Cultura y Espectaculos

Razones para no perderse la muestra de Otto Dix en el MUNAL

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Categoría: Cultura y Espectaculos Creado: 12 Octubre 2016 Visto: 2304

otto dxix La obra de uno de los máximos representantes del expresionismo alemán llega por primera vez a la Ciudad de México, donde podrán apreciar más de 60 piezas
SWAGGER/CLAUDIA AGUILAR. Excélsior
CIUDAD DE MÉXICO.

Otto Dix es uno de los artistas alemanes más reconocidos del movimiento conocido como ‘Neue Sachlichkeit’ o ‘Nueva Objetividad’, así como del expresionismo alemán. Su obra fue calificada como ‘degenerada’ y padeció los estragos de la Primera Guerra Mundial y del nazismo.

Un artista obsesionado por retratar su realidad, se centró en retratar los contrastes sociales, los estragos de la guerra, los bares, el jazz, el rostro de los marginados, de los habitantes de la noche, la luz y oscuridad de las ciudades, y la doble moral de una civilización en decadencia. Pocos tienen el “estómago” para mirar aquello que él observó.

¿Te atreves? A partir del 12 de octubre, y hasta el 15 de enero de 2017, podrás conocer su obra a través de la exposición Otto Dix. Violencia y pasión que se presentará en el Museo Nacional de Arte como parte del Año Dual Alemania-México.

ENSEGUIDA TE DAMOS SIETE RAZONES PARA VISITARLA:
1. Esta es la primera ocasión en México en la que se presenta una revisión de todos los periodos estéticos de Dix. A lo largo de siete módulos se irá revelando las distintas técnicas y estilos, así como los temas utilizados por el artista durante su carrera, de los que sobresalen los conflictos bélicos, el retrato, el desnudo y la sociedad berlinesa.

2. Verás más de 160 obras de este artista. La muestra curada por Ulrike Lorenz, directora de la Galería de Arte de Mannheim (Kunsthalle Mannheim), presenta pinturas, grabados, acuarelas y dibujos sobre la Primera Guerra Mundial, pasando por los trepidantes dorados años veinte, hasta llegar al neoexpresionismo después de 1945.

3. Podrás mirar los grabados que hizo sobre su traumática estancia en la Primera Guerra Mundial. Por cuatro años, Dix estuvo al frente de este conflicto bélico. Llevó consigo un diario y un pequeño cuaderno en el que realizó una detallada y mórbida crónica de todo lo que presenció en esa época. De ésta surgió la serie Der Krieg (La Guerra), en la que se encuentran retratos de cadáveres de soldados y caballos, trincheras humeantes y heridos de todo tipo.

4. Se exhibe una serie de dibujos en la que representó la prostitución, el puerto y el circo. Algunos se incomodarán, otros no tanto. ¡No se vale taparse los ojos! En sus grabados que forman parte de Muerte y Resurrección, Dix plasmó “el horror y lo grotesco de la marginación social, el falso romanticismo de los marineros, hasta las sanguinarias escenas de crímenes y el erotismo y envejecimiento de algunas prostitutas”.

5. Estarás frente a uno de sus trabajos más representativos, Metrópolis. El tríptico creado entre 1927 y 1928, de acuerdo con la explicación de la curadora, “es un icono de los ‘dorados años veinte’ y sus abismos... Y resume en él sus agudas observaciones sobre la sociedad de la República de Weimar”.
6. Conocerás la obra que lo llevó a juicio. A pesar de que sus escenas de prostitución, erotismo y asesinatos lo llevaron a ser considerado un artista de vanguardia, algunas élites alemanas al verlas se sintieron “ofendidas”. (Y pues ¡CÓMO SE ATREVÍA A PINTAR TALES COSAS!).

Debido a esto, su pintura En el espejo llevó a Dix a un juicio en el que se le acusó de obsceno. La obra fue confiscada y su paradero aún es desconocido. Sin embargo, gracias al grabado que realizó el artista hoy es posible verla... una y otra vez.

7. Te enterarás de datos poco conocidos sobre el pintor. La muestra busca ampliar el panorama de la vida y obra de Otto Dix, por ello en cada una de las salas presenta datos pocos conocidos del artista, así descubrirás, por ejemplo, la relación que existe entre él y Nietzsche, y la influencia que tuvo en su trabajo la obra de Van Gogh.
OTTO DIX. VIOLENCIA Y PASIÓN.
Museo Nacional de Arte. Tacuba 8, col. Centro.
Horarios: Martes a domingo de 10:00 a 18:00. Hasta el 15 de enero 2017.
Costo: Entrada $60 | Gratis a estudiantes, maestros e INAPAM | Domingo entrada libre.

León-Portilla urge al gobierno aumentar apoyo a la educación

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Categoría: Cultura y Espectaculos Creado: 12 Octubre 2016 Visto: 2390

portillaa Periódico La Jornada
El aumento de recursos permitiría a las lenguas indígenas sobrevivir, dice el historiador y experto en filosofía náhuatl en entrevista con La Jornada
La disyuntiva del siglo XXI: se mueren muchas o se salvan
Preservarlas depende de nosotros, de que las reconozcamos como riqueza, sostiene
Miguel León-Portilla (en su casa de Coyoacán) expresa: De las lenguas indígenas la que más se habla es el náhuatl, pero con muchas variantes, porque las lenguas, sobre todo si no se han cultivado, se dialectizan mucho, es decir, hacen variantes propiasFoto José Antonio López
Merry MacMasters

El historiador y experto en filosofía náhuatl Miguel León-Portilla (CDMX, 1926) señala que el gobierno debe incrementar el apoyo a la educación para que las lenguas indígenas, en primer lugar, sobrevivan en los habitantes que las tienen como maternas, a la vez que se difundan.

Según el autor de Visión de los vencidos, en el siglo XXI habrá una disyuntiva: o mueren muchas lenguas o se salvan. Hay lingüistas que dicen que de las 5 mil lenguas existentes en el mundo no van a quedar ni 100. Digo que pueden quedar muchas más, depende de nosotros, que somos maestros, y de cierta manera lingüistas, los que estamos interesados en la historia de nuestro país y reconocemos que es una riqueza.

Integrante del Instituto de Investigaciones Históricas de la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM), pide a los indígenas, por un lado, que no se avergüencen de tener ese pasado, y por el otro, a los no indígenas respetar y enriquecerse con ello al aprender lenguas de la región en que viven.

En entrevista con La Jornada, León-Portilla dice que la lucha debe seguir. Cuando muere una lengua es una tragedia para la humanidad. Y la poesía es la flor más bella de la expresión humana; tenemos una poesía bellísima en náhuatl, maya, purépecha, etcétera.

Al respecto escribió el poema Cuando muere una lengua, que termina al decir que la humanidad se empobrece, pues, explica, al carecer de estas perspectivas que tiene un poeta para ver desde una atalaya la realidad de un modo muy peculiar. Cada lengua evoca experiencias de manera única. Al morirse una lengua se cierra esta ventana, ya usted jamás podrá acercarse a esta manera de pensamiento.

León-Portilla habla con motivo de dos actividades celebratorias de ese género: el séptimo Festival de Poesía las Lenguas de América: Carlos Montemayor, que mañana se efectuará en la Sala Nezahualcóyotl del Centro Cultural Universitario, y el Primer Encuentro Mundial de Poesía de los Pueblos: Voces de Colores de la Madre Tierra, que será inaugurado el lunes 17 en la Sala Principal del Palacio de Bellas Artes, acto en el que participará.

Filosofía en potencia

A la pregunta, ¿qué pediría a las autoridades en cuanto a la enseñanza de las lenguas originarias?, contesta: Que por lo pronto se enseñe y se difunda en la región en que se habla, porque no puedo obligar a un maya que aprenda purépecha. ¿Para qué? En cambio, los purépechas sí desean hablar la suya. De las lenguas indígenas la que más se habla es el náhuatl, pero con muchas variantes, porque las lenguas, sobre todo si no se han cultivado, se dialectizan mucho, es decir, hacen variantes propias.

León-Portilla estima que en México existen entre 14 y 15 millones de hablantes de lenguas indígenas. Ahora, ¿cómo pueden conservarlas? Distintas instituciones, como la UNAM y la Universidad Veracruzana; enseñan náhuatl, otomí, maya, mixteco y totonaco. También se enseñan en países como Francia, Alemania, Italia, Holanda, España, Estados Unidos, Canadá, Japón y China.

Son estudiadas, en primer lugar, por los antropólogos, luego, por los propios indígenas que quieren mejorar sus capacidades, y finalmente por entusiastas de estos pueblos. Para León-Portilla, sin embargo, las lenguas originarias sólo vivirán si tienen una función, si no, empiezan a decaer. Ejemplifica: El náhuatl no se va a escuchar en una oficina bancaria, pero en el campo sí. Lo que la lengua tiene en su léxico es como el inventario de su cultura.

Según el investigador, los indígenas están en el proceso de levantar la cabeza y sentirse orgullosos de ser quienes son. Les digo, tengan orgullo, ya que ustedes tienen lo que muchas personas no, la posibilidad de ver la realidad desde la perspectiva de un nahua, un maya, un quiché, un totonaco o un seri, y de una persona que habla español. Esto es un tesoro, porque cada lengua contiene una filosofía en potencia, cada lengua es un universo de ideas. Entonces, sí creo que todos debemos considerar que para los indígenas sus lenguas son la base de sus derechos humanos.

León-Portilla recuerda que aquí en el siglo XIX se pensó que para hacer un país unificado tenía que haber una sola lengua. Justo Sierra era de esa idea. Es un error. Un país puede tener hablantes de varias lenguas. Apenas ahora en la Constitución federal, en el artículo cuarto, se reconoce que somos un país con muchas culturas y con muchas lenguas. Es como reconocer que el sol está en el cielo. Pero, bueno, más vale tarde que nunca. Estamos en una encrucijada.

Ignacio López Tarso: 68 años de divertirse con su carrera

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Categoría: Cultura y Espectaculos Creado: 12 Octubre 2016 Visto: 2433

tarso i Notimex | La Jornada

López Tarso en la puesta en escena 'Un Picasso', con la venezolana Gabriela Spanic. Foto Roberto García Rivas / Archivo

Llevo 68 años gozando y divirtiéndome con mi carrera: López Tarso

Guanajuato. El actor mexicano Ignacio López Tarso (1925) aseguró que lleva 68 años gozando y divirtiéndose al realizar su trabajo escénico. “Mi carrera ha sido muy grata. Tuve la fortuna de interpretar a los más grandes, a los grandísimos de la literatura dramática universal”, acotó lúcido, jovial y de buen talante.

El intérprete de la legendaria película Macario (1960), dirigida por Roberto Gavaldón, sobre una novela de B. Traven, se presentará hoy por la noche en el Teatro Cervantes de esta ciudad con El de la triste figura, un divertimento para tres voces y una guitarra, en el marco del 44 Festival Internacional Cervantino (FIC) que culminará el próximo 23 de octubre en esta ciudad.

López Tarso, quien el próximo 15 de enero cumplirá 92 años de edad refirió que los griegos fueron “los meros meros” de las artes escénicas. “Ellos fueron los papás, los abuelos, quienes nos enseñaron lo que es el teatro y cómo hacerlo desde hace más de 500 años antes de nuestra era.” Y citó entre ellos a Eurípides, Esquilo y Agamenón.

También reconoció la gran cantidad de maravillosas obras dentro de la literatura universal que no hay actor que tenga la vida suficiente para hacer todo lo que quisiera. Y dijo estar en el trance humano en el que queda poco tiempo. “Y lo malo es que mientras pasa el tiempo nos quedan menos capacidades para hacer cosas.”

Actualmente, comentó, está en espera de una respuesta favorable de varios amigos suyos, productores y directores, pues tiene la ilusión de hacer una obra teatral con Juan Ignacio, su hijo. Le gustaría, agregó, una obra para dos actores, para que ambos estén solos sobre el escenario.

López Tarso aseguró que se siente bien, dijo estar sano y en perfecto estado mental. “Tengo casi 92 años y considerando lo que he vivido, el mundo que he recorrido, y todo lo que me ha tocado interpretar, me siento perfectamente. Tengo capacidad de memoria para poder aprender lo que me urge y olvidar lo que ya hice. Es mi sistema para ejercitar la mente: Pensar lo que viene y olvidar lo pasado; así tengo más espacio en la memoria.”

También habló de su labor dentro de la industria cinematográfica nacional y mundial, y sin recato comentó que desde sus inicios en el medio artístico, ha filmado 50 películas a las cuales clasificó: “20 me gustan, 20 son regulares y a las 10 restantes ni mencionarlas, mejor olvidarlas”, y tras la categorización soltó una carcajada de su risueña cara.

Su visita a esta ciudad obedece a que actuará en El de la triste figura, donde dará voz a dos variantes del célebre personaje cervantino: Don Quijote de La Mancha y Alonso Quijano, en compañía de los actores Gabriela Pérez Negrete y Juan Ignacio Aranda. Así, el actor revivirá de manera íntima y sincera las anécdotas del caballero manchego.

Esta misma tarde, Ignacio López Tarso recibió el reconocimiento Orgullo Guanajuato FIC en su edición 2016, presea que se otorga a los artistas guanajuatenses que participan en el festival. En esta ocasión se decidió incluir al actor ya que su padre, Alfonso López Bermúdez, nació en Moroleón, uno de los más brillantes municipios de la entidad.

En el acto, el director general del festival, Jorge Volpi, señaló que para el FIC, sobre todo en la conmemoración de los 400 años de la muerte de Cervantes, y la celebración que este encuentro cultural hace de su obra, es un orgullo contar con la presencia de Ignacio López Tarso. “Tenía que ser una de las figuras invitadas al festival, por su enorme espíritu cervantino.”

Horizonte profundo: Petróleo en los ojos

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Categoría: Cultura y Espectaculos Creado: 12 Octubre 2016 Visto: 2270

s40 palco homepetroleo J J Negrete. Algarabía
La codicia suele ser el preámbulo de cualquier tragedia...

Al menos esa parece ser la idea detrás de las últimas crisis que se han desatado en el mundo, independientemente de su origen y alcance.
Los villanos arquetípicos de la actualidad distan de retorcerse el bigote más que de acomodarse el traje y pensar estrictamente en negocios. Hemos hecho del empresario y el corporativismo el nuevo villano en nuestras fábulas contemporáneas, cuando menos es lo que filmes como Horizonte profundo presentan: la conversión de eventos reales en trepidantes ficciones con una moraleja, rudimentaria, pero efectiva.
Basada en la explosión de la plataforma petrolera Deepwater Horizon, que en el 2010 provocó el derrame de millones de galones de crudo en el Golfo de México.

Considerado el peor desastre ecológico de la historia, del cual se le adjudica responsabilidad a un par de ejecutivos de camisas sudorosas con el logo del monstruo corporativo British Petroleum, este filme dirigido por Peter Berg –Batalla naval (2010); Lone survivor (2013)– se centra más en una sensible representación de las dinámicas y la interacción entre los trabajadores de la plataforma que en una vívida representación de la tragedia en sí.
Berg, cuyo estilo es frecuentemente acusado de ser una copia al carbón del de Michael Bay, presenta un trabajo de una notable madurez y de una hábil construcción de tensión. El tono es de inminente y ominoso desastre, con sus múltiples planos largos y aunque desde el punto de vista técnico resulta complejo ver en todas sus dimensiones lo que provocó el desastre, Berg no necesita más que una lata de refresco y la explicación de una niña de 10 años para explicarlo.
–Checa también los peores desastres industriales–
Mucho menos artificioso y plástico en su planteamiento visual que el mentado Bay –Transformers, 2007; 13 Horas, 2016–, Berg es un estilista más modesto y centrado quien en Horizonte profundo nos involucra en las historias de los trabajadores, particularmente de Mike Williams –Mark Wahlberg–, jefe de mantenimiento y Jimmy Harrell –enorme Kurt Rusell–, jefe de seguridad y de cómo la sabia camaradería obrera se enfrenta a la despreciable codicia de los funcionarios Kaluza –Brad Leland– y Vidrine –John Malkovich, antagónico por excelencia.
Construyendo una tensión de la misma manera que el crudo se acumula subterráneamente para salir violentamente disparado, Horizonte profundo es una intensa celebración de la clase trabajadora y su resiliencia.
Un mensaje que cala hondo en el actual escenario político de los ee.uu, en el que la bruta codicia personal ha tomado como bandera el reclamo del trabajador, que en su rabia no ha reparado en tan engañoso disfraz.

Científicos alemanes que cambiaron la historia

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Categoría: Cultura y Espectaculos Creado: 12 Octubre 2016 Visto: 2392

s41 ciencia homealemania Arturo Gallegos García. Algarabía
Tal vez al oír el nombre de Alemania de inmediato pienses: «gente inteligente; futbol vertical» o «ricas chelas».

ues sí, dentro de los estereotipos que existen en el imaginario colectivo sobre los alemanes, no es casualidad que por su mente pase uno —o varios— de los científicos más célebres que «en el mundo han sido». He aquí un recuento de los más emblemáticos.
Johannes Kepler
(27 de diciembre de 1571, Weil der Stadt - 15 de noviembre de 1630, Regensburg, Sacro Imperio Romano Germánico)
Figura clave de la revolución científica  del siglo xvii. Fue matemático y  astrónomo. Escribió sobre astronomía,  apoyando la teoría heliocéntrica de  Copérnico. De sus libros Mysterium  Cosmographicum, Astronomiae Pars  Optica y Astronomia Nova surgieron las  llamadas Leyes de Kepler —otros científicos las nombraron así—: «Todos los planetas se desplazan alrededor del Sol describiendo órbitas elípticas. El Sol se encuentra en uno de los focos de la elipse»; «el radio vector que une a un planeta con el Sol, recorre áreas iguales en tiempos iguales»; y «Para cualquier planeta, el cuadrado de su periodo orbital es directamente proporcional al cuadrado de la longitud del semieje mayor de su órbita elíptica».
Sus descubrimientos fueron fundamentales para la Ley de Gravitación que luego estableció Isaac Newton.

Gottfried Wilhelm Leibniz
(1 de julio de 1646, Leipzig - 14 de noviembre de 1714, Hannover, Sacro Imperio Romano Germánico)
Considerado como el «último genio universal», estuvo prácticamente ligado a toda rama de la ciencia: fue filósofo, matemático, físico, filólogo, sociólogo, y político alemán que rivalizó con el mismísimo Newton.
Haciendo a un lado sus vastas aportaciones, Leibniz, contribuyó especialmente en matemáticas: a la par de Newton descubrió el cálculo —diferencial e integral—, pero su legado más relevante fue la introducción de las notaciones actuales para la integración: «∫», summa, y «d», differentia, ambas en latín y anticipó por casi dos siglos a la topología —rama de las matemáticas que estudia propiedades de los cuerpos geométricos que permanecen inalterados por transformaciones continuas— al decir que una línea recta en realidad es una curva y que cualquiera de sus puntos son iguales.
Él perfeccionó el sistema binario: base de toda la tecnología digital.

Einstein tuvo el mismo modo de pensar que Leibniz, ya que éste también dijo que el espacio, tiempo y movimiento son relativos y no absolutos como se pensaba en aquella época —y hasta mediados del siglo xx.
–Aquí hay gato encerrado–
Alexander von Humboldt
(14 de septiembre de 1769, Berlín - 6 de mayo 1859, Berlín, Reino de Prusia)
Considerado como el «padre de la  geografía moderna» también fue  astrónomo, humanista, naturalista y  explorador. De muy joven recorrió todo  el río Rin hasta llegar a Holanda y de  ahí viajó hasta Inglaterra: esto despertó  su futura vocación por explorar otros  continentes. Realizó expediciones por Nueva Granada —Venezuela, Colombia y Ecuador—, por el Perú, la Nueva España, Cuba y finalmente Norteamérica.
Irónicamente, en Alemania no es tan conocido como en el resto del mundo.

Durante sus viajes registró información primordial sobre: el clima, recursos naturales, orografía, flora y fauna, además de su fundamental estudio vulcanológico del Nuevo Mundo. Obtuvo la nacionalidad mexicana en 1827 por parte del presidente Guadalupe Victoria y en 1859 —el año de su muerte— fue declarado como Benemérito de la Patria por Benito Juárez.
Carl Friedrich Gauss
(30 de abril de 1777, Braunschweig, Sacro Imperio Romano Germánico - 23 de febrero de 1855, Göttingen, Confederación Germánica)
Llamado «el más grande matemático desde la antigüedad» o Princeps mathematicorum, las aportaciones de Carl Gauss en teoría numérica, álgebra, estadística, análisis, geometría diferencial, geodesia, geofísica, mecánica, electroestática, astronomía, teoría de matrices y óptica, revolucionaron la ciencia. Luego de ser un «niño prodigio», a los 21 años escribió su «obra maestra»: Disquisitiones Arithmeticae, tratado con el que consolidó a la teoría numérica como disciplina. En cuanto a astronomía, ayudó a reencontrar al planeta enano Ceres —situado entre Marte y Júpiter—, sólo empleando métodos matemáticos —entre ellos la Segunda Ley de Kepler y antecediendo la Transformada rápida de Fourier de 1965— que le ayudaron a determinar la Constante gravitacional gaussiana, la cual contiene al «método de los mínimos cuadrados» que ahora es indispensable para minimizar el impacto del error.
–Lee también acerca de Einstein y la relatividad–
Max Planck
(23 de abril de 1853, Kiel, Confederación Germánica - 4 de octubre de 1947, Göttingen, Alemania Federal)
Físico teórico que recibió el Premio Nobel de Física en 1918 por sus aportaciones a la teoría cuántica. Estuvo cerca de no dedicarse a la física debido a que su profesor Philipp von Jolly le  advirtió que prácticamente «ya se había  descubierto todo» y que sólo faltaba por  «rellenar algunos huecos». En 1900 propuso una solución para el problema de la radiación del cuerpo negro —un absorbente ideal que no existe— presentado por Kirchoff,  en el que la energía electromagnética sólo puede ser emitida de forma cuántica, es decir: la energía es un múltiplo de unidad elemental.
Heinrich Rudolf Hertz
(22 de febrero de 1857, Hamburgo, Confederación Germánica - 1 de enero de 1894, Bonn, Imperio Alemán)
Seguro cuando se funde un foco y usted revisa la cantidad de frecuencia para conseguir uno nuevo... ¡zap!, aparece el apellido de este físico. Hertz comprobó la existencia de las ondas electromagnéticas que habían sido predichas por el escocés James Maxwell.
Hertz sólo vivió 36 años, una de las magnitudes eléctricas lleva su apellido como homenaje a sus notables aportaciones.

El descubrimiento consistió en reformular las ecuaciones de Maxwell y juntarlas con los resultados del experimento de Michelson (1881) el cual refutó la existencia del éter, sustancia hipotética muy ligera que supuestamente ocupaba todo el espacio— por lo que demostró que las  ondas electromagnéticas viajan a través del aire libre y del vacío, y para lo que construyó en su laboratorio un emisor —oscilador— y un receptor —resonador— de ondas.
Max von Laue
(9 de octubre de 1879, Pfaffendorf, Reino de Prusia - 24 de abril de 1960, Berlín)
Recibió el Premio Nobel de Física  en 1914 por su descubrimiento de la difracción de los rayos x por medio de cristales. Fuerte opositor del nazismo, fue una figura clave para el resurgimiento y organización de las ciencias en Alemania tras la ii Guerra Mundial. Hizo contribuciones en óptica, cristalografía, teoría cuántica, superconductividad y sentó bases para el desarrollo de la Teoría de la relatividad.
James Franck
(26 de agosto de 1882 en Hamburgo, Imperio Alemán - 21 de mayo de 1964 en Göttingen)
Recibió el Premio Nobel de Física  en 1925, junto con Gustav Hertz —sobrino de Heinrich—, «por su descubrimiento de las leyes que gobiernan el impacto del electrón sobre el átomo», fundamental para el modelo atómico de Niels Bohr. Gravemente herido durante la i Guerra Mundial, fue condecorado con la Cruz de Hierro de Primera Clase. En 1920, a pedido de Max Born, Franck llegó como profesor ordinario al Instituto de Física Experimental de la Universidad de Göttingen, del que luego sería su director.
En 1933, a modo de protesta, renunció a su cargo cuando los nazis asumieron el poder, y emigró al Instituto Niels Bohr de Copenhague, en Dinamarca, no sin antes apoyar al físico inglés Frederick Lindemann para que más científicos judíos consiguieran trabajo en el extranjero.

Fue un fuerte promotor para las carreras científicas de las mujeres, de las que destacan Lise Meitner, Hertha Sponer —su segunda esposa— y Hilde Levi. Si bien formó parte del Proyecto Manhattan durante la ii Guerra Mundial como Director de la División de Química del Laboratorio Metalúrgico, a la par fue Presidente del Comité de Problemas Políticos y Sociales, para evitar el uso de las bombas atómicas. En su honor, la Universidad de Chicago fundó el Instituto James Franck.
Encuentra este artículo completo en nuestra edición especial de Alemania.

¿Venció Cortés con 800 españoles a miles de indígenas?

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Categoría: Cultura y Espectaculos Creado: 10 Octubre 2016 Visto: 2330

vencio cortez Arqueologiamexicana
Eduardo Matos Moctezuma
Esta idea muy difundida y que escuchamos en no pocas ocasiones no está ajustada a la realidad. Basta acudir a documentos de soldados que fueron testigos de los hechos de la conquista, como los relatos de Bernal Díaz del Castillo, y a las Cartas de Relación de Hernán Cortés para percatarse que tal idea está muy lejos de ser verdad. A esto se unen diversas fuentes indígenas en las que podemos leer mayor información sobre el tema, tal como lo veremos a continuación.
Cuando Cortés sitia las ciudades mexicas de Tenochtitlan y Tlatelolco pone en práctica un plan para tratar de vencer la resistencia indígena. Nos dice el capitán español en su tercera Carta de Relación, enviada al rey de España, que una de las estrategias que empleó fue la de cortar el agua potable que llegaba a Tenochtitlan por medio del acueducto que la traía desde Chapultepec: “que era quitarles el agua dulce que entraba a la ciudad, que fue muy grande ardid” (Cortés, s.f., pp. 325-326).
Para el ataque divide sus fuerzas en tres grandes grupos y prepara los bergantines para asolar estas ciudades. Como se recordará, Tenochtitlan se encontraba en medio del lago de Texcoco y se unía a tierra firme a través de grandes calzadas como las de Tacuba, por el poniente, la de Tepeyac, por el norte, y la de Iztapalapa hacia el sur, además de miles de canoas que transportaban personas y productos entre las dos ciudades lacustres y la tierra firme. Pues bien, Cortés pone a Pedro de Alvarado en la ciudad de Tacuba con “treinta de caballo, y diez y ocho ballesteros y escopeteros, y ciento y cincuenta peones de espada y rodela, y más de veinte y cinco mil hombres de guerra de los de Tascaltécal”. A Cristóbal de Olid lo ubica en Coyoacan con “treinta y tres caballos, y diez y ocho ballesteros y escopeteros, y ciento y sesenta peones de espada y rodela, y más de veinte mil hombres de guerra de nuestros amigos...”. Gonzalo de Sandoval ocupa Iztapalapa con “veinticuatro de caballo, y cuatro escopeteros y trece ballesteros, y ciento y cincuenta peones de espada y rodela; los cin cuenta dellos, mancebos escogidos, que yo traía en mi compañía, y toda la gente de Guajucingo [Huejotzingo] y Chururtecal [Cholula] y Calco [Chalco], que había más de treinta mil hombres” (Cortés, s.f., pp. 323-324).
Por su parte, Bernal Díaz señala cifras más o menos similares, aunque dice que el número de indígenas que acompañaban a cada cuerpo de ejército era de ocho mil hombres (Díaz del Castillo, 1943, pp. 106-107). Por su parte, Cortés asume el mando de los 13 bergantines contando para ello con 300 hombres, “todos los más gente de la mar y bien diestra; de manera que en cada bergantín iban veinte y cinco españoles, y cada fusta llevaba su capitán y veedor y seis ballesteros y escopeteros” (Cortéz, s.f., p. 324).
Como podemos ver, fueron alrededor de 800 españoles más cerca de 75 mil indígenas enemigos de Tenochtitlan los que llevaron a cabo la conquista. Crónicas indígenas como el Relato de la Conquista , escrito en 1528 por un indígena anónimo de Tlatelolco, relatan lo que fueron los últimos enfrentamientos entre los dos bandos. Así, leemos pasajes como éste que marca el final de la contienda:

Y esto fue todo. Habitantes de la ciudad murieron dos mil hombres exclusivamente de Tlatelolco. Fue cuando hicimos los de Tlatelolco armazones de hileras de cráneos [tzompantli]. En tres sitios estaban colocados estos armazones. En el que está en el Patio Sagrado de Tlilan es donde están ensartados los cráneos de nuestros amos [españoles].
En el segundo lugar, que es Acacolco, también están ensartados cráneos de nuestros amos y dos cráneos de caballo.
En el tercer lugar, que es Zacatla, frente al templo de la Mujer [Cihuacóatl], hay exclusivamente cráneos de tlatelolcas.
Y así las cosas, vinieron a hacernos evacuar. Vinieron a estacionarse en el mercado.
Fue cuando quedó vencido el tlatelolca, el gran tigre, el gran águila, el gran guerrero. Con esto dio su final conclusión la batalla.
Fue cuando también lucharon y batallaron las mujeres de Tlatelolco lanzando sus dardos. Dieron golpes a los invasores; llevaban puestas insignias de guerra; las tenían puestas. Sus faldellines llevaban arremangados, los alzaron para arriba de sus piernas para poder perseguir a los enemigos. [...] Y todo esto pasó con nosotros.
Nosotros lo vimos, nosotros lo admiramos; con esta lamentosa y triste suerte nos vimos angustiados (Relato de la Conquista, 2003).

5 LUGARES PARA ESPANTARSE EN LA CDMX

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Categoría: Cultura y Espectaculos Creado: 10 Octubre 2016 Visto: 2358

5 lugares Por qué nos gusta tanto espantarnos?... Parte del encanto del Día de Muertos es buscar experiencias que despierten esa sensación y la razón radica en que, una vez que descartamos estar en peligro, es bastante divertido y nos hace echar a volar la imaginación.
Esto ocurre cuando entramos a una casa de espantos en una feria o cuando vamos al cine a ver una película de terror, y también cuando te sientas con amigos a hablar de historias de aparecidos y fantasmas.
Si en estas fechas buscas alimentar esa sensación, te dejamos la siguiente lista de lugares en la Ciudad de México que seguro te van a dar escalofríos:
El callejón del diablo en Mixcoac
En la colonia Insurgentes Mixcoac hay una antigua callejuelapor donde apenas cabe un auto compacto, es un cruce lleno de misticismo pues hay varias leyendas que aseguran que desde siglos atrás se aparece el mismísimo diablo en ese lugar.
Las altas bardas del callejón pertenecen a la universidad y la primaria Simón Bolívar y su longitud va de Río Mixcoac a la calle Campana, pero la leyenda cuenta que antes las paredes eran árboles de denso follaje que servían de refugio a una presencia maligna que ha alimentado varias historias a lo largo de los años.
Conoce estos 10 personajes de leyendas en México
La casa de la Tía Toña
En un lugar conocido como la barranca El castillo, en la tercera sección del Bosque de Chapultepec, existe un destino que ha atraído a los amantes de las leyendas durante años. Se trata de una mansión abandonada escondida entre vegetación y de la que, aseguran, provienen risas de niños y lamentos de mujer.
La leyenda cuenta que una mujer adinerada acogía a niños pobres en la propiedad, pero llegó el día en que el comportamiento de éstos la hartó a tal grado que los asesinó y después se suicidó. Desde entonces el lugar luce desolado.
Por cierto, otro lugar lleno de leyendas es Guanajuato. Conoce las más populares.
La casa negra en la colonia Roma
Esta casa ubicada en la avenida Álvaro Obregón e Insurgentes parece haber sido diseñada para ser la casa de espantos de algún parque de diversiones. El estilo porfiriano de la casona se ha ido deteriorando con el tiempo, sin embargo, permanece imponente, pero nunca ha podido ser rescatada porque, aseguran, se escuchan ruidos por la noche y hasta la temperatura desciende.
No se sabe con exactitud qué ocurrió ahí pero la versión que cuentan los capitalinos es que una familia rica habitaba el lugar y un día amanecieron muertos los padres y sus hijos, por lo que quedó intestada y el gobierno la incautó.
Descubre los lugares donde vivieron los escritores de la Generación Beat en la Roma
El Callejón del Aguacate
Es uno de los lugares más emblemáticos de Coyoacán y destino favorito para los que buscan espantarse cuando se mete el sol. Aunque a los vecinos no les divierte tanto la idea de quienes visitan el callejón, muchos lo hacen con el objetivo de conocer el lugar donde —según la leyenda— un militar golpeó y ahorcó a un niño en un árbol porque le molestaba que quisiera jugar con él cuando pasaba.
El árbol se encuentra donde está la virgen y hay quienes aseguran que al anochecer se escuchan los gemidos del niño e incluso que se dibuja su rostro en la corteza del árbol.
Casa Don Juan Manuel Solórzano
En el número 90 de la calle República de Uruguay en elCentro Histórico de la capital, hay una casona del siglo XVIIIque perteneció originalmente a don Juan Manuel Solórzano, quien, según la leyenda, se convirtió en un asesino en serie debido a sus celos enfermizos y tras venderle su alma al diablo para que éste le revelara la identidad del hombre con el que lo engañaba su esposa.
Accidentalmente mató a su sobrino, algo que hizo insoportable su existencia y finalmente, terminó ahorcándose.
¿Qué otro lugar te espanta, ya sea en la CDMX o en otro lugar de México? ¡Pásanos el dato!

El mural del Edificio B de Cacaxtla ¿una batalla?

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Categoría: Cultura y Espectaculos Creado: 10 Octubre 2016 Visto: 2562

el mural Arqueologiamexicana
María Teresa Uriarte

La muerte y la resurrección son temas entrelazados en las mitologías mesoamericanas; muertos y sacrificados dan origen al tiempo en Teotihuacan, y también en el Popol Vuh. La muerte del dios del maíz aparece en la mitología mesoamericana, y se le representó en los murales del Edificio B de Cacaxtla como un sacrificio, al cual erróneamente se le ha conocido como La Batalla.

Las pinturas murales de Cacaxtla forman parte de un patrimonio invaluable de México. Desde su descubrimiento, hace algo más de tres décadas, han suscitado el interés de estudiosos nacionales y extranjeros. Durante este tiempo la mayoría de sus analistas consideran que los murales más espectaculares, que se ubican en el Edifico B y que se conocen como La Batalla, son la representación histórica o mítica de un combate. Sin embargo, Román Piña Chán, en 1996, propuso que se trata de la representación del sacrificio de Xólotl, ya que los vencedores son los únicos que llevan armas ofensivas (con excepción del personaje 10 del muro poniente, que lleva una lanza). La propuesta que hago a continuación ha sido elaborada de manera más extensa en colaboración con el Dr. Erik Velásquez para el libro Cacaxtla, del proyecto La Pintura Mural Prehispánica en México, y que se publicará próximamente.
Quizás uno de los mitos más extendidos en Mesoamérica, desde épocas muy antiguas, es el del nacimiento y la muerte del dios del maíz. David Joralemon, Virginia Fields y Karl Taube han escrito de manera abundante sobre este tema, que también ha abordado de forma extensiva Ivan Sprajc. Estos autores han definido de manera clara cuáles son los rasgos que identifican a la deidad asociada con el cereal y que también se vincula con el planeta Venus.
Con frecuencia los gobernantes se ataviaban como el dios y son muy numerosas las representaciones –particularmente entre los mayas– que los retratan de esta guisa.

Las características del dios del maíz

La deformación craneana y la tonsura son rasgos distintivos del dios del maíz. Con el propósito de simular la parte final de la mazorca, de donde brota el pelo el cráneo se modela para hacerlo semejante. Asimismo, hay varias explicaciones para la tonsura, y la más certera quizás sea la que la asocia con la práctica sacerdotal y guerrera, pero también porque el maíz así representado obtiene una personalidad humana y los seres humanos que lo emulan adquieren particularidades divinas, como ocurre, por ejemplo, con las mazorquitas antropomorfas de la planta de maíz en el Templo Rojo de Cacaxtla.
Un distintivo adicional es un mechón de pelo sobre la frente, el cual aparece desde el Preclásico en San Bartolo y Uaxactún. En ocasiones está sostenido por una joya de piedra verde; así lo lleva K’ihnich Janaab Pakal I de Palenque en la célebre lápida de su sarcófago. Este rasgo se ve en el personaje 1 del muro oriente de Cacaxtla, quien está sentado y a punto de sufrir una herida en el pecho producida con un gran cuchillo de pedernal.

Presentarán "El color de los dioses" en Bellas Artes

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Categoría: Cultura y Espectaculos Creado: 10 Octubre 2016 Visto: 2351

presentan La Jornada
Ciudad de México. La idea de que la escultura en la antigüedad clásica fue monocromática, determinada sólo por el blanco del mármol, es errónea. Tanto los artistas griegos como los romanos se caracterizaron por el empleo de la policromía en sus piezas.
Situación similar prevaleció entre las culturas mesoamericanas con sus obras en piedra, aunque el sentido en el uso del color y su significado en ambas geografías fue muy diferente.
Tal es el aspecto sobre el cual ahonda la exposición El color de los dioses. Policromía en la Antigüedad clásica y Mesoamérica, que será inaugurada este martes 11 de octubre en el Museo del Palacio de Bellas Artes, donde permanecerá abierta al público hasta enero de 2017.
Son 118 piezas, entre originales y replicas, provenientes del mundo grecolatino y de las culturas maya, tolteca, olmeca y mexica, que permiten establecer un diálogo entre dos diferentes estéticas referentes a escala mundial en la historia del arte.
Producida por el Museo Städel y el Liebieghaus Skulpturensammlung de Frankfurt, en cooperación con la Stiftung Archäologie, la muestra llega a nuestro país como parte del Año Dual Alemania-México, bajo la organización del Instituto Nacional de Bellas Artes (INBA).
Es la primera ocasión que se presenta en América Latina, tras haber recorrido 22 países de Europa y Asia, si bien ahora fue adecuada con la inclusión de ejemplos escultóricos del México precolombino, para lo cual se contó con el apoyo del Instituto Nacional de Antropología e Historia (INAH).
De acuerdo con Julio Rivas, coordinador de la exposición, ésta ofrece la posibilidad de generar un replanteamiento en la forma en que se concibe la escultura antigua, luego de que se demuestra y ejemplifica, por medio de reproducciones y algunos originales, que no estaba desprovista de color, como erróneamente se cree hasta la fecha.
“Aquel supuesto nexo con el pasado, que concebía a la escultura blanca o con ausencia de policromía, no puede sostenerse a la luz de estas nuevas investigaciones que esencialmente nos plantean cómo es que los creadores de estas figuras podían ver el color en sus propias obras de arte”, afirma el especialista.
“En El color de los dioses... hallamos un contraste entre dos cosmovisiones y dos formas de interpretar el significado del color. Podría decirse que en uno (el mesoamericano) el ámbito divino se encuentra presente de manera constante, mientras que en el otro (el grecorromano) el mensaje es mucho más explícito y tangible”.

Sergio Ramírez revela las artes gastronómicas de Rubén Darío

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Categoría: Cultura y Espectaculos Creado: 10 Octubre 2016 Visto: 2401

sergio ramirez La Jornada
Alondra Flores Soto
Rubén Darío, autor de el libro es fuerza, es valor, es poder, es alimento; antorcha del pensamiento y manantial del amor, además de gran poeta del modernismo fue un sibarita del mundo, un hombre de su tiempo.
Sergio Ramírez (Masatepe, 1942) sirve al lector una muestra del cosmopolita apetito de su compatriota nicaragüense en el libro A la mesa con Rubén Darío, de reciente publicación, en una coedición entre las universidades autónomas de Nuevo León y Sinaloa, y Trilce.
Entramos a la cocina con la llave de este libro; vemos ahí todos los peroles, las marmitas humeando de lo que se cocinaba en esa época, habla en entrevista el autor, con un cristalino paisaje del Ajusco de fondo.
Las páginas constituyen una crónica de las artes gastronómicas a través de la inspiración de Darío, quien entendió y escribió de todo. El llamado Príncipe de las Letras Hispánicas no era un hombre rico. Nunca lo fue. Pero le gustaba el buen vivir, los buenos trajes, hechos a la medida. Y, por tanto, los buenos restaurantes.
Una lata en la portada contiene unas 360 páginas de la cocina de los días de Rubén Darío, fallecido hace un siglo: los sabores de la Belle Époque,sin fecha de caducidad. Mi guía es entrar en la época y descubrir que Rubén Darío veía la cocina como una cultura. Hago una conexión entre sus recuerdos de la cocina criolla nicaragüense y la de Europa, pasando por las de Latinoamérica o el Caribe, de las que él comentó en más de 700 crónicas.
Rubén se respalda en toda esa tradición para ver la cocina como cosa intelectual y artística, y se ocupa del tema desde París, capital de la moda femenina y de las artes de la cocina, no propiamente como cocinero ilustrado, sino como gourmet, se explica en el texto que presentará en las ferias del libro de Monterrey, el 11 de octubre, y en la del Zócalo de la capital del país, el día 16. Su visita a México también es para deliberar como jurado el premio Carlos Fuentes.
El pato número 32 mil 388 fue el que el saboreó Darío en 1910 en la Tour d’Argent, platillo mejor conocido como Canard au sang, del que el prestigiado restaurante daba certificado. El pato servido en una salsa hecha con su sangre era caro, edición de lujo para extranjeros.
En esta mesa con Darío y Ramírez, el plato fuerte: la Bella Época que alimentó al poeta y periodista, hombre de origen rural que llega al París del naciente siglo XX en los días de la Exposición Universal. La Ciudad Luz que vio por primera vez en 1893, soñada desde niño: París era para mí como un paraíso donde respiras la esencia de la felicidad sobre la Tierra. Era la aiudad del arte, de la belleza y de la gloria; sobre todo, era la capital del amor, el reino del ensueño, cita Ramírez en su libro.
Los apartados ensayísticos del libro son aderezados con ilustraciones de escenas de esos días y referencias literarias. El postre: más de 70Recetas Darianas, desde sopas, caldos, pucheros, aves, carnes, dulces y las de la tierra natal.
Se les pone una hoja de laurel y una cabecita de ajos asada. Todo el día cociendo, consumido el caldo queda seco el frijol. Se calienta entonces manteca de cerdo y en ella se echan los frijoles para que se frían bien dándoles vuelta como si fuera tortilla. Así es como Rubén enseñó a su mujer Francisca a preparar los frijoles criollos. Así Ramírez nos reproduce la receta.
Yo creo que él nunca cocinó directamente. Pero, igual que yo, que nunca he cocinado, me sé las recetas. Y era capaz de decirle a la mujer: es así. Se deleitaba de describir la comida, porque para él era parte de la vida, era buen comedor.
Generalmente, las personas pensaban que meterse a la cocina era algo degradante, observa el autor deAdiós muchachos. ¿Un escritor qué tiene que ver con la cocina? Y quizá con la idea que existía antes (eso ha cambiado mucho) de que la cocina era de las mujeres, comenta. Sin embargo, para su investigación, retoma a varios hombres de letras. Destaca Alejando Dumas y su diccionario de cocina, pero también menciona a autores como Joseph Conrad, Oscar Wilde o el mexicano Alfonso Reyes.
¡Fuera de aquí!, le decían al pequeño Sergio cuando entraba a la cocina. Recuerda que en la infancia lo sacaban porque era un lugar donde no debería estar, es decir, no era permitido ocuparse de cosas que se consideraban femeninas.
“Entonces, cuando yo era niño, los hombres que cocinaban eran vistos como homosexuales, se burlaban de los cuques, como les decían en Nicaragua a los cocineros. Hoy te das cuenta del prestigio que tienen los cocineros varones. La cocina ha pasado a manos de los hombres.”
Cronista insaciable
En charla, entonces, pregunta: ¿Por qué este tema es para mí relevante? Porque la comida es parte de la vida. Sin ella, uno no puede explicar a un país.
El libro gastronómico propone pensar a Darío como cronista insaciable sobre infinidad de cosas y conocer a un gran testigo de su época, quien vio las transformaciones no sólo culturales, sino políticas de su tiempo.
Las crónicas de Darío son muy importantes, explica: yo comenzaría por recomendar que las pusieran como lectura en las escuelas de periodismo. Aunque, obviamente, se le conoce más como poeta, pues la modernidad que creó la reconocen todos los que vienen después, como Borges y Octavio Paz, quienes lo consideran un escritor clave en la historia de la literatura latinoamericana.
Finalmente, advierte: Me faltó poner una nota, porque yo no me responsabilizo de estas recetas. No están probadas por mí. No soy cocinero. Soy aficionado a la literatura, y a la cocina desde el punto de vista de la literatura, y desde esta perspectiva está escrito el libro.

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