Cultura y Espectaculos

La jornada
El centenario del natalicio del pintor Ricardo Martínez (1918-2009) se cumplirá el 28 de octubre de 2018; de allí que la fundación que lleva su nombre ya prepare una serie de actividades que incluyen un proyecto editorial y un par de exposiciones.
Zarina Martínez, hija del artista, expresa en entrevista con La Jornada que se planea un libro conmemorativo diferente a otros que se han editado sobre mi padre y su obra, en la medida que presenta aspectos hasta ahora poco conocidos, de un enfoque quizá más personal. También pretenden reproducir imágenes inéditas.
Otro eje del homenaje son las exposiciones. Hay una propuesta del Instituto Nacional de Bellas Artes (INBA) para montar una muestra en las salas Paul Westheim y Justino Fernández del Palacio de Bellas Artes, de julio a finales de octubre de este año. Dado las reducidas dimensiones de las salas, y en vista de que la obra de Martínez es de formato grande, “pensamos hacer un guión expositivo que sería para obra inédita, desde sus inicios hasta sus últimos trabajos.
Aunque se trate de una exhibición pequeña, queremos que sean cosas muy bien escogidas, que el público no conoce, para darle un giro más personal con algunos objetos, fotografías y cartas, que den una imagen de la persona detrás del artista.
Proyectos
La fundación espera concretar un proyecto con Fomento Cultural Banamex para exposiciones itinerantes en sus casas señoriales en distintas partes del país. También prevé que Canal 22 se interese en hacer un documental y tras conversaciones con la Secretaría de Cultura federal se efectuaría un homenaje en la Sala Ponce del Palacio de Bellas Artes. La entrevistada manifiesta la necesidad de que los jóvenes se familiaricen con la obra de Ricardo Martínez y que se publiquen nuevos enfoques sobre su producción: Aunque existen muy buenos ensayos, es necesario que historiadores del arte más jóvenes traten de estudiarlo.
Otro proyecto para 2018 sería subir a la red el catálogo razonado de obra aún en proceso. En este momento no les parece factible editarlo porque seguramente hay coleccionistas que al enterarse querrán registrar su obra. Tenemos más de mil 600 obras con registro y siguen apareciendo en los lugares más inesperados, como Moscú, España y Francia. También están en pláticas con el Instituto de Investigaciones Estéticas de la Universidad Nacional Autónoma de México para ser parte de otro catálogo que allí se elabora.
–Hay muchas copias, sin embargo son muy fáciles de detectar. Tiene mucho que ver con la técnica, el tipo de tela; incluso el tipo de montaje en los bastidores dice mucho. Es muy posible que haya telas que se desmontaron y volvieron a montar en bastidores nuevos, no obstante nos es fácil detectar qué tipo de grapas usaron. Desde luego la forma de las figuras es inconfundible; es decir, nos han llevado cosas a autentificar que hemos tenido que rechazar porque es evidente que son copias. Parecen pancartas políticas más que cuadros. Hemos tenido que pedirles a algunas casas de subastas que retiren obras atribuidas a Ricardo Martínez que no tienen nada que ver con su estilo ni sus temas.
Sobre el Centro Cultural Ricardo Martínez que en algún momento se pensó instalar en el edificio del otrora Cine Variedades, la entrevistada explica que “por desgracia ese proyecto murió con el cambio de gobierno. A pesar de que intentamos establecer contacto con el nuevo gobierno de la ahora Ciudad de México, nunca obtuvimos respuesta. Parecía como si el proyecto nunca hubiera existido. No he vuelto a ver el lugar, sin embargo, cuando estuve en marzo el cine seguía abandonado, lleno de grafitis.
De repente hay discusiones sobre qué se va a hacer. Todo quedó flotando en el aire y nunca pudimos obtener respuesta de las autoridades. Con el cambio de gobierno de Marcelo Ebrard las personas involucradas en el proyecto se fueron. No hubo continuidad, lo cual es lamentable porque a mi padre le interesaba mucho poner su obra en un centro cultural con su nombre. Incluso tenemos la maqueta del lugar exhibida en la exposición montada en el Museo de la Ciudad de México en 2011. Sí hubo cierto avance en el proyecto, sin embargo no sabemos hasta qué punto éste era virtual.

Excélsior
CIUDAD DE MÉXICO.
El Estado como editor de libros es un mal necesario. Sin embargo, lo mejor sería que el Estado realizara acciones para favorecer la participación de instituciones académicas y de la iniciativa privada, aseguró el editor Tomás Granados Salinas, director del sello Grano de Sal y autor de Libros, donde compila una historia mínima sobre el libro impreso, desde el amoxcalli o biblioteca prehispánica, hasta las ferias del libro de nuestro tiempo.
“Lo ideal es que el Estado deje de ser editor y realice acciones para favorecer la iniciativa privada e instituciones académicas que cumplan con la función que hoy nadie más hace. Lo ideal es que el Estado invirtiera en una suerte de infraestructura para fortalecer la publicación y la circulación”, detalló a Excélsior.
Y aunque algunas de sus librerías Educal funcionan de esta manera, ya que son una inversión donde se pierden recursos que ofrecen un punto de venta en cierta población donde no hay otra, “yo creo que ese punto de venta podría generar una pequeña comunidad lectora y el triunfo de esa política pública sería que la librería cerrara porque ya hay un inversionista privado que decidió abrir una librería. Lo ideal es que la acción del estado se dé donde nadie más hace, pero encauzada a producir condiciones que otros pudieran tomar... y luego desaparecer”.
Otra acción gubernamental que se podría considerar, añadió, es el subsidio en el envío de ejemplares por correo, a través de mensajería, “de tal suerte que esa acción beneficie a las librerías de Chiapas, a las que les resultaría barato recibir los ejemplares en el lugar donde se necesitan”.
¿Se debería revisar el modelo de producción de los libros de texto gratuito a nivel primaria? “Creo que debería suceder lo mismo que ya ocurre con los de nivel secundaria, donde el Estado crea las condiciones para que sean gratuitos para los alumnos, los cuales ya no son editados por el Estado. La política debería ser hacia dejar de ser cada vez más editor, favoreciendo las condiciones para que haya otros editores”.
¿Por qué? “Quizá la acción gubernamental no tiene que ser publicar y abrir librerías en Chiapas, sino encontrar ese engrane donde haya un tercero al que se beneficie. Pero en fin, esa es una opinión mía. Lo que queda claro en Libros, desde el capítulo de los códices hasta el Estado editor, es que la incidencia del Estado en la situación del libro en México es total... es el protagonista”.
¿Es una herencia prehispánica? “Los códices eran obras hechas, la mayor parte, por autoridades pero eran para registros estatales y religiosos. Más tarde el estado novohispano participó en la censura del libro, después promovió las leyes en defensa del derecho de autor. En suma, el Estado ha sido esencial y ha acompañado la historia del libro”.
¿Consideras que el Estado como traductor de obras literarias hace lo suficiente mediante su Programa de Apoyo a la Traducción (Protrad)? “Considero que no se hace lo suficiente en materia de traducción. Y aquí hay un tema que tiene que ver con la política pública respecto de la lengua, no sólo de la industria editorial, sino cuál es el papel del español de México en el mundo. Uno puede limitarse a que sea nuestro y a defenderlo del inglés. La pregunta es: ¿por qué no convertir nuestro español en moneda corriente? ¿Por qué el español mexicano no vuelve a ser el canal, como lo fue entre los años 30 y 50, donde las traducciones de obras esenciales se hicieron en el español mexicano? Ahí tenemos otro campo de oportunidad”.
Libros forma parte de la serie Historia Ilustrada de México, coordinada por el historiador Enrique Florescano, aunque la idea original nació hace casi un lustro, cuando Granados Salinas pensó este libro para la serie Biblioteca Mexicana, que coordina Florescano.
El volumen consta de cinco capítulos: Viejos libros de aquí y de allá; Cosa muy útil y conveniente; Cajones, portales, mesas, sitios electrónicos y stands; De la censura a las regalías; y El Estado editor, acompañado por una nota introductoria, una breve presentación e ilustraciones, grabados y fotografías poco conocidas.
¿Cuál es el planteamiento central de Libros?, se le preguntó a Granados Salinas. “El planteamiento del libro es: un editor de hoy trata de dar respuestas históricas a ciertos problemas que tienen una explicación de siglos. Pero mi conclusión, como autor, es que el libro podría servir para renovar nuestro optimismo por el futuro”.
¿Cómo renovar el optimismo en un país con pocos lectores? “Todo diagnóstico que se haga de la industria actual del libro habla de crisis. Tenemos pocos lectores, poco dinero, los libros son caros y no hay suficientes puntos de venta. Uno puede arrancar con ese diagnóstico desolador y quedarse abatido, pero quisiera que este libro nos mostrara las transformaciones en beneficio del libro a lo largo de siglos porque estos cambios no han ocurrido rápido. Hoy podemos preguntar: ¿Estamos bien ahora? No, pero estamos mejor que nunca”.
¿Qué nos hace falta? “Veo un terreno para el optimismo. Uno puede ver las cifras y decir que esto es imposible y que la tarea nos rebasa a todos. Pero tenemos un gran margen de maniobra en el que se puede ir ganando paulatinamente decenas de miles de lectores”.
En esta recuperación sobre la historia del libro, Granados se sorprendió en dos momentos. Primero al descubrir una imagen de la librería Murguía, que data de principios del siglo XX, donde se observa un diseño similar al de una botica, donde los lectores porfirianos compraban sus ejemplares.
“Esa fotografía es muy bonita porque nos muestra la librería como una botica, con su mostrador y los libros en las paredes, donde uno tenía que llegar a pedir su libro como cuando uno iba a la farmacia para que le hicieran su producto químico. Esa imagen habla sobre la transformación de la librería en los últimos 100 años”.
Otra anécdota que aparece en este volumen, destacó, es la de un impresor español del siglo XVI que tras mandar muchos libros a la Nueva España y descubrir que no vendía lo que él quería, le preguntó a su representante qué libros eran los que se venden juntos. “Digamos que esa anécdota es el precedente de lo que hace un librero de nuestro tiempo, una práctica de los editores que asisten a las actuales ferias del libro”.

La Jornada
A casi 131 años del nacimiento de Roberto Montenegro (1887-1968), el Museo del Palacio de Bellas Artes rinde homenaje al pintor jalisciense con una magna exposición, a fin de promover y destacar la valoración estética del arte popular, así como su relevancia histórica en el desarrollo de una identidad nacional.
La muestra Roberto Montenegro: expresiones del arte popular mexicano consta de 136 objetos pertenecientes a la colección de arte popular que –con más de 3 mil piezas– creó el muralista por encomienda gubernamental entre los años 20 y 50 del siglo pasado.
Las obras exhibidas se agrupan en los rubros de alfarería, juguetería, tejidos, hilados, utensilios, lacas, charrería, máscaras, pintura del siglo XIX y exvotos, títulos que se extrajeron del libro Las artes populares en México, publicado en 1921 por Gerardo Murillo, Dr Atl.
Esta exposición marca el acercamiento y continuidad que siempre perteneció a este recinto, ya que en 1934 aquí se inauguró el Museo de Arte Popular, precisamente con su director Roberto Montenegro, expresó Miguel Fernández, director del recinto.
Una colección de más de 3 mil piezas
Ernesto Martínez, titular del Centro Nacional de Conservación y Registro del Patrimonio Artístico Mueble (Cencropam), precisó que el acervo del Instituto Nacional de Bellas Artes se enriquece con 3 mil 153 piezas de arte popular coleccionadas a lo largo de muchos años por el maestro Roberto Montenegro, que ya fueron restauradas casi en su totalidad.
Arturo López, autor del concepto curatorial de la exhibición, planteó que una de las misiones de este recinto es realizar exposiciones conmemorativas que tengan enfoques con nuevos contextos culturales de uno de los siete muralistas que tenemos.
El concepto rector, aseguró, también es ejemplificar las aportaciones artísticas de Montenegro y cómo promovió e impulsó el arte, incluso cuando llegó a ser funcionario público.
Agregó que el criterio para seleccionar las 136 piezas de la muestra fue seleccionar productos artesanales que dieran contexto a la riqueza cultural de México y a esa pluralidad étnica de la que provenimos.
En los años 20 del siglo pasado dio inicio en el país el renacimiento artístico, justo cuando Montenegro regresó de un viaje a Europa.
Durante un breve recorrido para medios en la sala Siqueiros (la primera de cuatro), donde se exhibe la pintura Tehuanas, López explicó que se trata de una figura recurrente en las obras de Roberto Montenegro.
Por su parte, Sol Rubín de la Borbolla, dirigente del Centro Daniel Rubín de la Borbolla, comentó que la entrada de esta sala es muy significativa: habla de la esencia de la exposición, cuyo contenido refleja este diálogo del arte popular y las artes plásticas, mediante la cerámica.
En ese espacio se ofrecen tabletscon programas interactivos basados en la obra Mapa de las artes populares (1929), en las que el público puede consultar textos y audios referentes a esa pieza, que no se encuentra físicamente.
La segunda habitación es dedicada a los estudios y textos que publicó Montenegro, entre ellos Máscaras(1926), impreso en los Talleres Gráficos de la Nación. Se incluyen dos de los principales dibujos que realizó el maestro tapatío para ilustrarlo.
En su afán de enriquecer la experiencia de los visitantes, el Museo del Palacio de Bellas Artes digitalizó uno de los murales menos conocidos de Montenegro, La fiesta de la Santa Cruz (1923), que se encuentra en la sede de Cencropam, en lo que fue el Antiguo Colegio de San Pedro y San Pablo. Se busca que los asistentes conozcan esa celebración de los trabajadores de la construcción (celebrada el 3 de mayo) así como la idea de la reconstrucción del país, después de la Revolución.
Otra estancia aloja piezas que datan de finales del siglo XVIII e inicios del XIX, con las que se presume que Montenegro planeaba documentar la producción artesanal de diversas entidades del país.
Roberto Montenegro (Guadalajara, 1887) fue pintor, litógrafo y escenógrafo. Estudió con Félix Bernardelli y en 1906 ingresó en la Academia de San Carlos, donde se instruyó con Antonio Fabres, Germán Gedovius, Leandro Izaguirre y Mateo Herrera.
En 1920 fue nombrado jefe del departamento de artes plásticas de la Secretaría de Educación Pública y, junto con el Dr. Atl y Jorge Enciso, organizó una exposición de arte popular que inauguró el general Álvaro Obregón en 1921, con motivo de las fiestas del centenario de la consumación de la Independencia.
La muestra Roberto Montenegro: expresiones del arte popular mexicano permanecerá abierta hasta el 25 de febrero de 2018 en el Museo del Palacio de Bellas Artes, en el Centro Histórico.

La jornada
Ciudad de México. Entre los libros de la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM) más vendidos en 2017 se encuentran Puente de Calderón. Las versiones de un célebre combate y Pluriverso. Un ensayo sobre el conocimiento indígena contemporáneo.
Así como Morfología de la Ciudad de México. El catastro de fines de siglo XIX y de 2000, Pueblos indios, autonomía y organizaciones sociales, e Historia de México. Paleografiada del texto original, anotada y prologada por Ernesto J. Burrus preliminar de Miguel León-Portilla.
De acuerdo con la Máxima casa de estudios, Puente de Calderón. Las versiones de un célebre combate, de María del Carmen Vázquez Mantecón, señala que el 17 de enero de 1811 tuvo lugar en el paso de Puente de Calderón, cerca de Zapotlanejo, un encuentro de armas entre las huestes insurgentes comandadas por Miguel Hidalgo y las tropas realistas dirigidas por Félix María Calleja.
Se trató de una batalla llena de imprevistos que al final dio el triunfo al segundo. Aunque Hidalgo y sus principales jefes militares lograron huir hacia el norte, su fin estaba cercano. El gobierno virreinal calificó al combate como una “memorable acción”.
Tres años y medio después, y ya como dirigente de la campaña del Bajío, el criollo Agustín de Iturbide decidió celebrar el regreso de Fernando VII con la puesta en escena de esa famosa contienda, lo que tendría lugar en el mes de octubre de 1814 en las inmediaciones de Irapuato. En este libro se refieren los pormenores de la batalla a partir de los relatos que le dieron vida a lo largo del siglo XIX, se puede leer en su página web.
Para al lector a ese acontecimiento vivido con pasión, es necesario situarlo en el entramado de la guerra y conocer las armas, ubicación, composición y comportamiento de ambos ejércitos, lo que permitirá entender las opuestas versiones a propósito de ese azaroso encuentro y descifrar la manera como se obtuvo y festejó la victoria, incluida su sugestiva escenificación.
“Estos tópicos nos acercarán a revalorar los verdaderos motivos de la derrota”, dice la autora. Cabe señalar que ésta es una segunda edición, corregida y aumentada.
Pluriverso. Un ensayo sobre el conocimiento indígena contemporáneo, de César Carrillo Trueba, informa que considerado como un todo homogéneo, bajo el apelativo de “tradicional”, el conocimiento que poseen los pueblos indígenas del mundo ha sido visto por la cultura predominante en Occidente, desde tres diferentes perspectivas: el desprecio, la idealización y la validación efectuada por medio de las diferentes disciplinas científicas de manera descontextualizada.
La imagen que de ello resulta es poco favorable, en la medida que el punto de partida es siempre otra imagen: Aquella que se tiene de la ciencia misma, lo cual es una suerte de juego de espejos donde, en el mejor de los casos, ésta se invierte para favorecer el mundo indígena. El propósito de este libro no es definir el conocimiento que poseen y mantienen vivo los pueblos indígenas, ni presentar ejemplos de su eficiencia o superioridad ante los desastres provocados por la ciencia y la tecnología.
Se trata de una reflexión acerca de su estatuto, de la imagen que de él se ha formado, de los enfoques y el marco conceptual empleados en ello.
Este ensayo pretende esbozar una manera de abordar la relación entre el conocimiento que poseen diferentes culturas, para establecer correspondencias entre ellos y elaborar proyectos concretos en forma pluricultural, es decir, en relación de igualdad entre dos sociedades dotadas de saberes distintos. Es un intento por dar algunos pequeños pasos hacia la construcción de un Pluriverso.
Morfología de la Ciudad de México. El catastro de fines de siglo XIX y de 2000, obra de Hira de Gortari, dice que carecemos de estudios catastrales con perspectiva histórica y en particular para la Ciudad de México.
El uso de un catastro inédito de fines del siglo XIX es un apoyo para su estudio, y al incorporarse a un sistema de información geográfico, su sistematización tiene mayor relevancia, pues deja analizar la ciudad de los años en que se levantó el catastro para establecer comparaciones con el del año 2000.
El catastro utilizado es una importante fuente de información que permite el análisis territorial de la Ciudad de México, para estudiar múltiples aspectos de su conformación espacial a escala de manzana, como sus dimensiones, formas, usos, entre otros.
Así, su contenido sistematizado y georreferenciado a partir de bases de datos, es fundamental para analizar el espacio urbano en diferentes escalas y cuyos primeros frutos a escala microespacial son resultado de un proyecto financiado por un programa de la UNAM.
Pueblos indios, autonomía y organizaciones sociales, de Dolores Camacho Velázquez, contiene discusiones teóricas de carácter trans y multi disciplinario que aportan a la discusión en torno al mundo indígena temas como diversidad cultural, identidad, globalización, migración, multiculturalismo, justicia, filosofía, autonomía y derechos, tanto de los pueblos indígenas como de los pueblos afromexicanos; la ronda campesina y la construcción de un nuevo derecho.
Este libro es producto de la reflexión que se produjo en el Simposium Interdisciplinario “Derechos Indígenas en México”, realizado en 2008 en la UNAM, por un grupo de jóvenes estudiantes del Posgrado de Derecho, en el que se contó con la colaboración de intelectuales indígenas, estudiantes, académicos, investigadores, funcionarios públicos e integrantes de la sociedad civil.
Con este material se contribuye a fortalecer los puntos centrales del debate y promover la cultura de la legalidad basada en el respeto a los otros.
Historia de México. Paleografiada del texto original, anotada y prologada por Ernesto J. Burrus preliminar de Miguel León-Portilla, de Andrés Cavo, quien señaló: “O el amor que tengo a México me ciega, o no hay ciudad en el nuevo mundo que abunde más de hechos laudables que ésta".
Así se expresó el padre Cavo en 1797 en la dedicatoria que hace a la “muí noble, insigne y leal ciudad de México” de su obra más importante y a la que se dedicó varios años, su “Historia de México”, la primera que se escribió sobre la Nueva España y una de las pocas que han sido escritas sobre el periodo.

Algarabía
Luis Buñuel fue uno de los grandes genios del arte a tal grado que, sin su obra cinematográfica no podría concebirse el siglo XX.
Luis Buñuel (1900-1983) fue uno de los grandes genios del arte a tal grado que, sin su obra cinematográfica no podría concebirse el siglo XX. ¿Cómo resumir la obra y la vida de un creador tan icónico en tan breve espacio? He aquí nuestro humilde intento.
Luis Buñuel, el niño travieso que reniega del catolicismo, que se esconde debajo de la cama en espera de que su sirvienta se acerque para atacarle las piernas, que se disfraza de monja y de sacerdote a la primera provocación, que recorre los pasillos de las filmaciones cubierto por una sábana blanca, que cambia
 el piano de su mujer por tres botellas de vino, que toca los tambores en Calanda —su pueblo natal—, que tira la paella al suelo porque no perdona la impuntualidad, que escoge como lugar de meditación y descanso los bares, que se prepara sin falta su propio coctel bautizado como «Buñueloni»,1 que tapa las cerraduras de la puerta para que no lo puedan ver en la intimidad.
Ese Buñuel que no nos deja apartar la vista de la pantalla, que amenaza con cercenarnos los ojos; ese que se ríe de nosotros desde la tumba.
La primera edad y el despertar
Luis Buñuel Portolés nació en Calanda, España, el
 22 de febrero de 1900. Creció al lado de sus padres
 y de siete hermanos en un ambiente rústico, casi medieval, donde los eventos transcurrían con la calma de un lugar al que «el progreso» no había llegado. La fortuna que su padre había hecho en Cuba le permitió gozar de una educación considerable, aunque severa y dogmática —de corte jesuita—. De estos primeros años el cineasta conservaría su vasto conocimiento religioso, así como los paisajes rurales y su fijación por la relación de hombres maduros y mujeres jóvenes —su padre le llevaba 25 años a su madre.
Al terminar el bachillerato se trasladó a Madrid,
donde con alumnos e invitados —Alberti, Cernuda, Bergamín, Lorca, Dalí y otros artistas pertenecientes
 a la llamada Generación del 27— se nutrió de poesía, cine y filosofía. Durante estos años practicó boxeo y se interesó por la entomología —la pasión por los insectos lo acompañó de por vida.
En 1925 viajó a París, donde su vocación como cineasta despertó: según lo cuenta él mismo, la experiencia de ver Der müde Tod —Las tres luces— (1921), de Fritz Lang, fue definitiva; desde entonces se dedicó de lleno al cine, no sólo como un cinéfilo obsesivo que veía tres películas diarias, sino como un humilde alumno que se alistaba en trabajos «de lo que fuera» para empaparse de la técnica cinematográfica.
De lo alimenticio a lo personal
Buñuel filmó en 1950 Los olvidados, la cual tuvo una hostil acogida en nuestro país debido al retrato 
fiel y crudo de los barrios pobres
 de la Ciudad de México. Esta obra fue clave para su desarrollo como cineasta, pues gracias a ella inició 
su búsqueda más personal.
Comenzó una notable carrera cinematográfica en la que los proyectos «alimenticios» —como 
él llamaba a aquellas películas que no salían de su inventiva, pero con las que ya no estaba peleado y que le permitían ganarse la vida, como en la época del Filmófono— se distinguen de los proyectos personalísimos
que llegaron a ser verdaderas obras maestras.