Cultura y Espectaculos

Algarabía
Quién mejor que ella misma para hablar de su vida; testimonio que complementamos con algunos fragmentos de sus obras más emblemáticas.

En este diciembre en que Elena Garro (1916-1998) hubiera cumplido 101 años, es fundamental hablar de la vida y la obra de esta escritora que, para muchos críticos, fue la mayor creadora literaria mexicana después de Sor Juana.
Ellos me enseñaron
«Mis padres fueron José Antonio Garro y Esperanza Navarro, dos personas que vivieron siempre fuera de la realidad, dos fracasados, y que llevaron a sus hijos al fracaso. A mis padres sólo les gustaba leer, y a sus hijos no nos gustaba comer, nunca teníamos apetito; o nos daba pereza masticar: “Que le hagan papilla a los chicos”, ordenaba mi padre. A Esperanza: mi madre, le gustaban únicamente los dulces y los pasteles. José Antonio en cambio amaba los buenos platillos
Ellos me enseñaron la imaginación, las múltiples realidades, el amor a los animales, el baile, la música, el orientalismo, el misticismo, el desdén por el dinero y la táctica militar leyendo a Julio César y a Von Clausewitz.
Mientras viví con ellos sólo lloré por Cristo y por Sócrates, el domingo en que bebió la cicuta, cuando mi padre nos leyó los Diálogos de Platón [...]
»Mis padres me permitieron desarrollar mi verdadera naturaleza, la de “partícula revoltosa”, cualidad que heredó mi hija Helenita y que los sabios acaban de descubrir. Estas “partículas revoltosas” producen desorden sin proponérselo y actúan siempre inesperadamente, a pesar suyo. En mi
casa podía ser rey, general mexicano, construir pueblos con placitas, casas, calles, cuartel e iglesia en el enorme jardín por el que paseábamos en burro o a pie. Mi casa estaba en Iguala, Guerrero, es decir, una de mis casas. [...]»
El mundo era muy trágico
«También construimos un teatro y teníamos títeres. A 
veces me convertía en merolico y salía a vender ungüentos para curar todos los males. Mi ayudante era Boni, mi primo predilecto, y con el que me escapaba cargando dos “máuseres” para ir a la laguna. Los arrieros nos devolvían a la casa, insolados, con las narices y la frente peladas por el sol. [...]
–Conoce «El final de un amor adúltero... y todo por unos gatos»–
»En Iguala no íbamos a la escuela, teníamos al profesor Rodríguez, alto, moreno, de gran bigote y enorme sabiduría... Todos los Garro le debemos mucho al profesor Rodríguez, figura tierna, sabia y encantadora de mi infancia. Él traía las noticias terribles de lo que sucedía fuera de mi casa: 
la política, los fusilamientos y los robos. “¡Un maestro es sagrado!”, nos decía mi padre con los ojos despidiendo chispas verdes como una advertencia. Mi padre y mi tío Boni eran nuestros maestros de latín y francés [...]
«Yo no pensaba ser escritora. La idea de sentarme a escribir en vez de leer me parecía absurda. Abrir un libro era empezar una aventura inesperada. Yo quería ser bailarina o general»
»En esos días el mundo era muy trágico. Mi héroe era el padre Pro y mi enemigo, Plutarco Elías Calles. Cuando 
el general Amaro llegó a perseguir a los cristeros, todo el pueblo se encerró. Deva y yo salimos a correr junto a su coche abierto para gritarle hasta quedarnos roncas: ¡Viva Cristo Rey! [...]»
No pensaba ser escritora
«A los 17 años fui coreógrafa del Teatro de la Universidad. El director era Julio Bracho. Debutamos en el Teatro de Bellas Artes con un éxito tan grande que los amantes del arte se movieron con rapidez para destruir el grupo. Opinaron que pegar carteles en la ciudad anunciando Las troyanas era hacerse publicidad.
En ese tiempo los Contemporáneos eran importantes. En realidad era un grupo bastante notable, aunque me parece que está olvidado. Xavier Villaurrutia quería montar Perséfone de André Gide, y me llamó [...]
–Conoce también: La comprensión de la lectura. Fuera del diccionario–
»Un día me casé, abandoné a mis maestros: Julio Jiménez Rueda, que me pronosticó éxitos literarios; Samuel Ramos, gran maestro; Hilario Medina y su rigurosa Historia universal; el profesor Valenzuela de Historia griega, fabuloso expositor; Salvador Azuela, a quien apreciaba mucho; el maestro García, gran latinista; la señorita Caso, Julio Torri, Enrique González Martínez, quien nos daba la clase en francés [...]
»Mi padre creía que podía escribir por mi afición a la lectura: en ese caso todos en la casa debimos ser escritores.»
Todo fue un mal sueño
«En 1953, estando enferma en Berna y después de un estruendoso tratamiento de cortisona escribí Los recuerdos del porvenir como un homenaje a Iguala, a mi infancia y
a aquellos personajes a los que admiré tanto y a los que tantas jugarretas hice.
–Lee: El escritor en situación–
Guardé la novela en un baúl, junto 
con algunos poemas que le escribía a Adolfo Bioy Casares, el amor loco de mi vida y por el cual casi muero; aunque ahora reconozco que todo fue un mal sueño que duró muchos años.
»Creo que te he hablado de un mundo que ya no existe. Parece que México es otro país, que los intelectuales lo han llenado de periféricos, elevadores callejeros, puentes, ideas, y que han abolido los jardines.
Me dicen que la contaminación se corta con cuchillo. Te he dicho todo lo que recuerdo... Creo que debo aclararte que Mariana
no es una autobiografía sino una novela. [...] Aunque es verdad que tomé rasgos de algunas personas vivas y difuntas para crear a un solo personaje.
Acuérdate de Ortega y Gasset: “lo que no es vivencia es academia”. Recuerda también a Dostoyevski y a Balzac: “la novela es vida”. Eso no quiere decir que lo que cuento en Mariana sea una simple calca de mi vida al pape

La jornada
para 2018, el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía ha preparado un amplio programa de exposiciones, entre las que destaca una dedicada al arte de vanguardia portugués realizado en torno a la figura de Fernando Pessoa (1888-1935), que se exhibirá a partir del 6 de febrero.
Fernando Pessoa: todo arte es una forma de literatura, cuyo título es tomado de una cita de Álvaro de Campos, uno de los heterónimos más famosos del escritor, abordará el periodo artístico de la modernidad portuguesa a partir de los postulados estéticos del autor luso en su calidad de motor intelectual del periodo comprendido entre los años 1914 y 1936.
El escritor Fernando Pessoa fue el creador de una vanguardia propia a través de sus más de 100 heterónimos y de sus numerosos textos. Intérprete de excepción de la crisis de identidad moderna y de sus certezas, el poeta se sintió siempre múltiple, trasladando a su obra una incurable otredad que achacó a su desorientación existencial.
Los heterónimos encarnaron lo que Pessoa identificó como la enfermedad extrema de su época, una búsqueda de identidad en la alteridad, explica el Museo Nacional Centro de de Arte Reina Sofia en su portal de Internet.
Partiendo del nihilismo y de la tendencia a la despersonalización y a la simulación que están en el origen de la heteronimia pessoana, la exposición introducirá las constantes de su pensamiento, deteniéndose tanto en sus ficciones literarias (Alberto Caeiro, Ricardo Reis, Álvaro de Campos, Bernardo Soares, etcétera) como en sus obsesiones más recurrentes: la metafísica, el paganismo, el ocultismo y el Quinto Imperio por él profetizados, imperio atemporal de los sentidos y de la creatividad que auguró la refundación mítica del destino de Portugal.
El sitio web del museo Reina Sofía también explica que los términos paulismo, interseccionismo y sensacionismo acuñados por Pessoa vertebran la especificidad de la modernidad portuguesa desde sus inicios. La exposición se sirve de estos ismos para articular un relato visual que reúne una selección representativa de obras relacionadas con los postulados de las principales corrientes estéticas portuguesas desde 1914 hasta 1936. Aunque dichas corrientes acusaron la influencia inevitable de las tendencias europeas dominantes (cubismo, futurismo, orfismo) trataron de distanciarse.
Varios textos de Pessoa dan cuenta del lugar de enunciación de los ismos de su cosecha, así como de su carácter distintivo dentro del contexto europeo, encontrándose alusiones explícitas a las diferencias entre el futurismo y el interseccionismo.
Por otro lado, numerosas obras de la vanguardia portuguesa reflejan un gusto por lo popular y por la idiosincrasia lusa que está presente tanto en el trabajo de aquellos artistas que viajaron a París, introduciendo a su vuelta las nuevas corrientes, como en los artistas extranjeros que decidieron pasar una temporada en tierras portuguesas (como el matrimonio Delaunay, entre otros).
Fernando Antonio Nogueira Pessoa (Lisboa, 13 de junio de 1888-30 de noviembre de 1935), conocido como Fernando Pessoa, fue un poeta y escritor portugués, considerado uno de los más brillantes e importantes de la literatura mundial, en particular de la lengua portuguesa. Publicó bajo varios heterónimos e incluso publicó críticas contra sus propias obras, firmadas por sus identidades literarias ficticias.
Para el autor luso, el heterónimo Alberto Caeiro representó la voz y el universo fundamental de su poesía. El misterio en torno de su figura mediante la fragmentación de su yo se inició cuando comenzó la aluciante invención de Caeiro, a quien Pessoa consideraba su maestro. Caeiro se convirtió en el núcleo desde donde surgieron después los heterónimos pessoanos Ricardo Reis y Álvaro de Campos.
Sobre Pessoa, el Nobel mexicano de Literatura 1990 Octavio Paz expresó: los poetas no tienen biografía; su obra es una biografía; en el caso del autor portugués nada en su vida es sorprendente, nada excepto sus poemas.
Entre la obra de Pessoa figura Mensagem, colección de poemas sobre los grandes personajes históricos portugueses. El libro fue el único publicado en vida del autor.
Del 6 de febrero de 2018 al 7 de mayo de 2018 se exhibirá en el edificio Sabatini, del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, la muestra Fernando Pessoa: todo artes es una forma de literatura, cuyo comisario es João Fernandes.
El museo también dedicará a lo largo de 2018 exposiciones al dadaísmo ruso, con figuras como Lebedev, Malevich, Rodchenko o Rozanova, así como a Dorothea Tanning, una de las mujeres artistas más significativas del siglo XX; a la española Dora García, y a los creadores que desarrollaron su trabajo en la compleja escena artística de París entre 1944 y 1968, como Picasso, Kandinsky, Chillida, Carmen Herrera o Ellsworth Kelly, entre otros.

Excélsior
El historiador traduce las cartas de Vladímir G. Korolenko, quien llegó a ser comparado con Lev Tolstói, pero quedó fuera del canon ruso a causa de su activismo político
CIUDAD DE MÉXICO.
Vladímir G. Korolenko (1853-1921) tenía un lugar asegurado en la historia de la literatura rusa debido a la calidad de su escritura y su ferviente humanismo, al punto en que llegó a ser comparado con Lev Tolstói, explica el historiador Jean Meyer (Niza, Francia, 1942). Sin embargo, su participación en la Revolución de febrero de 1917, su distancia del mundo bolchevique y su defensa de los campesinos injustamente sentenciados a muerte... lo sepultaron en el olvido.
A pesar de todo en el mundo de habla hispana se han comenzado a traducir sus novelas, como El sueño de Makar, Sin lengua y El músico ciego que, en opinión de Meyer, es una obra maestra. Sin embargo, en México empezará a circular una pieza mucho menos conocida. Se trata de las Seis cartas sin respuesta. La correspondencia frustrada entre Vladímir G. Korolenko y Anatoli V. Lunacharski, una pieza que retrata un tiempo de la historia rusa y uno de los escritores que llevó su lucha más allá de la literatura.
Este volumen es la primera traducción de las cartas de Korolenko al español, dijo Meyer en entrevista, las cuales fueron escritas entre el 19 de junio de 1920 y septiembre de 1921, durante uno de los momentos más terribles de la historia de Rusia.
Se ubican en el segundo año de la guerra civil, donde sucedieron hechos trágicos como: el levantamiento de los marineros de Kronstadt, quienes fueron reprimidos a sangre y fuego por Trotsky, y la represión del levantamiento campesino en la provincia de Tambov, que fue aplastada con aviación, tanques y gases. Es el año de la hambruna, al punto en que Lenin tuvo que aceptar, a regañadientes y muy molesto, la ayuda internacional que contó con el apoyo de Estados Unidos y el Vaticano”.
Pero cuando la hambruna se desató en Rusia, Korolenko ya había muerto. Él falleció el 25 de diciembre de 1921, hace 96 años, pero sus cartas ya profetizan la hambruna. “Él escribió, desde meses antes, que en la ciudad de Poltava (Ucrania), ciudad donde nació y que era considerada el granero de la Unión de Repúblicas Socialistas Soviéticas (URSS), la gente pasaba hambre, y reclamaba a las autoridades rusas que no era consecuencia de la naturaleza, sino de su política de requisa forzosa”, comentó.
¿Qué tan importante fue Korolenko como autor ruso?, se le cuestionó a Meyer. “Fue un bestseller de su tiempo y llegó a vender millones de ejemplares de sus libros en 1914. Pero tras su muerte desapareció y no volvió a ser reeditado. Incluso, en los libros de texto de literatura rusa de la URSS su presencia se limitaba a un poema y un cuento expurgado, y aunque durante la Perestroika se publicó su obra completa en diez tomos, no volvió a ser reeditada. Además, el ambiente de la Rusia de Vladimir Putin no es para ese tipo de escritores. Además, fue el padrino literario de Máximo Gorki”.
¿Quién fue Lunacharski y qué papel jugó en estas cartas? “Debido a que los bolcheviques no pudieron callar violentamente a Korolenko, Lenin envió a Lunacharski para entablar un diálogo con él y convencerlo para que calle sus críticas y se una al sistema. Lunacharski fue un personaje muy importante porque desde el principio del estado soviético, y hasta 1929, fue el mandamás en el mundo de la educación y la cultura, quien armó una de las campañas de alfabetización más exitosas en Rusia y, al mismo tiempo, defendía las corrientes artísticas modernas en pintura, pese al gusto conservador de Lenin. Digamos que Lunacharski era un hombre culturalmente abierto”.
Sin embargo, durante el encuentro entre Korolenko y Lunacharski la discusión no alcanzó acuerdos. Así que el enviado le pidió que escribiera sus pensamientos, críticas y puntos de vista y se los remitiera a través de misivas que iría respondiendo.
“Le propuso que mandara una carta con sus opiniones, las cuales respondería y al final ese diálogo cruzado sería publicado. Entonces Korolenko se entusiasmó y pensó que con eso podría aminorar el terror implementado por Lenin, ese terror que escribía con mayúscula, donde aseguraba que la evolución tiene que ser implacable con todos sus enemigos”, apuntó.
Una de las medidas que más horrorizó a Korolenko fue la Troika, fundada por Lenin, donde se enjuiciaba y castigaba a los enemigos, “con la participación de tres agentes de los servicios de seguridad que hacían un juicio sumario sin juez ni abogado defensor, para luego dictar la pena de muerte sin derecho a apelación”.
A lo largo de las seis cartas –compiladas por la Dirección General de Publicaciones (DGP)– el autor ruso refiere hechos concretos, como los fusilamientos que se escuchan de un lado y otro de Poltava, sobre la ínfima libertad de prensa, o del cercano fusilamiento de 17 personas, donde fueron asesinados dos niños y una jovencita de 15 años. “¿Esa es la justicia soviética?”, cuestionaba Korolenko.
¿Por qué Lunacharski no respondió las cartas de Korolenko? “Nunca respondió y tampoco publicó las cartas porque eran críticas, eran feroces. A pesar de todo, Korolenko tomó en serio la oportunidad de hablar y criticó que el gobierno ruso considerara a la libertad de prensa como una libertad burguesa que no servía para nada. Digamos que lo vio como la esperanza de publicar algo. En septiembre de 1921, el autor ruso envió la sexta y última carta como una síntesis de todo lo que había dicho y donde le reprochaba que nunca le hubiera respondido”.
Por último, Meyer comentó que estas misivas sobrevivieron porque Korolenko tampoco se hizo muchas ilusiones con este diálogo cruzado, por lo cual entregó una copia de éstas a un enviado norteamericano que pasaba por ahí. Y fue así como en 1922, después de su muerte, las cartas vieron la luz en París.
Y su importancia, advirtió Meyer, no está en su valor arqueológico por ser una reliquia del pasado, “sino más bien en que se trata de una hermosa pieza, una antigualla que nos recuerda el valor de la democracia, en un momento en que es tan criticada, tan impopular y cuando en muchos países se ha impuesto el auge de los populismos”.

Muere el compositor y formador musical Mario Stern
La jornada
Ciudad de México. El compositor Mario Stern, considerado uno de los más prominentes formadores musicales de México, falleció a la edad de 81 años como consecuencia de una insuficiencia respiratoria.
El deceso ocurrió la madrugada del pasado jueves en su domicilio de la capital del país, tras un largo tiempo de permanecer enfermo, informó este sábado a La Jornada su sobrino Sandro Halphen.
Los restos del maestro fueron velados en una agencia funeraria de la Ciudad de México y posteriormente cremados. Sus cenizas serán esparcidas por la familia en el estado de Morelos, donde tenía una casa de campo.
Aunque en los meses más recientes dejó de lado su trabajo creativo por problemas de salud, son varias sus obras musicales que aún permanecen sin estrenar. Por el momento es imposible precisar el número, sin embargo la familia comenzará en una semanas a clasificar el archivo.
“Era un gran compositor, muy comprometido con su trabajo. Sin embargo, si algo hay que destacar es su faceta de maestro. Su labor en el terreno docente fue fundamental, con especial énfasis en la educación musical para los niños; varias generaciones pasaron por él”, destacó Sandro Halphen.
Mario Stern nació en la Ciudad de México en 1936. Realizó estudios de composición en la Staatliche Hochschule fuer Musik en München, Alemania; y, gracias a una beca del Gobierno francés, estudió análisis, instrumentación y composición con Henri Dutilleux en la Escuela Superior de Música de París.
Más adelante, obtuvo la maestría y el doctorado en Composición musical por la Atlantic International University.
Entre 1956 y 1964 estudió en la Facultad de Química de la máxima casa de estudios, donde obtuvo su título de Químico Industrial en 1964. En esa misma institución, pero en la Facultad de Filosofía y Letras, posteriormente estudió griego antiguo y latín, así como las literaturas respectivas, además de náhuatl.
Docente musical en diversas instituciones públicas y privadas, entre ellas la ahora Facultad Nacional de Música de la UNAM, donde se desempeñó como profesor de Creatividad infantil, Mario Stern fue presidente de la Liga de Compositores de Música de Concierto de México, miembro de la Comisión de programación del Foro Internacional de Música Nueva Manuel Enríquez y secretario ejecutivo del Centro de Apoyo para Música de Concierto de la SACM.
Por invitación de la Dirección de Asuntos Académicos del Instituto Nacional de Bellas Artes elaboró programas y materiales para las Escuelas de Iniciación Artística e impartió varios cursos de capacitación para la aplicación de los mismos, tanto en la capital del país como en diversas entidades.
Sus obras han sido seleccionadas para tocarse en el Foro Internacional de Música Nueva, en el Encuentro Universitario de la Composición en México y en el Encuentro Universitario de las Humanidades y las Artes.

“Obligamos a los niños a encarnar la fantasía que hemos creado para ellos”, dice el autor español sobre su más reciente novela
VIRGINIA BAUTISTA
En su nueva novela, República luminosa, el autor español recrea la irrupción, en un poblado ficticio, de 32 niños violentos que quiebran las reglas de la vida civilizada >2

CIUDAD DE MÉXICO.

“La infancia es uno de los últimos mitos de nuestra sociedad”, afirma el novelista y ensayista español Andrés Barba (1975), quien está convencido de que los adultos ven un paraíso en el mundo infantil y lo proyectan como “un lugar inventado” donde existe la felicidad.

“Al igual que en la época de Charles Dickens había consenso en que la peor escoria de la sociedad era el usurero que se aprovechaba de los pobres, hoy se piensa que lo que debemos proteger por encima de todo es la infancia, pues la vemos como un lugar de privilegio”, comenta a Excélsior en entrevista.

Pero no, lamenta el también traductor, guionista y fotógrafo, los niños también pueden ser violentos y hacer que se derrumben los valores con que hemos edificado nuestra sociedad. Esta idea ha inspirado República luminosa (Anagrama), que obtuvo el pasado 6 de noviembre el XXXV Premio Herralde de Novela, dotado con 18 mil euros.

“No sólo pensamos a los niños desde un lugar totalmente inventado, sino que los obligamos a encarnar la fantasía que hemos creado para ellos”, agrega quien por primera vez incluyó en su propuesta literaria un narrador en primera persona y un personaje colectivo.

República luminosa recrea la irrupción de 32 niños de entre 9 y 13 años, que nadie sabe de dónde vienen, en el pequeño poblado de San Cristóbal, donde viven sin familia, sin respetar las reglas de la vida civilizada y compartiendo un código lingüístico exclusivo. La historia, que se desarrolla en los años 90 del siglo XX, termina con la muerte de los infantes, quienes causan temor al comportarse de una manera imprevisible y diferente.

“¿En realidad qué esperamos de los niños?”, se pregunta el licenciado en Filología Hispánica por la Universidad Complutense de Madrid. “Esperamos dos cosas: que confirmen en nosotros la ficción de que hemos sido felices, por lo menos, en el momento de la infancia y que se conviertan en adultos lo antes posible, porque la infancia dejada a su suerte es algo que en el fondo nos atemoriza.

“Esto se nota en todas las comunidades infantiles que están fuera del orden social. Por ejemplo, tenemos más miedo a un grupo de niños callejeros de 12 años que a un grupo de adolescentes de 19 años, porque sabemos que en el primero hay una dimensión social que no se ha articulado aún, son más peligrosos porque no tienen una noción exacta de qué es la vida y qué es el mal. Por eso, me interesa ese lugar de transición que hay entre la infancia y la adolescencia, donde todos los valores son ambiguos y están en suspenso”, añade.

Infancia violenta

El exdocente del Bowdoin College (Estados Unidos) y de la Universidad Complutense aclara que en esta novela buscaba no solamente “poner en compromiso” el concepto de la infancia, sino también el de la violencia.

“Hay un tipo de violencia que no tiene objeto, que nos da miedo porque puede estallar en cualquier momento y sin ningún tipo de razón. Pero existe una violencia que sí tiene un objetivo. Tememos la violencia que pone en jaque valores como el orden social, la distinción entre las clases, la distinción de la propiedad privada y la pública. Pero hay muchas cosas que sólo pueden cambiar a través de la violencia. Las cosas tienen que romperse para regenerarse”, señala el ganador en 1997 del Premio Torrente Ballester de Narrativa por El hueso que más duele.

Quien en 2010 fue seleccionado por la revista Granta de Inglaterra como uno de los 22 autores jóvenes más importantes de habla hispana advierte que San Cristóbal, el lugar ficticio donde se desarrolla la trama, está deliberadamente oculto.

“La idea no era hacer una localización precisa, sino una fábula que pudiera ocurrir en muchos lugares. Por las peculiaridades de la selva, el río, el grupo indígena, la pequeña urbe provincial podría estar en casi todos los países de Latinoamérica, Brasil, Colombia, Argentina, México. Pero también podría ubicarse en Asia”, asegura.

Y pide al lector que preste atención tanto al diálogo que se produce como al que no se produce. “El diálogo racial que se evita, pero al mismo tiempo se favorece. Una especie de mirada esquinada que tienen unos sobre otros. Aunque, en realidad, el conflicto no es tanto el dilema entre los aborígenes y los locales, sino la irrupción de los 32 niños que parecen haber surgido de la nada y llegan a la ciudad y cambian la noción de la infancia que se tiene hasta ese momento”.

Paternidad inventada

El autor de cuatro novelas infantiles destaca que la paternidad es otro concepto en el que hurga su República luminosa. “Una de las cosas más difíciles fue elegir la voz apropiada para narrar la historia. Y, al final, ideé a un cronista que relatara los episodios 20 años después de que sucedieron.

“El narrador se casa con una mujer de esa sociedad, que tiene una hija de un matrimonio previo, y él vive dos paternidades: una con esta hija adoptada y otra con uno de los niños violentos”, indica.

Quien fue residente durante un año en la Academia de España en Roma piensa que, a diferencia de la maternidad, “que es algo absolutamente biológico y está marcada por la carne y la naturaleza, la paternidad es una categoría vacía que tiene que inventarse cada padre. La paternidad no existe como categoría, es difusa y puede ser intercambiada”.

Explica que el hecho de que alguien contara las cosas dos décadas después le permitió la perspectiva del tiempo, y poder distinguir qué cosas eran importantes y cuáles banales.

“Esto ayudó a incorporar todas las voces alrededor de la historia: los periodistas que habían escrito notas, los profesores universitarios que elaboraron tesis, los artistas cuyos performances se inspiraron en los niños. Y cómo la sociedad fue asimilando la muerte de esos infantes”, apunta.

Tras año y medio de trabajo, Barba dio vida a una novela con dimensión política, antropológica y social. “Aquí, la sociedad funcionó como un personaje. Resulta interesante descubrir cómo actuamos en grupo; a veces aquí somos más violentos, nos permitimos ser racistas, machistas o sexistas amparados en la protección del grupo. Éste es el abrigo perfecto para hacer auténticas barbaridades, nos legitima y nos enmascara a la vez”.

El madrileño confiesa que intenta encontrar una voz particular para cada libro. “Un lugar donde no controles todo para redescubrir tu oficio, si no, te profesionalizas y te repites; eso es lo peor, llenarse de trucos, estrategias o recetas. Hay que ponerse en un lugar donde tengas que aprenderlo todo, donde el terreno no sea firme”, concluye.

TÍTULO:
República luminosa

AUTOR:
Andrés Barba

EDITORIAL:
Anagrama, Barcelona, 2017; 192 pp.