatios (un cuarto de caballo), un caminante 250 (un tercio de caballo); una motocicleta 30 caballos, un automóvil 120, el avión Jumbo de Boeing 85 000.

En un par de siglos, la capacidad humana se multiplicó más que en todos los milenios anteriores, gracias a la creatividad en el uso de la energía.

Además de pintar cuadros tan enigmáticos como 'La Monalisa' y 'La última cena', Da Vinci fue pionero en ingeniería y arquitectura
EXELCIOR

Pintor, arquitecto, científico, músico, Leonardo Da Vinci aportó al mundo su pensamiento y descubrimientos que se adelantaron a su época y en la actualidad forman parte de nuestra vida diaria.

Leonardo di ser Piero da Vinci nació el 15 de abril de 1452, en el pueblo italiano de Vinci, a las afueras de Florencia.

Fue un hijo de carácter ilegítimo ya que su padre, el notario y canciller Messer Piero Fruosino di Antonio, lo concibió por fuera de su matrimonio con una joven campesina llamada Caterina.

El 15 de abril se instauró el Día Mundial del Arte por la Asociación Internacional del Arte, en conmemoración del nacimiento de este genio y con el objetivo de promover la actividad creativa en todo el mundo, tal como lo hizo Da Vinci.

Los estudios de este genio fueron tan innovadores como su obra artística, y se mantienen, para beneplácito de todos, registrados en sus diarios y cuadernos de notas, los cuales que comprenden más de 13 mil páginas entre escritos y dibujos.

Y aunque muchos de sus proyectos y diseños no llegaron a construirse por no ser viables en su época, algunos sirvieron de inspiración y documentación para artefactos y avances científicos que a lo largo de la Historia han servido a la humanidad y su desarrollo en materias como geología, biología, anatomía, ingeniería, entre muchos otros rubros.

A 564 años de su nacimiento te compartimos sólo algunos de esos prototipos y diseños que son muestra de su genialidad:
PARACAÍDAS

Este proyecto es una estructura piramidal de base cuadrada. Da Vinci detalla en uno de sus escritos que si un hombre se lanza al vacío sosteniéndose de una especie de tienda de campaña, hecha de lino con sus orificios tapados y con más de 6.30 metros de largo y profundidad, no sufriría ningún daño al descender.

PLANEADOR ALADO

Cientos de los escritos de Da Vinci son sobre la forma en que el ser humano pudiera volar. Sus diseños para una máquina voladora están inspirados en la anatomía de las aves y los murciélagos.

En el caso del planeador, los dibujos de Da Vinci muestran un par de enormes alas conectadas a un marco de madera, en cuyo interior el piloto se ubicaría boca abajo y movería sus alas hacia arriba y hacia abajo mediante una manivela conectada a una serie de barras y poleas.

El piloto era el motor del avión ya que él mismo debía mover con sus brazos, piernas, pies y dedos el mecanismo de las alas a través de elaborados sistemas activados por medio de poleas y cables.

TORNILLO AÉREO

Conocido como el primer prototipo de helicóptero, llevado a la práctica a través del estudio que afirmaba si en un cuerpo sólido, hay un objeto atornillándose en su interior, este deberá elevarse hacia arriba.
Este modelo contaba con una carcasa abierta, y estaba equipado con asientos y mandos para pilotear el artefacto.

VEHÍCULO AUTÓNOMO
Se trataba de un vehículo autopropulsado, considerado como la primera creación robótica de la historia. Está formado por un carro de madera con varios muelles ballesta para regular el movimiento, al tiempo que la propulsión proviene de dos muelles de espiral colocados en la parte baja del prototipo y que les permiten recorrer varios metros de forma autónoma.

Científicos de un museo de Florencia construyeron en 2004 una réplica y descubrieron que funcionaba tal y como el científico lo describía, sin embargo sólo avanzó unos cuantos metros.

TRAJE DE BUCEO

Aunque Da Vinci no fue el primero en diseñar un traje que permitiera "respirar" a los humanos bajo el agua, su creación fue una de las más elaboradas.

Construido casi totalmente de cuero, su traje consistía en una chaqueta, pantalones y una máscara con gafas de incrustaciones de cristal. Estaba conectado a una especie de manguera de aire fabricada con cañas y a una campana que flotaba en la superficie.

Inclusive contenía un compartimiento exclusivo para que el buzo pudiera orinar mientras estaba en el traje. También tenía bolsillos para llevar los instrumentos necesarios.

CARRO BLINDADO

Uno de los clientes más ricos del artista era Ludovico Sforza, duque de Milán, quien a finales del siglo XV defendió al Estado italiano contra la invasión de un ejército francés.

Da Vinci diseñó una serie de instrumentos de guerra, entre ellos un vehículo blindado que podía moverse en todas direcciones y disparar.

La invención consiste en un carro impulsado a mano y cubierto de hojas de metal. Las aberturas en el metal permitirían a soldados italianos disparar sus armas sin ser alcanzados por el fuego enemigo. Sin embargo, este diseño sólo se quedó entre los bocetos del genio.

SISTEMA DE IRRIGACIÓN

Da Vinci realizó proyectos de bombas para pozos, ruedas hidráulicas, entre otros avances de la ingeniería.

Utilizando el mismo principio de “tornillos” que en el mecanismo del helicóptero. Leonardo hizo planos para la fabricación de un mecanismo que permitiera elevar y transportar agua con mayor facilidad y rapidez.

Haciendo girar lo que llamó el 'tornillo sin fin', el agua podía ser trasladada a un nivel más alto mediante una serie de giros helicoidales.

EL HOMBRE VITRUVIANO

Es una de las imágenes humanas más reconocidas del mundo. Una visión del hombre como centro del Universo al quedar inscrito en un círculo y un cuadrado.

El cuadrado es la base de lo clásico: el módulo del cuadrado se emplea en toda la arquitectura clásica, el uso del ángulo de 90º y la simetría son bases grecolatinas de la arquitectura. En él se realiza un estudio anatómico buscando la proporcionalidad del cuerpo humano, el canon clásico o ideal de belleza.

Da Vinci modeló su forma humana perfecta basándose en las proporciones postuladas por Vitruvio ( Marcus Vitruvius Pollio), un arquitecto romano del siglo I a.c. a quien Julio Cesar encargó la construcción de máquinas de guerra.

OTRAS APORTACIONES

Además de crear máquinas extraordinarias y pintar cuadros tan enigmáticos como 'La Monalisa' y 'La última cena', Da Vinci fue pionero en el estudio de la anatomía.

Fue el primero en dibujar partes del cuerpo en sección transversal y llevó a cabo estudios científicos sin precedentes sobre los bebés en el vientre de la madre.
Entre 1507 y 1513 diseccionó más de 30 cadáveres, llenó cientos de páginas de sus cuadernos con documentación y observaciones sobre órganos, vasos sanguíneos, huesos y músculos y los dibujó como nunca antes se habían representado.

Carolina Mejía
«No nací pintor; nací caminante, y el caminar me ha conducido al amor por la naturaleza y el deseo de representarla.»
DIego Rivera describe al Dr. Atl como «prosista y poeta, vulcanólogo, botánico, minero, yerbero, astrólogo, hechicero, materialista, anarquista, totalitarista, todo cuanto un hombre avalara con una velocidad mayor que con la que Fregoli1cambiaba de traje.»Y es que Gerardo Murillo –el nombre que tanto desdeñaba antes de ser Dr. Atl–, fue un hombre imparable que inspiró a una generación de jóvenes pintores a transgredir las normas sociales, y a descubrir el placer de la cultura mexicana a partir de su riqueza en temas y colores.
En 1897, por recomendación del arqueólogo Leopoldo Batres, Murillo recibió una beca de Porfirio Díaz para estudiar arte en Italia. Una vez que llegó a Europa, diversificó sus estudios y tomo cátedras de Derecho penal y Filosofía; a la par de su formación académica aumentó su activismo político y social: participó en una protesta contra el alza de precio del pan en Italia, en la cual los manifestantes fueron duramente reprimidos, y a pesar de que salió ileso, el suceso lo consternó terriblemente.
Renacimiento
En una ocasión mientras viajaba en barco por Europa quedó atrapado en una terrible tormenta, impresionado por la tempestad y traumatizado por esa experiencia, él mismo se bautizó con el nombre: Atl, término proveniente del náhuatl que significa agua.
De acuerdo con los relatos biográficos sobre Gerardo Murillo, el poeta argentino Leopoldo Lugones le sugirió añadir el título de doctor a su sobrenombre, porque imaginó que así sonaría mucho mejor y así conseguiría mejor reputación. Al día siguiente los dos artistas se reunieron con otros amigos, llenaron una bañera con champaña, y metieron ahí a Murrillo en un bautizo surreal e improvisado. A partir de ese momento ya era Doctor Atl.

Su revolución
En 1907 regresó a México para incorporarse a la academia de San Carlos. Irritado por la disciplina que se ejercía en dicha institución, el Dr. Atl alborotó el pensamiento de sus jóvenes estudiantes con la enseñanza de ideas subversivas, y organizó una exposición masiva de obras de Diego Rivera para conseguir que ese joven pintor pudiera viajar a Europa.
Como maestro el Dr. Atl predicaba la misma rebeldía que él practicó. Cuando se enteró de que habría una exposición del régimen de Díaz para conmemorar el centenario de la Independencia de México, pero que en ella sólo habría artistas españoles, se llenó de ira y como protesta organizó su propia exposición, sólo con obras mexicanas.
Más tarde el Dr. Atl tuvo que vivir un tiempo en París, y cuando estalló la revolución en México se incorporó a la causa como jefe de propaganda bajo el mando de Venustiano Carranza. Luego rompió su relación con él cuando encarceló a líderes del movimiento obrero; tuvo un breve acercamiento con Obregón, pero posteriormente volvió al lado carrancista, hasta que éste fue derrotado.
Debido a su constante cambio de bandos cayó de la gracia del entonces presidente Obregón, y tuvo que ir a exiliarse a EE.UU durante un tiempo. Cuando regresó a México no tenía dinero, así que primero se vio forzado a trabajar como portero de un convento, y luego realizó por encargo un catálogo de iglesias y una monografía de arte popular.
Un amigo en común hizo llegar su trabajo al general Obregón, él quedó tan impresionado que perdonó al Dr. Atl y lo puso a cargo del Convento de la Merced.
Pasiones complejas
A pesar de que tuvo varias amantes, ninguna consumió su amor de manera tan envolvente como sucedió con Carmen Mondragón –Nahui Ollín como él la bautizó–. A ella la conoció en una reunión de intelectuales en 1920, tenía veinte años menos que él y su relación no fue lo más ideal, fue violenta y culminó cuando ella intentó dispararle mientras dormía.
Aunque se separaron después de un tiempo, sus caminos se volvieron a cruzar a principios de los sesenta. Para entonces Nahui vivía en la calle, así que cuando elDr. Atl l se dio cuenta de su condición decidió regalarle algunos de sus cuadros para que ella pudiera recibir una buena cantidad de dinero por ellos. Su ex amante lo convenció de que él mismo se los comprara, y antes de que él accediera lo acusó de robo, por lo cual tuvo que pagarle a ella por sus propios cuadros.
Otra de sus pasiones también le trajo dolor a su vida; como amante de los volcanes solía escalarlos para hacer bocetos.
En una ocasión mientras observaba el nacimiento del Paricutín en Michoacán se lesionó la pierna, y tiempo después se la amputaron por complicaciones en la herida.
Como ya no podía escalar, subía en avionetas y sobrevolaba los volcanes para pintarlos desde las alturas. A esta técnica la nombró: Aeropaisajes.

También inventó una técnica que nombró: Atl colors, en la cual aplicaba una pasta de resinas y petróleo sobre una superficie como si fueran colores pastel. Erupción de Paricutín (1943) es una impresionante obra que retrata el nacimiento del volcán usando esta técnica de color.
En sus obras predominaban los árboles y montañas, además que solía curvar los bordes para dar la ilusión de movimiento.
También hay algunos retratos y autorretratos en su colección de obras, entre las cuales destaca el de Nahui Ollin (1921), por una innovadora técnica que empleó, mezclando colores y formas, para expresar la idea de movimiento. Una obra que sobresale en su trayectoria es El valle de Pihuamo (1952). Esta es la imagen de una ciudad utópica donde Dr. Atl se imaginaba que científicos y artistas vivirían intercambiando conocimiento y alimentando su creatividad.

A los 89 años en 1964 Dr. Atl murió. Aunque la muerte le llegó por un paro cardiaco, se cree que éste fue consecuencia de los años que pasó inhalando los humos tóxicos que expedían los volcanes que tanto amaba dibujar.

Las piezas del compositor y divulgador fallecido en 2015 mostrarán la complejidad de sus creaciones musicales, así como la visión poética de su trabajo, explica en entrevista su hijo Germán
JUAN CARLOS TALAVERA. EXELCIOR
A casi un año de la muerte del compositor César Tort (1925-2015), se realizará un concierto-homenaje con 14 piezas poco conocidas de su repertorio y el estreno de la pieza Dame al niño, las cuales mostrarán la complejidad de la música que compuso para público adulto, así como la visión poética de su trabajo, explica Germán Tort, hijo del compositor mexicano fallecido en septiembre de 2015.
El homenaje se llevará a cabo el 23 de abril a las 18:00 horas en el Centro Universitario Cultural (CUC), con solistas del Conservatorio Nacional de Música y el Coro del Instituto Artene. Además, adelanta que la mayor celebración del compositor conocido por crear el Método Tort se realizará la primera semana de diciembre, cuando se efectúe el estreno mundial de El oratorio a Bartolomé de las Casas, obra en la que el músico trabajó los últimos 10 años de su vida. Ésta será estrenada en la Sala Principal del Palacio de Bellas Artes, en la interpretación de la Orquesta Sinfónica Nacional (OSN) y los coros de Bellas Artes.
“Ésa fue la última obra que mi padre hizo para orquesta, coros y solistas. Poco antes de que falleciera la revisamos juntos, la pasamos a computadora y Bellas Artes nos ha dado la noticia de que ha sido programada para la primera semana de diciembre con la OSN”, detalla.
Otra de las noticias que Germán Tort dará a conocer en los próximos días es la conclusión de los trabajos de ampliación del Instituto Artene y la construcción de su auditorio, con recursos asignados por la Cámara de Diputados y el entonces Conaculta, que estarán listos en este año, además de la creación de una fundación que se encargará de la administración y el destino de este espacio dedicado a la iniciación musical.
“Por ahora dirijo Artene, donde tenemos muchos maestros formados, y estamos por terminar el auditorio y las aulas extra. Sigue creciendo, pero la idea en el futuro es dejar la institución ya no en manos de los Tort, sino de una fundación de educación musical para que continúe.”
Sobre el concierto del 23 de abril, Germán Tort destaca que gran parte de las piezas que serán interpretadas las alcanzó a revisar con su padre. “Además de ser pedagogo y creador de música para niños, él tuvo una trayectoria como compositor, al punto en que hace algunos años le reestrenaron su Cantata a Morelos con la OFUNAM en 2013”.
A partir de la revisión de la música de cámara del compositor, enlistaron una parte de las obras que hacía mucho no se tocaban. “Pero no pudimos hacer el concierto antes de que falleciera. Por eso en este recital reunimos algunas de esas piezas, que son para voz con piano, dúos con piano y arpa”.
El repertorio incluirá algunas de esas piezas casi desconocidas como: Belén se llama la calle, Ístmica, Hazme llorar con poema de Ramón López Velarde, Un mundo sutil con poema de Leopoldo Hernández, Yo me quería casar y Suite breve.
Además del estreno mundial de Dame al niño con texto del oratorio La Santa Furia, Flor que llora con poema de Federico Escobedo, Volved a hablar con poema de Carlos Pellicer, Alba Misa y El amor es la vida, donde participarán las sopranos Liliana Cervantes, Michelle Fox, María Anaya, Isabel Sosa y Cecilia Eguiarte; las mezzo Gabriela Gómez y Jacinta Barbachano; el tenor Roberto Cortés, los barítonos Edson Cornejo y Héctor Cisneros; y los pianistas Fernando Núñez, Horacio Flores y Germán Pérez Tort, bajo la dirección del propio Germán Tort.
“Debo decir que este programa refleja la historia musical de César Tort, en particular su trabajo como compositor de música de cámara, pues hemos incluido piezas que recogieron cierta influencia española. También tenemos obras con influencia de Stravinski y Debussy, así como otras piezas donde vertió ese lenguaje mexicano contemporáneo, donde utilizó poemas de autores mexicanos.”
Esto quiere decir que el homenaje mostrará algo de su vida e imágenes de infancia e influencias. “Y aunque mi padre es recordado por su método de enseñanza musical, queremos mostrar que también tuvo trabajo muy amplio con música de otras características”.
Esto es importante decirlo, apunta, pues la música que compuso para niños evidentemente sacrificó aspectos del lenguaje musical para ser interpretada. Sin embargo, las piezas del homenaje mostrarán su libertad y su poesía. Cabe señalar que este homenaje también estará dedicado a Corina Tort, hija del compositor y hermana de Germán, quien falleció hace un par de meses mientras trabajaba en la compilación y clasificación de la obra completa de su padre.
Germán dice que sólo queda pendiente la compilación de la obra completa de su padre, el acercamiento de esta obra a los estudiantes de instituciones como el Conservatorio y la creación del Fondo Bibliográfico César Tort en la biblioteca del Instituto Artene.
¿DÓNDE Y CUÁNDO?
El concierto homenaje a César Tort se llevará a cabo el sábado 23 de abril, a las 18:00 horas, en el Centro Universitario Cultural (CUC). Odontología 35, Copilco.