Cultura y Espectaculos

Pedro Netzahualcóyotl Nava, de Contla de Juan Cuamatzi, obtuvo el primer lugar con un sarape fino en lana adornado con iconografía tlaxcalteca del siglo XVII en el “Gran Premio Nacional de Arte Popular 2018”
Mi pieza es un sarape fino del siglo XVII, es una pieza con elementos tradicionales de Tlaxcala, tratamos de buscar la identidad. Por primera vez me atreví a poner los colores más sutiles, más tranquilo y combinar materiales de más calidad y pues mira, me resulto, “Nacimos entre telares” dice Pedro reconociendo la labor de su madre quien los cargaba en la espalda mientras tejía, “el cariño por herencia se trae” - agrega- y con sencillez, orgullo, cariño inspecciona en sus recuerdos para mencionar las enseñanzas de su familia a quienes considera los mejores maestros.
Compañeros puedo decir que es mi hermana Leonor, mi hermana Marina también es su alumna, es mi compañera, igual aprendo mucho de ellos, mi maestra se llama Ignacia Nava Bautista, la señora es mi madre, el señor Claudio Netzahual Bautista, el señor es mi padre y el que me ha guiado, me ha levantado de las caídas, me ha guiado por buen camino Ignacio Netzahualcoyotl Nava 3:16 Desde hace 5 años día a día, explora y entrega su alma al arte textil, ha obtenido otros premios a nivel regional, estatal y ahora nacional.
Mi pieza es un sarape en corto 90 x 1.80, el fondo es blanco con matices azules, la gama de azules añiles, creo que aquí el añil es favorito de la casa y por primera ocasión le puse oro a mi pieza, oro no recuerdo los kilates entre 14 y 18 no sé exactamente pero realmente estoy orgulloso de lo que hice, me encantó mi trabajo.
El diseño de la pieza es un rescate, un diamante del siglo XVII adicionado con variaciones circulares, recortes y matices de saltillo, enfocado a la identidad de Contla y Tlaxcala, pieza valorada en el mercado en 50 mil pesos.
Pedro Netzahualcoyotl señaló finalmente que el premio es un incentivo para seguir adelante, prepararse y mostrar sus obras, el amor al arte textil

Fabiola Palapa Quijas
Periódico La Jornada
Federico Ibarra (Ciudad de México, 1946), uno de los compositores más importantes de la música mexicana, presentó este sábado, en la sala Manuel M Ponce del Palacio de Bellas Artes (BA), sus producciones discográficas Música de cámara y El pequeño príncipe.

El primer registro presenta algo de la producción de música de cámara del compositor mexicano, mientras el segundo contiene la ópera El pequeño príncipe.

En ese acto, el músico Alonso Illades comentó que el disco Música de cámara de Federico Ibarra muestra una etapa un poco distinta de la que se conoce del maestro, allegada a las vanguardias de la segunda mitad del siglo XX, a vanguardias de música aleatoria y de una forma de escribir música distinta, y esto tiene un énfasis compositivo distinto; un acercamiento a la música y a la forma de componer muy distinta, que tiene una particularidad tímbrica.

Para Illades, Ibarra posee una forma muy particular de componer, ya que su esencia no desaparece jamás, y esto lo podemos empezar a escuchar desde la primera nota. También mencionó que Ibarra siempre se ha preocupado por grabar sus discos con la mejor calidad de intérpretes y de sonido.

Eclecticismo

El disco es bastante ecléctico, tiene un poco de muchas cosas. Las piezas que lo integran son de etapas muy distintas. Tenemos piezas de 1964 hasta 2009, y hay una homogeneidad en la escucha bastante bien formada; esto se debe a que el orden de las piezas fueron escogidas quirúrgicamente, indicó Illades.

El compositor Jorge Vidales, quien también participó en la presentación, explicó que las sonatas de Ibarra fueron escritas con gran oficio y logran incorporar la tradición con la modernidad. Federico Ibarra hace gala de su riqueza expresiva y de sus dotes idiomáticas para los respectivos instrumentos a las que están dedicadas. La grabación de estas sonatas es motivo de celebración para la música mexicana.

Tras finalizar la intervención de Vidales, se contó con la participación musical del violinista Cuauhtémoc Rivera, quien interpretó una de las sonatas que se incluyen en el disco Música de cámara.

La dramaturga Verónica Musalem, quien ha trabajado como libretista con Ibarra, dijo de El pequeño príncipe: el maestro nos introduce en la narración y el conflicto del pequeño príncipe confrontado por personajes o alegorías que le muestran un mundo sin música.

La presentación terminó con la interpretación de los Cinco manuscritos pnakóticos a cargo de Rivera y de la pianista Yolanda Martínez.

Camila Martínez
«La música expresa aquello que no puede decirse con palabras pero no puede permanecer en silencio» Victor Hugo, novelista francés (1802- 1885)

Notas, unidad de la música.
Las notas musicales son el concepto básico e indivisible con el que se evoca al sonido y la música, cada una representa una sonoridad determinada por su frecuencia constante. A su vez, estos elementos mentales tienen una representación gráfica, y es a partir de ellas que se pueden construir melodías y armonías.

Cada una de las notas escritas en el pentagrama significa un sonido distinto y, al sumarlas, se articula una tonada más compleja y duradera. La música es un concepto abstracto, pero su representación en pentagramas funciona como cualquier lenguaje que permite a quien lo conoce leer, escribir y comunicar a otros sus ideas.

Se estima que la historia occidental de la notación musical se remonta hasta hace aproximadamente dos mil trescientos años, desde los primeros símbolos alfabéticos utilizados en el mundo griego, hasta las más recientes propensiones de representación abstracta surgidas en el siglo xx.

La notación de la música a través de los años ha sido un reto en gran medida complejo, pues no sólo debe indicar la altura de los sonidos sino también otros elementos musicales como la duración, el tempo, intensidad sonora, carácter, articulación, básicos para generación de melodías.

Resulta sumamente interesante estudiar la evolución de la nomenclatura musical, en especial cuando esta ha sido influenciada no solamente por cuestiones artísticas, sino también por los fenómenos políticos, sociales y religiosos de las zonas en las que se producen; trasluciendo, quizá de forma involuntaria, el sentir y la reacción de los artistas de aquella época. Un ejemplo podría ser la transición de la notación griega a la bizantina.

Después de la fragmentación del Imperio Romano en el 330, el Imperio bizantino estableció su capital en Constantinopla, cortando por completo sus relaciones de vasallaje político y religioso con Roma.

Esta ruptura se vio reflejada en las expresiones artísticas de los habitantes de la antigua ciudad de Bizancio donde, a pesar de que ambas notaciones tenían una base griega, a través de la exacerbación de características individuales los constantinopolitanos buscaron diferenciarse de la tradición romana.

Gran parte de la disimilitud entre las notaciones romanas y bizantinas se debió a la incorporación de elementos orientales que no formaban parte del antiguo lenguaje musical en occidente. Así como que -a diferencia de la romana- la notación bizantina estaba pensada únicamente como una ayuda para la memoria, por lo que la transmisión de sus cantos se realizaba de forma oral a través de signos ecfonéticos y neumas1 Signos que no designan alturas de sonido fijas, sino los intervalos entre los que cabe el sonido así como los ritmos y las maneras de ejecutarlos los cantos.

Existen siete notas musicales: Do-Re-Mi-Fa-Sol-La-Si, a esto se le conoce como una escala musical que se representa comúnmente en el pentagrama. El origen de los nombres de las notas está en la notación de Al-Mamún e Ishaq Al-Mausili alrededor del año 800, donde se utilizó el alfabeto árabe para nombrar cada uno de los sonidos.

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El pentagrama
El nombre tiene su origen etimológico en el griego: πεντα, «cinco, y γράμμα, escritura, dibujo, línea. Describe el lugar que el sistema de notación musical en Occidental dispone para representar por escrito las notas y el resto de los signos musicales. Está formado por cinco líneas horizontales, rectas y equidistantes y cuatro espacios entre ellas.

El uso del pentagrama se originó en la Edad Media a partir del canto gregoriano. Hasta ese momento se había resuelto la representación de la altura a través de la conjunción de diversos símbolos en el texto. Sin embargo, después, cuando se comenzaron a escribir los cantos, se optó por emplear líneas para personificar la altura y los signos pueden ser colocados dentro, por encima o por debajo del pentagrama. Los principales signos representados son las notas musicales, los silencios, la clave, la armadura, el compás, el tempo y el carácter.waltz-1600

Como mencionamos anteriormente las notas musicales se representan por escrito mediante figuras que indican la duración del sonido, y su ubicación en una línea o interlineado determinan su altura. De esta forma, la cabeza de nota puede ser colocada sobre una línea, es decir, con el centro de su cabeza tocando una línea; o bien entre las líneas, sobre el espacio en blanco y apenas tocando las líneas superior e inferior.

Las líneas y espacios se numeran de abajo hacia arriba, la línea más baja es la primera línea y la línea superior es la quinta línea. Hay ocasiones en las que la melodía exige más líneas que las que cubren el pentagrama, estas se colocan sobre líneas que se dibujan por encima o por debajo del pentagrama original según sea necesario.

La altura absoluta de cada línea está determinada por un símbolo colocado al principio del pentagrama: la clave. Identifica una línea en particular como una nota específica y todas las demás notas se determinan en relación a esa línea. Por ejemplo, la clave de sol indica que en la segunda línea se sitúa la nota sol por encima del do central y esto rige el valor del resto de los símbolos sobre las líneas. Una vez establecidas las alturas, pueden ser modificadas mediante un cambio de clave o a través de signos de alteración a notas individuales. Un pentagrama sin clave simboliza un instrumento de percusión, cada línea suele representar un instrumento diferente.

La música y las matemáticas
Ambas disciplinas están estrechamente relacionadas en su estudio, necesitamos matemáticas para las afinaciones, la disposición de las notas, los acordes, armonías, el ritmo, el tiempo y, por su puesto, para entender la notación musical, sin los límites de la estructura rítmica la música sería imposible.

Son los seguidores de Pitágoras en la Grecia antigua quienes analizan por primera vez las escalas musicales en tanto a su proporcionalidad numérica. Ellos defendían que «toda la naturaleza consiste en armonía que brota de números». No es coincidencia que en la Inglaterra antigua la palabra «rima» derivada de «ritmo» fue asociada y confundida con «número» de «rin» – y el uso moderno musical de términos como «métrica» y «medida» también reflejan la importancia histórica de las matemáticas en la música, la pintura y la literatura.

Por sí solo el sonido es matemática en tanto a que es la percepción física que tiene el oído de las vibraciones, así todo sonido que los humanos distinguimos vibra en una frecuencia entre los 20 y 20.000 hercios —1 Hz= 1vibración por segundo—. Por su parte, las notas musicales se caracterizan por ser sonidos que radican en los intervalos de las frecuencias armónicas. Por ejemplo, la nota LA corresponde a una frecuencia de 440 hercios.

La suma de los sonidos es directamente proporcional a su armonía, esto quiere decir que entre más simple sea la relación mayor será la consonancia entre ellas. Así pues, dos notas separadas por una octava están en relación de 2:1 siendo ésta la mayor consonancia. Por el contrario, las relaciones complicadas dan lugar a disonancias como por ejemplo un intervalo de 7ª DO-SI.

La autora Jennifer Clement revela a Excélsior que le tomó una década traducir La suave patria, el poema canónico de Ramón López Velarde
JUAN CARLOS TALAVERA
Traducen al inglés alma mexicana
Clement es mexico-estadunidense. En 2015 se convirtió en la primera mujer presidenta de PEN International desde que se fundó la organización en 1921.
CIUDAD DE MÉXICO.
La suave patria, de Ramón López Velarde (1888-1921), desembarcó en tierras inglesas bajo el título de The Soft Land, la más reciente traducción del poema que preserva la esencia del alma mexicana, para celebrar el 130 nacimiento del poeta jerezano que se cumple el próximo viernes.

La edición bilingüe (inglés-español), publicada por el sello Shearsman Books, fue traducida por la autora mexico-estadunidense Jennifer Clement, quien tardó una década para lograr una versión que sortea las acrobacias de la rima en español. También está ilustrada por el Nuevo biombo de la Conquista, de Gustavo Monroy, y acompañada por un ensayo de Luis Miguel Aguilar.

En dicho texto, Aguilar —ganador del premio del Festival Internacional de Poesía Ramón López Velarde 2014— escribió que este poema “repleto de mujeres” se escucha como un rezo o un conjuro, que mantiene la versión de Clement, cuya eficacia en inglés no habría disgustado a Jorge Luis Borges.

Y recuperó lo que Villaurrutia pensaba sobre el poeta zacatecano: “En la poesía mexicana, la obra de López Velarde es, hasta hoy, la más intensa, la más atrevida tentativa de revelar el alma oculta de un hombre; de poner a flote las más sumergidas e inasibles angustias; de expresar los más vivos tormentos y las recónditas zozobras del espíritu ante los llamados del erotismo, de la religiosidad y de la muerte”.

FASCINACIÓN Y ACROBACIA

La primera traducción de La suave patria fue hecha en 1995, por Margaret Sayers Peden, y circuló de manera moderada. Así que The Soft Land será la segunda oportunidad para este poema y un nuevo acercamiento al también autor de Zozobra y La sangre devota.

“Lo que más me sorprende de esta poesía es el atrevimiento de sus metáforas, la acrobacia y la carga simbólica y profunda de sus palabras. Para mí, López Velarde es genial y sorpresivo. Me enamoré de su poesía cuando leí su poema Tus dientes”, dijo Clement a Excélsior.

“También estoy fascinada con su mito personal y la existencia de Josefa de los Ríos, a quien el autor llamó Fuensanta; me fascinó su foto y saber toda la poesía que construyó gracias a ese ser, más allá de su amor a la provincia, el cual comparto”, añadió la traductora.

¿Cómo fue el proceso de traducción?, se le preguntó. “Me tomó 10 años. Lo intenté una vez y lo abandoné, volví a intentarlo y lo abandoné; es un poema de una acrobacia tan inusual como única. No fue fácil. Además, hoy existe un mayor interés por este poeta fuera de México debido a que hay un antes y un después en la poesía mexicana con López Velarde”.

¿Qué hace a este poema tan atractivo? “No sólo era traducirlo, sino que fue una labor por conocerlo profundamente. Algo que me atrae de López Velarde es su mundo de mujeres, algo que también está en mi trabajo narrativo, y para eso también podemos leer otros poemas como La tejedora, Mi prima Águeda, La doncella verde y La dama de los guantes negros.

¿Por qué es tan poco conocido fuera de México? “No es por falta de interés; es que es muy difícil de traducir. Ojalá esta traducción ayude. Lo que asombra de México es que autores, críticos, poetas y periodistas están enterados de quiénes fueron Wisława Szymborska, Walt Whitman, Rimbaud y todo lo que sucede en la literatura del mundo. Pero si vas a Inglaterra o a Estados Unidos... nadie te puede hablar de Villaurrutia o López Velarde”.

ECOS Y RIMAS

Uno de los mayores retos de esta traducción fueron las rimas perfectas del poeta zacatecano, reconoció Clement. “Es cierto que La suave patria depende mucho de sus rimas, pero mi traducción está más al servicio del sentido que de la rima. El reto fue descubrir la manera de asimilar esa acrobacia en español, con sus imágenes extrañas y rimas perfectas. ¿Cómo crear ese contenido juguetón en inglés sin reproducir las rimas?... como traductora ese fue el reto más grande”, dijo.

¿Ha hallado ecos de La suave patria en la poesía inglesa? “Me han dicho que este poema recuerda a otros dos de Whitman —quizá pudo leerlos—, y me refiero a: I Hear America Singing (Escucho a América cantar), que es también un poema patrio, y Song of Myself (Canción de mí mismo), con el cual podría entablar un diálogo; además de La tierra baldía de T. S. Eliot”.

¿Faltan poetas mexicanos por conocerse en inglés? “¡Falta que muchos grandes autores mexicanos lleguen ahí! Se conoce a Sor Juana hasta cierto punto y a Octavio Paz, aunque más por sus ensayos, a Juan Rulfo y a Carlos Fuentes, pese a la riqueza literaria de México”.

ESPEJO ROTO

Para ilustrar The Soft Land, Clement pensó en el Nuevo biombo de la Conquista, del pintor Gustavo Monroy, pieza creada en 2012, que reinterpreta el Biombo de la Conquista, obra anónima del siglo XVII que se expone de manera permanente en el Museo Franz Mayer.

En entrevista por escrito, Monroy reconoció que la imagen del biombo original le recordó el poema de López Velarde, el cual observó como una suerte de espejo donde los mexicanos pudieron reflejarse. “Primero pensé que esa visión idílica de la Ciudad de México se puede ver en la versión original, que me recordaba al poema de López Velarde, en contraste con la otra cara del Biombo que es sumamente violenta por los hechos históricos ahí representados”.

Reconoció que La suave patria pudo ser el espejo donde alguna vez los mexicanos pudimos vernos... el cual se ha roto para siempre. Tal vez ese espejo, ahora negro como la obsidiana, es el agujero negro de esta violencia infernal”, concluyó.

LA SUAVE PATRIA (FRAGMENTO)

Proemio

Yo que sólo canté de la exquisita

partitura del íntimo decoro,

alzo hoy la voz a la mitad del foro

a la manera del tenor que imita

la gutural modulación del bajo

para cortar a la epopeya un gajo.

Navegaré por las olas civiles

con remos que no pesan, porque van

como los brazos del correo chuan

que remaba la Mancha con fusiles.

Diré con una épica sordina:

la Patria es impecable y diamantina.

Suave Patria:

permite que te envuelva

en la más honda música de selva

con que me modelaste por entero

al golpe cadencioso de las hachas,

entre risas y gritos de muchachas

y pájaros de oficio carpintero.

El fotógrafo presenta el libro-catálogo Hacer el cuerpo, título del mismo nombre de su exposición montada en Tijuana
Daniel López Aguilar

Periódico La Jornada
El compromiso profesional de un retratista no debe reducirse a capturar una simple imagen, sino a valorar la enorme tradición que tiene en sus manos: incluso un par de imágenes pueden formar parte de una ‘‘memoria histórica mundial”.

Así lo expresa el fotógrafo Rogelio Cuéllar (Ciudad de México, 1950), quien ayer presentó su obra más reciente Hacer el cuerpo: colección Rogelio Cuéllar, en el auditorio Adolfo Best Maugard, del Museo Nacional de Arte (Munal).

En entrevista con La Jornada, el también promotor cultural refiere que el eje del libro-catálogo propone una forma alterna de entender las correspondencias entre la obra de arte (orientada al coleccionismo) y el retrato fotográfico.

‘‘Siempre me llamó la atención la reciprocidad entre el fotógrafo y el sujeto, así como el correlato de su actividad en la captación de la corporalidad. A lo largo de 45 años logré coleccionar miles de piezas, fundamentalmente de intercambio con los creadores.

‘‘La representación del cuerpo humano en las artes plásticas ha tenido una permanencia significativa. Sus interpretaciones suelen ajustarse en términos de clase, identidad, género o incluso en algo más elaborado como alma o espíritu.

‘‘La colección que presento –prosigue– ofrece una revisión que puede mirarse desde diferentes perspectivas, pues las artes plásticas en México poseen múltiples lenguajes en su proceso de creación y término.”

En el libro Hacer el cuerpo: colección Rogelio Cuéllar, publicado por La Cabra Ediciones, se incluyen más de 130 imágenes constituidas por pintura, escultura, óleo, grabado, dibujo y serigrafía de 82 artistas, entre los que se enlistan Gustavo Aceves, Jorge Alzaga, Alice Rahon, Arturo Rivera, Leonora Carrington, Francisco Toledo, Luis Argudín, Santos Balmori y Philip Bragar.

La exposición, del mismo nombre, se aloja en la sala El Cubo, del Centro Cultural Tijuana (Cecut), en 550 metros cuadrados.

‘‘Es un orgullo que a nivel institucional logre circular la muestra. El Instituto Nacional de Bellas Artes (INBA) siempre mostró interés en ella y ahora la cereza del pastel es que tenemos el libro-catálogo’’, celebra Cuéllar.

Foto
▲ ‘‘Siempre me llamó la atención la reciprocidad entre el fotógrafo y el sujeto, así como el correlato de su actividad en la captación de la corporalidad’’, explica Rogelio Cuéllar (con su cámara Hasselblad ‘‘de rollo’’, analógica).Foto Pablo Espinosa
‘‘Una colección cumple su cometido cuando se hace pública y se comparte. Por eso me gustaría llevar la exposición Hacer el cuerpo: colección Rogelio Cuéllar a diferentes plazas de la República Mexicana y el extranjero. Uno de las mejores embajadoras es el arte mexicano (resultado de los creadores).

Respecto de su quehacer estético, el autor explica: ‘‘El cuerpo humano es una de mis pasiones; además del retrato, la fotografía de desnudo es una de las disciplinas que me caracterizan. El cuerpo humano evoca paisajes, secretos, estilos y cualidades.”

Prepara nuevo trabajo

Rogelio Cuéllar adelanta que en su nuevo trabajo también participa María Luisa Passarge, directora de La Cabra Ediciones.

“Invitaremos a 118 artistas, compositores y científicos y les asignaremos un elemento de la tabla periódica. Posteriormente, realizarán una obra plástica. El proyecto ya se registró y estamos en el proceso de las invitaciones. El proyecto se llama Los elementos de la tabla periódica.”

Entre los participantes destacan Luis Argudín, Octavio Moctezuma, Mario Núñez, Gabriel Macotela, Manuela Generali, Arnaldo Cohen, Claudia Gallegos y Guillermo Ceniceros.

‘‘Nosotros les vamos a proporcionar los bastidores (de 60 por 60 centímetros), la técnica es libre para todos los creadores y al final haremos una exposición colectiva.

‘‘El trabajo estará terminado en este año. María Luisa Passarge y yo nos encargaremos de la curaduría.”

En la presentación del libro-catálogo Hacer el cuerpo: colección Rogelio Cuéllar, en el Munal, participaron el autor, Pedro Ochoa, director del Cecut, los curadores Jaime Moreno Villarreal y María Luisa Passarge, mientras Magdalena Zavala, coordinadora nacional de artes visuales del INBA, fungió como moderadora.