Cultura y Espectaculos

Alondra Flores Soto
Periódico La Jornada
Hay un requisito especial para participar en la máxima convención mundial de ciencia ficción y fantasía: ser mexicano. Las reglas son cortas y dulces, así lo dispone el ilustrador John Picacio, invitado de honor este año por la World Science Fiction Convention,
quien lanza la iniciativa Mexicanx con la finalidad de apoyar a 50 personas para que acudan a la edición 76 del encuentro que se desarrollará en San José, California, del 16 al 20 de agosto.

En entrevista con La Jornada, el reconocido dibujante estadunidense sostiene: “Con frecuencia la ciencia ficción puede ayudarnos a imaginar un mundo mejor y prepararnos para cuando es oscuro, justo como ahora. Nos llevará a ser mejores y tener sueños. En este momento se siente la oscuridad y la luz, pero siempre se trata de tomar lo mejor de nosotros mismos para construir el futuro y espero que podamos hacerlo con la iniciativa.

“El mundo necesita más historias Mexicanx, más profesionales y fanáticos mexicanos, y más soñadores (DREAMers)”, lanzó el llamado desde su blog personal el pasado enero para recibir las candidaturas con la finalidad de participar en la reunión anual que desde 1939 convoca a expertos, escritores, artistas y músicos.

Para ser dueños de nuestro futuro debemos serlo de nuestras narrativas, no sea que sigamos siendo malvados, maltratados y asesinados. Es hora de que nos representemos, gente.

Impulsar y compartir un cruce de culturas inclusivo

Ganador en 2012 y 2013 del Premio Hugo, el Óscar de la ciencia ficción y fantasía define Picacio, quien ha trabajado con George R.R. Martin, cuando dibujó al héroe Jon Snow o a la temeraria Arya Stark para portadas y el calendario en 2012 de Una canción de hielo y fuego, de la famosa saga Juego de tronos.

Ambos autores sostendrán el 14 de agosto una conversación pública en el Teatro Fox en Redowood City, California.

Cuando recibió la noticia de ser invitado de honor de la convención tuvo que mantener el secreto. Pero al observar la historia de esta reunión de expertos de ciencia ficción, fantasía y horror advirtió que se trataba del primer mexicano-estadunidense en recibir este honor. “Para mí implica una responsabilidad. Los mexicanos son mi cultura, mi gente y es necesario que estén incluidos en el mainstream”.

Picacio publicó en su perfil de Twitter el patrocinio para dos personas, un profesional y un aficionado. Alguien se ofreció a apoyar dos más, otros también y así fue creciendo una bola de nieve que comenzó a rodar por la colina y se hizo más grande. La cifra llegó a 50 personas, cuya principal característica es tener raíz mexicana.

Nacido en Texas en 1969, antes de responder la primera pregunta, Picacio se disculpa por no hablar español. Orgulloso, relata sus raíces: “Nací y crecí en San Antonio, ciudad muy mexicana. Ambos lados de mi familia tienen estos antecedentes, y aunque fuimos una familia muy americana, nunca olvido mis raíces. Es parte de mi cultura, aunque no hable español.”

Relata que en 2012, cuando ganó el primer Premio Hugo, tuvo ante sí continuar creando portadas para otros autores o sus propias historias con un imaginario personal. El camino ha sido doble.

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El corazón, carta del popular juego mexicano en versión del ilustrador estadunidense John Picacio (San Antonio, Texas, 1969), quien ha creado una Lotería propiaFoto cortesía del artista
Lotería es su trabajo independiente que comenzó en 2014, serie inspirada en el tradicional juego mexicano, con representaciones propias. Por ejemplo, la carta del valiente, típica imagen del macho descamisado y machete en mano, la transformó en La Valiente, mujer de mirada desafiante, empuñando una espada.

Tengo una hija de siete años. Siento que las niñas mexicanas no tienen suficientes figuras fuertes para mirar. No sé si otras chicas se puedan identificar, así que tomó la imagen masculina “very macho” y la convirtió en una guerrera fuerte, inspirado por las Adelitas de la Revolución Mexicana.

Como muchos niños, Picacio creció con ese juego de imágenes, así que decidió crear una propia; un cruce de culturas inclusivo, sin perder el lado muy mexicano porque está en la sangre, pero también para alguien asiático, blanco o de color. Todos pueden ser parte y compartirla con el mundo.

El pasado 26 de abril celebró que se lograron recaudar 15 mil dólares, necesarios para solventar los gastos del medio centenar de invitados mexicanos a los que no sólo se pagará la inscripción a la Worldcon, sino que se apoyará con boleto de avión, hospedaje y comida. Pedimos las contribuciones e hice algunas apariciones en convenciones para mostrar el arte que hago y hablar sobre la iniciativa. Los asistentes han sido muy generosos al dar dinero de su bolsillo para ayudar. A los estadunidenses les interesa la cultura mexicana porque son buenas personas. No todos, pero aún hay de los buenos, celebra entre risas.

Hay un potencial enorme para que los mexicanos brillen

El gobierno de Estados Unidos ha sido muy abusivo con los mexicanos, pero no creo que el país lo sea. Hay muchas personas malas y muchas buenas. Me complace ver que el número de éstas crece, son las que han hecho posible reunir el dinero necesario en tan sólo 30 días, con la generosidad de los fanáticos que deseaban que esto sucediera. Estoy muy orgulloso, apunta Picacio.

Los escritores Alberto Chimal, José Luis Zárate y F.G. Haghengbeck; el dibujante y novelista Bernardo Fernández Bef, y la científica Gabriela Frías, son algunos de los 38 seleccionados cuyos nombres se han revelado hasta ahora, entre autores, editores, ilustradores, divulgadores y fans. Nos dimos cuenta de que necesitamos igualdad en el número de hombres y mujeres. Buscamos una combinación de personas involucradas en literatura, arte, cine y videojuegos, así como un cruce de ciencia ficción y fantasía. He tratado de enfocarme en todo ese espectro.

Todavía falta una docena de participantes por definir. Las solicitudes han sido masivas, aclara. Los interesados han tenido que demostrar un verdadero interés por venir al contestar preguntas básicas, respuestas que ha recibido en su correo electrónico, así como en su perfil de Facebook. Los mexico-estadunidenses necesitan ser representados en la Worldcon. Hay un potencial enorme para que brillen y encuentren oportunidades de desarrollar su trabajo. ¡Creo que representan lo mejor de México!

Pacacio espera tener la lista completa este junio para afinar con cada uno los detalles del viaje y su participación en California.

Carlos Bautista Rojas

Aprender a tocar la flauta, cuando estábamos en secundaria, se convirtió en un anecdotario lleno de saliva, espadazos y sonidos desafinados.

¿Por qué la mayoría de los mexicanos carecemos de formación musical? ¿Qué pasa en la educación secundaria para jamás volver a tener ganas —salvo contadas excepciones— de tocar un instrumento en la vida? Presentamos una breve reflexión sobre estas experiencias.

Tokio, Japón, 1972

Cuenta la leyenda que Luis Echeverría Álvarez, el entonces presidente de la República, al llegar al aeropuerto de Tokio, fue recibido por cientos de niños nipones que interpretaban melodías mexicanas con diversas flautas dulces: barrocas, escolares, de pico...; la misma leyenda afirma que este concierto emocionó tanto al Presiso que instruyó al entonces secretario de Educación Pública para que, a partir de ese momento, en todas las escuelas públicas de México la flauta dulce se convirtiera en el instrumento oficial para la enseñanza musical.

Flauta dulce o muerte
Por supuesto, una instrucción así de arbitraria, sin la menor preparación logística ni docente —¿de dónde se iban a sacar cientos de miles de maestros en educación musical para todas las escuelas del país?— no auguraba nada bueno, pero aquella era la época en que si el mandatario decidía vestir de guayabera en un evento oficial, de inmediato toda la nómina gubernamental aparecía uniformada con la misma prenda y sin el menor cuestionamiento —como ahora el saco y la corbata son de rigor en las ceremonias oficiales, así se trate de la presentación de un libro o de una fiesta infantil.

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«Haiga sido como haiga sido» la orden de que así
 sería la educación musical en México, lo cierto es que hasta la fecha la flauta dulce es el «único instrumento admitido» en esta disciplina, sin importar si algún alumno ya sabe tocar la guitarra, los teclados o algún otro instrumento: «¡Flauta dulce o no entra a mi clase!» —aún recuerdo nítidos los gritos de varios profesores de «educación artística» cuando les argumentaba que ya sabía tocar el piano...

«Heredarás las babas»
Aunque ahora es muy sencillo conseguir una flauta dulce en cualquier papelería, o incluso en el supermercado, hace 40 años era necesario buscar el instrumento en una sucursal Yamaha porque, si uno se atrevía a llegar a la clase con cualquier otra marca, además del consabido regaño, lo único seguro era llevarse algo más que un zape o un jalón de pelo. Las tiendas musicales eran una opción pero, luego de que miles de niños buscaran al mismo tiempo el susodicho instrumento, comenzó uno de los peregrinajes más infructuosos y menos registrados de nuestra historia patria.

En 1965 Torakusu Yamaha —fundador de la marca— comenzó la producción de instrumentos de viento, incluida la flauta dulce.

Por la misma razón que conseguir la flauta era un asunto más de suerte que de recursos, las primeras que llegaron a los salones escolares fueron robadas de inmediato. Las madres de estos niños descuidados decidieron marcar la nueva flauta de su hijo con barniz de uñas para distinguirla del resto... pero al poco tiempo todas las flautas tenían marcas similares. Por ello, las madres llegaron al extremo de grabar las 
iniciales —en algunos casos el nombre completo— de su hijo en la flauta con un cuchillo o un clavo caliente; con el uso, las letras —enormes, burdas, ilegibles— resaltaban debido a la mugre que ya no salía ni limpiándola con alcohol.

Y hablando de higiene, ¿quién no recuerda el bonito momento en que
 la flauta empezaba a chorrear baba —literal— luego de algún rato de uso? Por supuesto: la primera reacción era sacudirla —sin albur— y más de un compañero cercano quedaba atónito preguntándose cómo es que empezaba a llover bajo techo.

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El colmo de la escasez de instrumentos vino cuando 
los estudiantes heredaron la flauta a sus hermanos menores: a las marcas del nombre anterior se añadían los del actual —y así en lo sucesivo, según la cantidad de hermanos que se tuvieran—, pero por más asquerosas que fueran estas manchas, jamás lo serían tanto como la saliva acumulada por los años —¡yerrrghhh!

«¡Hay camotes!»
Los primeros intentos de emitir algún sonido con la flauta dulce eran estridentes y desagradables, más cercanos al silbato del camotero que al concierto que conmovió al presidente; y si esto lo multiplicamos por un promedio de entre 30 y 50 niños por clase, es entendible por qué más de un maestro de educación musical, en su intento de «despertar la sensibilidad artística» de sus alumnos, sólo sintiera despertar un instinto asesino que devolviera el silencio.

El cuerpo de la flauta está construido de resina abs y consta de tres partes —base, cuerpo y boquilla.

Por ello, no faltó el maestro que «prohibiera ensayar en clase»: «Practiquen en su casa; aquí sólo se toca en día de examen»; cuántas personas, de pronto, no vieron perturbado su entorno por un niño que intentaba, una y otra vez, reproducir las primeras notas del «Himno a la alegría» sin hacer sangrar los oídos de sus vecinos. Que no se reportaran de pronto asesinatos de estudiantes en masa es prueba de que los mexicanos «aguantamos vara» —aparte de que nos encanta el escándalo y el ruido.

Días de examen
Como todo «instrumento de aliento» la flauta es un objeto delicado que, si no se limpia, guarda y emplea con sumo cuidado, su sonido se altera. Imagínese
 a qué sonaban esas flautas que se usaban para jugar «espadazos» durante el recreo o las horas muertas, que se desarmaban al chingadazo y que, seguro, muy pocas veces se limpiaban.

A pesar de que las clases eran —en su mayoría, pues
 en algún punto seguro hubo excepciones notables— insulsas y aburridas, limitadas a «copien de la página tal a tal y ensayen en su casa tales canciones», y de que jamás se tomaban en cuenta los gustos musicales de los alumnos —ni por accidente se le hubiera ocurrido a un maestro pedir opinión alguna—, no faltaba el teto, el ñoñazo que hacía todo al pie de la letra y, a pesar de tener todo en contra, aprendía a tocar el instrumento, si no con maestría, sí por lo menos de forma «pasable».

Y a estos ñoñazos —como en cualquier otra materia— se recurría los días de examen para que ellos ejecutaran la melodía a calificar: mientras uno
 simulaba tocar moviendo los dedos, 
quien sí sabía tocar se apiadaba de
 nuestra impericia aprovechando que 
el maestro, harto de oír 30 veces el
«Himno a la alegría», ni volteara a
 ver al alumno en cuestión.

El cuaderno vacío
Un poco menos complicado, pero igual de azaroso, era encontrar el cuaderno pautado cuyo rango de vida era harto predecible: forrarlo del color que hubiera pedido el profesor —entonces libros y cuadernos debían forrarse con papel y plástico—, membretar el nombre del alumno, grupo, grado y materia. Después de tal ceremonia, del cuaderno pautado no llegaba a usarse más allá de su primera hoja —luego de marcar las notas musicales en la escala de sol— y ya. Así que el mismo cuaderno servía para el año entrante: sólo se le arrancaba la primera hoja. Y al año siguiente: lo mismo.

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Ese cuaderno podría ser la prueba pericial de por qué nuestra educación musical es casi nula y por qué jamás pasamos de memorizar una que otra canción como «Martinillo», «Las mañanitas», «Cielito lindo» y, ya los muy doctos, «La marcha de Zacatecas».

La varita a través de la historia ha simbolizado poder y autoridad, ¡conócela!

Es un objeto que simboliza poder y autoridad desde tiempos ancestrales; en pinturas rupestres se pueden ver hombres sosteniendo varitas o bastones de mando. En el Antiguo Egipto también hay vestigios que muestran a sacerdotes con varita en mano, que representaba tanto magia como poder de sanación. Chamanes y líderes religiosos de diversas culturas ostentaron varas o báculos.

En La Odisea de Homero se relata que la bruja Circe usó una varita para convertir a personas en cerdos. En cultos paganos la varita mágica funcionaba como canalizador de la energía de brujas y magos.

Durante la Edad Media, con el surgimiento de la alquimia, la varita mágica se convirtió en un símbolo importante debido a Hermes Trimegisto, figura mítica del hermetismo,
que portaba un caduceo: una vara con dos serpientes enroscadas, coronada por unas alas.
Siempre asociada a la magia, la varita fue adoptada después por los ilusionistas, como Jean-Eugène Robert-Houdin —considerado el padre de la magia moderna— y tomó su aspecto de vara negra y lisa con los extremos blancos.
Ahora, gracias al éxito de libros y películas de fantasía, como la serie Harry Potter, la varita mágica ha cobrado fuerza en la cultura popular, donde retomó su aspecto de vara de madera.

Las hay de todo tipo de materiales y longitudes, dependiendo del ámbito en el que se usen: pueden ser de madera —de sauco es la más valorada— o marfil, de oro, plata u
otros metales e incluso de plástico, en el caso de trucos sencillos de ilusionismo.
El precio dependerá del material y el uso que su poseedor quiera darle. Por ejemplo, el valor de las varitas coleccionables de Harry Potter oscila entre los 500 y los 1 500 pesos mexicanos.

La poeta, novelista y musa mexicana más famosa de mediados del siglo XX fue reconocida lo mismo por su obra que por su belleza
VIRGINIA BAUTISTA
Imágenes: Tomadas del libro Pita Amor. La undécima musa
Imágenes: Tomadas del libro Pita Amor. La undécima musa
CIUDAD DE MÉXICO.
La imagen, y en particular su imagen, fue fundamental para la poeta, novelista y cuentista mexicana Guadalupe Pita Amor (1918-2000). Le gustaba ser vista, que se admirara su belleza, en el cine, en el teatro, en las pinturas que eternizaron su cuerpo desnudo y, hacia el final de su vida, en los retratos que ella misma dibujaba en papeles sueltos.

Mi belleza me la han elogiado más que mi poesía”, le gustaba repetir en público y el privado a la escritora de quien este miércoles 30 de mayo se conmemora el centenario de su nacimiento.

Su belleza la motivó a transformarse de la niña que le tenía miedo a la noche y a la soledad en la joven que practicó como nadie su libertad sexual y, posteriormente, en la mujer independiente que rechazó la maternidad y la anciana que insultaba a los transeúntes de la Zona Rosa.

Autorretrato, 1985.

La autora de Yo soy mi casa, nombre que lleva su primer poemario y su primera novela, fue captada por artistas de la talla de Diego Rivera, Roberto Montenegro, Raúl Anguiano, Juan Soriano y Antonio Peláez, entre otros.

Fue modelo de pintores importantes y ella misma dibujaba. La imagen era vital para ella”, afirma en entrevista Michael Schuessler, quien acaba de publicar el libro Pita Amor. La undécima musa (Aguilar).

Era fácil verla y admirarla, pero difícil estar con ella”, agrega el investigador que la conoció en 1990 y convivió con ella durante la última década de su vida.

El doctor en Lenguas y Literaturas Hispánicas, egresado de la Universidad de California en Los Ángeles, añade que Pita Amor fue “la poeta mexicana más famosa de los años 50”. Pero que la calidad de su propuesta literaria no puede apartarse de la imagen que ella quiso dejar.

Todos recuerdan que Pita acostumbraba recorrer desnuda el Paseo de la Reforma, cubierta sólo con su abrigo de mink, o bailar sobre las mesas de los bares presumiendo su belleza.

Ella inventó un personaje llamado Pita y al final se dejó devorar por él. En los recitales, se presentaba como Pita y decía que leería los poemas de Guadalupe Amor. Había un fuerte contraste entre su persona y su poesía. No te podías imaginar cómo alguien que regresaba de los bares a las cinco de la mañana podía dedicar esos versos a Dios. Ella misma reconocía una división entre su ser y su obra”, señala.

La escritora Elena Poniatowska Amor, sobrina de la autora de Puerta obstinada (1947) y Círculo de angustia (1948), confirma que era vanidosa. “Era muy bonita. Tenía unos ojos enormes y trenzas, se las cruzaba. Era muy vanidosa. Primero hizo cine. Una vez interpretó a un gatito con orejas. Bailaba bien. Era muy segura de sí misma”.

Poniatowska evoca a su tía como una mujer irreverente. “Diego Rivera la pintó desnuda y fue un escándalo. El retrato se presentó en una retrospectiva del muralista. A la inauguración fue Miguel Alemán. Y cuando se paró frente al cuadro, ella le dijo ‘Señor presidente, esto no es un retrato del cuerpo, es un retrato del alma’. Entonces, el presidente le contestó ‘Ay, pues que alma tan rosita tiene usted’, aludiendo al color del desnudo”.

ENTRE POLÉMICAS
La historia de “La undécima musa” comenzó el 30 de mayo de 1918, en la Ciudad de México, cuando la menor de siete hermanos, bautizada como Guadalupe Teresa Amor Schmidtlein, nació en el seno de una familia conservadora. Sus padres fueron Emmanuel Amor Suverbielle y Carolina Schmidtlein García Teruel, ambos miembros de la aristocracia mexicana.

La primera polémica pública de Pita fue a los 18 años, cuando se convirtió en amante de José Madrazo, un rico ganadero de 60 años, con quien mantuvo una larga relación. Se le involucró también en romances con toreros, pintores, artistas y escritores, además de relaciones lésbicas.

Tras su incursión como actriz en el cine y el teatro, disciplinas en las que no tuvo éxito, Pita llegó tarde a la literatura, “pero de manera explosiva”. Un día, a los 27 años de edad, cuenta la poeta en el documental Pita Amor, señora de la tinta americana, de Eduardo Sepúlveda Amor, en una servilleta y con el lápiz con el que se pintaba los ojos escribió: “Casa redonda tenía de redonda soledad...”.

Tras escribir “dos mil sonetos y mil 900 liras”, como apunta en uno de sus poemas, aplaudieron su trabajo literario creadores de la talla de Juan Rulfo, Xavier Villaurrutia, Manuel González Montesinos, José Gaos y su mentor Alfonso Reyes. Fue amiga de Frida Kahlo, María Félix, Gabriela Mistral, Salvador Novo, Pablo Picasso, Elena Garro y Juan José Arreola.

Sin embargo, en su mejor momento enfrentó una desgracia. A los 41 años decidió tener un hijo, Manuel, que nació el 19 de diciembre de 1959; pero se sintió incapaz de criarlo y se lo dio a su hermana mayor. Antes de cumplir dos años, el niño murió ahogado en una pileta.

El trágico accidente “la obligó a un mutismo creativo que duró casi una década”, explica Schuessler. “La muerte de su hijo fue un parteaguas en su vida. Ella se escondió de sí misma, se aisló. Hay un antes y un después”.

Aquí empezó la decadencia de la poeta. Su biógrafo dice que nunca volvió a escribir igual. “Perdió el misticismo y la profundidad. Se ocupaba más de cosas cotidianas”.

Autorretrato. Para Franklin con un beso de Pita, 1991.

Poniatowska lamenta que, en sus últimos años, las calles de la Zona Rosa la vieron envejecer. “Deambulaba vestida de mariposa, de libélula, de Isadora Duncan, envuelta en chales y plumas de avestruz, colmada de joyas, flores artificiales y con la cara pintada como jícama enchilada”.

La poeta terminó en una silla de ruedas, pero conservando intactas la vanidad y la seguridad que la caracterizaron. La autora de Todos los siglos del mundo (1959) está enterrada en el Panteón Francés.

Schuessler, quien ahora trabaja en la relación de Pita con Reyes, pide que se reedite su obra literaria, “no sólo la poética, pues es autora de un libro de cuentos fabuloso, Galería de títeres, y de la novela de vanguardia Yo soy mi casa”. El Fondo de Cultura Económica reeditará este año la novela.

El catedrático de la UAM piensa que Guadalupe Amor, aunque no le gustaba hablar de su pasado, analizó mucho su vida hacia el final de sus días.

Diego Corona

Uno de los cineastas mexicanos más importantes a nivel mundial ha tentado diferentes terrenos de la cinematografía. Y lo ha hecho de forma espléndida.

Guillermo del Toro ha recorrido un camino formidable por el mundo de la cinematografía. Desde su juventud, el confesado frikie digiere y brota fantasía, empapa de su melancolía a los personajes que dota de originalidades. Desentraña su afición, atraviesa pasadizos hacia los escondrijos de su inacabable imaginación, atesora y se sujeta de sus creencias multiformes. De una en especial: los monstruos.

Desde el primer cortometraje que dirigió en 1986 —Doña Lupe—, hasta su último largometraje, conquistador de los Premios de la Academia —La forma del agua—, del Toro ha creado un todo, un universo sobrenatural que no ha hecho más que expandirse con cada minuto de rodaje. Entre sus obras brincan algunas referencias, por lo que podría hablarse de un cine de autor; como pocos lo han hecho, no ha limitado su labor y se ha forjado como creador de sus propias historias.

Una cualidad importante en su carrera ha sido la convicción con la que evita encaminar su temática, escenas y personajes con el objeto de ser taquillero; un ejemplo actual del principio l’art pour l’art . En el mismo sentido de fidelidad a sí mismo, el jalisciense se hace transparente a través de sus personajes fantásticos; en ellos exhibe emociones y peligros muy humanos.

Indiscutiblemente sus obras son dignas de un análisis cuadro por cuadro, pero no cabría tanto jugo en el recipiente moderado que representa este artículo. No obstante, a continuación presentamos a algunos de los más distintivos personajes que han emergido del ensueño, de la imaginación y de la introspección de Guillermo del Toro.

• Jesús Gris: En su ópera prima de 1993 —Cronos—, del Toro opta por recurrir al mito vampírico, pero desobedece a los cánones del mismo. Federico Luppi protagoniza a Jesús Gris, un anticuario que se encuentra con un extraño objeto grabado y bañado en oro. Dicho objeto tiene el poder de otorgar juventud prolongada a quien la active, pero también desarrollará características vampíricas: sed de sangre e intolerancia —no mortal— a la luz. Las únicas dos cualidades clásicas que mantiene el director respecto a estas criaturas. Por otra parte, se entiende que la inmortalidad que reciben no es por un pacto con el diablo, sino se le atribuye a la pieza científica con compleja ingeniería que representa el artefacto. De esta forma, es evidente el carácter antropocéntrico con el que se viste a esta disímil imagen vampírica.

• El Fauno: En El laberinto del Fauno, Ofelia es una niña con la realidad hasta el cuello y atormentada por ello. Repletada de sentimientos y emociones, encontrará en su alucine un tipo de solución, o por lo menos una salida. En él, un hada la dirige hacia el laberinto del fauno, cuya voz —que parece ser transmisora de la verdad— ha de poner en duda todo aquello en lo que ella cree y los principios que ha seguido a lo largo de su vida. Una criatura tosca que representa un guía espiritual para Ofelia, ante los problemas familiares —varios provocados por la situación del fascismo español— que la acongojan. Este personaje tiene todas las características del «monstruo», pero no el papel de uno, sino todo lo contrario.

• Hell Boy: En 2004, pudimos ver a otra figura antiquísima cuyas características milenarias fueron removidas. Un personaje que del Toro tomó prestado de un cómic del estadounidense Mike Mignola. Hellboy es un satán que vino a la Tierra por obra de los nazis de la segunda guerra mundial, quienes pretendían encontrar la ayuda de un demonio y así resultar victoriosos en el conflicto mundial. Lo único que consiguen es traer a un bebé colorado con características demoniacas. Crecerá para disfrutar de los puros y con los cuernos limados —representando su anulada maldad— servirá a una organización ultra-secreta para combatir con las criaturas paranormales.

• El hombre-pez: En La forma del Agua, del Toro retoma una figura protagonista en la historia de Maurice Zimm que apareció en la pantalla grande por el año de 1954: El monstruo de la Laguna Negra, dirigida por Jack Arnold. El romance entre el mitad hombre, mitad pez y Eliza Esposito —muda—, está rodeado de personajes tan vulnerables —para la época— como ellos; Zelda es de piel negra y Giles es homosexual. En este relato, el mexicano carga de humanidad y sentimiento al «monstruo», y de actitudes amenazadoras a las personas. En este caso, es Richard Strickland, obstinado en utilizar a la criatura con fines científicos, a costa de la libertad y vida de la misma.

• El hombre pálido: Se trata de uno de los personajes más grotescos de del Toro, que también forma parte del relato de El Laberinto del Fauno. Tiene la piel flácida y flácida, los ojos en las palmas de las manos que terminan en uñas negras y puntiagudas, en las palabras del director mismo:
«El hombre pálido representa toda la crueldad institucional que se alimenta de los indefensos. No es accidental que sea a) Pálido, b) hombre».

Ofelia debe visitarlo como prueba impuesta por el Fauno, quien le advierte no comer nada del banquete al que seguramente estará expuesta. Ella lo desobedece y come una uva, aludiendo a la condena que Perséfone tuvo que padecer por comer de la granada de Hades. Es el clásico monstruo devora-niños, pero con un trasfondo más metafórico.

Se requerirían muchos párrafos más para cubrir toda la lista de creaciones de Guillermo del Toro. ¿Cuál es tu personaje favorito?