Cultura y Espectaculos

Museos de sitio Xochitécatl-Cacaxtla 2

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Categoría: Cultura y Espectaculos Creado: 13 Junio 2016 Visto: 2592

fotoXOCHITECA Edith López Sánchez. CORACYT
El Museo de Sitio de Xochitécatl se divide en 2 secciones, en un espacio cubierto, que exhibe vasijas utilitarias o de uso común, figuras realizadas con la técnica de galleta, sahumerios prehispánicos y otros de la época Colonial.
Xochitécatl, "Lugar del Linaje de las Flores", Zona Arqueológica, ubicada a 4 kilómetros de Cacaxtla, en la localidad de San Miguel Xochitecatitla del municipio de Nativitas, fue erigido en la cima de un cerro en el cual se observan terrazas que probablemente se utilizaron como habitaciones y para el cultivo comenta Yajaira Mariana Gómez García, subdirectora de la zona arqueológica Cacaxtla-Xochitécatl.
Yo siempre recomiendo que primero vayan a la zona, reconozcan y ya después pasen al museo de sitio porque ahí están las cédulas y te explican de donde se sacan ese material, de dónde se encontró y se tenga más o menos una idea, identifiquen donde estuvo enterrado la vasija o alguna otra cosa que se encuentre ahí. El Museo de Sitio de Xochitécatl se divide en 2 secciones, una que se encuentra en un espacio cubierto, que exhibe vasijas utilitarias o de uso común, figuras realizadas con la técnica de galleta, sahumerios prehispánicos y otros de la época Colonial, jarrones del Dios Tláloc, Dios de la lluvia, esta vajilla es muy teotihuacana por los rasgos que tiene y el decorado, estas piezas puede encontrarlas en el edificio 4, en el edifico del osamento de los volcanes.
Ustedes van a observar malacates, les llaman malacates porque los ocupaban como para grabar en las paredes, collares, navajillas de ónix que fue encontrado en el edificio de la serpiente, navajillas de obsidiana, malacates de material verde que eso lo ocupaban para hacer sus collares. Es de importante referencia arqueológica, dado que las figurillas de las ofrendas encontradas en esta zona, esquematizan mayormente el ciclo de la mujer, representando nacimientos, la maternidad, los cuidados infantiles, la ancianidad y la muerte.
Lo padre del museo de sitio es, el de Xochitécatl se tienen ahí las figurillas femeninas la colección está muy bonita, viene todo el ciclo de la mujer, puedes palpar y eso se encontró en las flores, en el área más grande, el monumento más grande, fue una ofrenda, eso no lo ves ni en el museo nacional las piezas que se encuentran ahí.
Por otra parte, simbolizan una significativa condición de “Entronamiento” o elevada posición social de la mujer, como gobernantes o reinas de la región, lo que resulta muy poco común en las civilizaciones prehispánicas de Mesoamérica.
Todas las piezas tienen diferente blusón, diferente vestimenta, diferente decoración y los anillos están en diferente posición que era un símbolo de purificación, de paz, igual las piezas, si ustedes observaron todas las piezas tienen mutilación dentaria en forma de T porque era un símbolo de belleza y de purificación. Adicionalmente también constituye un aspecto importante el poder exponer reliquias prehispánicas de una de las civilizaciones más antiguas, al remontarse sus inicios desde el 750 a.C. y hasta el 950 d.C. De la parte exterior del museo conoceremos en la siguiente emisión de Museos de sitio Xochitécatl Cacaxtla.

Museos de sitio Xochitécatl-Cacaxtla

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Categoría: Cultura y Espectaculos Creado: 13 Junio 2016 Visto: 3413

mural cacaxtla Edith López Sánchez. CORACYT

El museo de sitio de la Zona Arqueológica de Cacaxtla cuenta con un guión y museografía que pone en contexto el desarrollo de la ciudad prehispánica de Cacaxtla, así como un montaje que revela los secretos de su pintura mural, cuyos diseños y tonalidad permanecen después de mil años. Yajaira Mariana Gómez García, subdirectora de la zona arqueológica Cacaxtla-Xochitécatl invita al público conozca las zonas y sus museos de sitio.
Como saben las piezas que tenemos son de las excavaciones que hubo en el museo de sitio de Cacaxtla del gran basamento y de Xochitécatl lo que se encontró cuando se descubrió la zona. El museo de sitio muestra un acervo de 164 piezas arqueológicas, a parte de la Sección Introductoria, el espacio estará dividido en Periodo Formativo, que abarca las primeras ocupaciones de Cacaxtla; Técnicas de pintura; Dioses y hombres; y Epiclásico, referente al lapso de auge de la ciudad que abarcó entre 650 y 950 d.C. destacando la colección denominada los Señores de Cacaxtla.
En el de Cacaxtla, tenemos ahí una urna, los 11 señores de Cacaxtla que son impresionantes y las reproducciones de pintura mural la verdad está muy bien hecha, entonces allá no tienen el acceso como digo pero ahí pueden ya ver todos los motivos iconográficos. Entre los objetos arqueológicos que los visitantes podrán admirar destacan bruñidores, elementos arquitectónicos, estatus de las deidades de Tláloc, Xipe y Tlazoltéotl, cerámica, cistas, figuras antropomorfas, huesos, ornamentos y un par de urnas con personajes modelados. “El mural de la batalla,” se observa desde lejos en su ubicación original, dado que se hallan en áreas restringidas. Por ello, en el museo, se realizaron reproducciones a escala de la pintura mural donde los visitantes pueden admirar los detalles del Hombre jaguar, una de las figuras dispuestas en las jambas del Edificio A, las escenas acuáticas del Templo Rojo y el Hombre Escorpión, del Templo de Venus, entre otras.

Yajaira Gómez García Subdir. Zona arqueológica Cacaxtla-Xochitécatl. Las piezas que se exponen son de ahí de la zona y es eso que conozcan los materiales, el patrimonio que tiene la región Tlaxcala y es eso el museo trae un diálogo tiene una temática de los periodos que corresponden a la zona arqueológica y las piezas así se distribuyen, se les da un folletito para que más o menos vayan checando una guía para que vayan ellos haciendo su recorrido y se vinculen con el sitio. Se destaca la importancia de la pintura mural de Cacaxtla que posee elementos decorativos y simbólicos tanto del Altiplano Central como del área Maya, además de influencias de El Tajín y de la región de Oaxaca. El museo de sitio Cacaxtla abre sus puertas de lunes a domingo de 9 a 17:30 horas al igual que el museo de sitio Xochitécatl pertenecientes a la misma zona arqueológica ubicada en Nativitas.

El Bosco: ¿devoción o locura?

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Categoría: Cultura y Espectaculos Creado: 13 Junio 2016 Visto: 2523

boscco Francisco Masse. ALGARABÍA
En un lado, un majestuoso creador bendice la unión nupcial de Adán y Eva en el Jardín del Edén. En el centro de otro jardín, sin duda más alejado de la mano de Dios, un tropel de figuras desnudas se entrega sin vacilar a diversos placeres de la carne. Del otro lado, el horror, la [...]
En un lado, un majestuoso creador bendice la unión nupcial de Adán y Eva en el Jardín del Edén. En el centro de otro jardín, sin duda más alejado de la mano de Dios, un tropel de figuras desnudas se entrega sin vacilar a diversos placeres de la carne. Del otro lado, el horror, la tiniebla y el fuego invaden la tierra y los demonios que emergen de sus entrañas engullen y torturan a los condenados... es el fin del tiempo y el comienzo de la eternidad.
Se trata del célebre trípitico El jardín de las delicias, realizado a principios del siglo xvi por uno de los pintores más enigmáticos de la historia: Hieronymus Bosch (h. 1450-1516), mejor conocido por los hispanohablantes como «El Bosco». Luego de contemplar estas escenas —y de reponerse del estupor que provocan sus abominables monstruos y la multitud de símbolos incomprensibles, así como la sensación de desesperanza que las inunda—, uno no puede dejar de preguntarse quién fue El Bosco y cómo concibió toda esa imaginería.
Se dice que era un devoto, un orate o un iluminado; que practicaba la brujería, la alquimia o que pertenecía a alguna secta herética.

¿Acaso ingería alucinógenos o fue el primero en atisbar la mente inconsciente? ¿Qué quiso simbolizar con esas alegorías moralizadoras, esos monstruos espeluznantes y los atemorizantes demonios? Y, si parecía conocer tan bien las huestes diabólicas, ¿cómo fue que, en pleno furor contrarreformista, no acabó consumido por las llamas de la Inquisición?
Un inventor de monstruos y quimeras
En realidad se sabe muy poco de El Bosco, ya que nunca llevó un diario ni hizo anotaciones sobre su vida o su trabajo. Nunca fechó un cuadro —aunque sí firmó algunos— lo cual impide estudiar su obra cronológicamente. Además, y para acrecentar el misterio, se presume que una buena parte de sus cuadros se perdieron en el siglo xvi, cuando  su ciudad natal fue invadida por el ejército protestante y  la furia iconoclasta de éste dio cuenta de una importante porción del legado pictórico del holandés visionario. Así, la obra que persiste hasta nuestros días es escasa, casi toda está en malas condiciones o ha sido torpemente restaurada; incluso, existen dudas sobre la autoría de algunas piezas.
No obstante, hay hechos que sí sabemos; por ejemplo, que su nombre real era Hieronymus van Aken1 y que nació, vivió y murió en Hertogenbosch —de donde deriva su mote—, una próspera y apacible ciudad holandesa situada en la frontera con Bélgica, cuyo profundo fervor católico propició el nacimiento de innumerables congregaciones religiosas. Según parece, El Bosco rara vez abandonó esa ciudad, lo que sin duda influyó de manera determinante en su concepción del mundo.
Sabemos, también, que Hieronymus provenía de una familia de pintores y que seguramente recibió su primera instrucción artística de su padre, Antonius van Aken.

El nombre de su esposa era Aleyt Goyaerts van den Meervenne y que el afamado artista pertenecía a la Hermandad de Nuestra Señora, una cofradía formada por clérigos y laicos dedicada a la veneración de la milagrosa imagen de la Virgen de la iglesia de San Juan —que era el centro de la vida sagrada y secular de Hertogenbosch—, y que sus miembros fueron sus protectores y principales clientes.
El resto de su biografía y su circunstancia cae en el terreno de la especulación. No hay pruebas convincentes de que El Bosco practicara la brujería, la alquimia o que acostumbrara ingerir algún alucinógeno. También «debemos tachar de anacrónica la tendencia de interpretar  la obra de El Bosco en términos del surrealismo o de la psicología freudiana [...]; el psicoanálisis moderno hubiera sido incomprensible para el pensamiento del medievo: lo que nosotros llamamos libido era denunciado por la Iglesia como el pecado original; lo que para nosotros es la expresión del inconsciente, en la Edad Media eran los dictados de Dios o del Diablo.
La psicología moderna podrá explicar el interés que despiertan en nosotros las  pinturas de El Bosco, pero nunca podrá  explicar el significado que tenían para él y sus coetáneos»2 .
Un predicador con pincel
Para rastrear la inspiración que saturó a El Bosco y tratar de entender el mensaje de  su obra, habría que hurgar, primero, en el folklore de su región, ya que algunos de los personajes y situaciones retratados en sus escenas corresponden a decires populares o a picarescos juegos de palabras, comunes en la Holanda medieval.
Por supuesto también se vio influenciado por las visiones filosóficas y literarias de su tiempo: el ascetismo de Tomás de Kempis en Imitación de Cristo, el satírico pesimismo de La nave de los locos, de Sebastian Brant; así como las minuciosas descripciones de la Gloria celestial y los suplicios del Infierno contenidas en la Divina comedia y en la Visio Tnugdali3 .
Podemos afirmar, entonces, que El Bosco «predicaba»  en cada uno de sus lienzos y tableros, al tiempo que sus terroríficas creaciones y los detalles de los tormentos tenían la función de disuadir al pecador de atentar contra los mandamientos divinos.
Para El Bosco, el pecado y la locura son condiciones universales de la humanidad, el fuego del Infierno es el destino que tienen en común.

Sus cuadros más famosos —El jardín de las delicias, El carro de heno, El Juicio Final— condenan la búsqueda de los placeres físicos y el apego del hombre a la riqueza material a expensas de su bienestar espiritual y la salvación de su alma inmortal.
Para El Bosco, el mundo era un lugar de iniquidad y perversión, un falso paraíso de belleza transitoria donde el hombre vive permanentemente acosado por los demonios —recordemos que, en la alta Edad Media y durante la época de la Reforma, la gente veía al Diablo casi en cualquier lado—4 y cuya única salida posible era el ideal monástico de una vida alejada del mundo y dedicada a la contemplación de Dios. Pero, sin duda, el nativo de Hertogenbosch no abrigaba muchas esperanzas al respecto.
Entre el temor y el anhelo
El espacio no es suficiente para un análisis profundo de las obras de El Bosco. Baste decir que, si lo evaluamos meramente como artista plástico, podríamos afirmar que su técnica era muy inferior a la de otros maestros holandeses —como Jan van Eyck o Hugo van der Goes—, y ni hablar de sus contemporáneos italianos; que su uso de la perspectiva y la proporción en sus composiciones no reportó avance alguno a la pintura, o que la forma en que plasmaba la anatomía humana podría, incluso, parecer rudimentaria; además, su pincel eludió registrar su entorno geográfico, las costumbres de su época y la expresividad de los retratos, y los temas que le ocupaban eran contados: el triunfo del pecado, el Juicio Final, la pasión de Cristo, las escenas bíblicas y la vida ejemplar de los santos.
Se cree que El Jardín de las delicias pertenecía a Enrique iii de Nassau

Pero, entonces, ¿qué hizo que el buen Hieronymus escribiera su nombre en la historia? El hecho de que todas estas limitaciones hayan sido compensadas por una fecunda inventiva —la cual, aun ahora, podría calificarse de «insuperable»— que no sólo se limitó a la representación fiel de la realidad observada o descrita en los textos sagrados, sino que, haciendo uso de la divina capacidad creadora, confeccionó simbólicas visiones apocalípticas, voraces criaturas desprovistas de tórax, demonios crustáceos o alados, piernas sin dueño, monstruos armados con partes de varios animales y temibles cabezas de pájaro que degluten y defecan a las almas malditas.
Comparado con sus contemporáneos, El Bosco gana una distancia sorprendente en originalidad, contundencia y desprendimiento de las cuestiones terrenas. Con él, el horror y el éxtasis se tocan.

José N. Iturriaga ofrece historia culinaria en nuevo libro

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Categoría: Cultura y Espectaculos Creado: 13 Junio 2016 Visto: 2477

culinarro El investigador ofrece en su libro 'Gastronomía' un recorrido por cuatro siglos de esta manifestación cultural
JUAN CARLOS TALAVERA. EXCÉLSIOR

Hace seis años, la Unesco otorgó a la cocina tradicional mexicana el título de Patrimonio Cultural de la Humanidad. Foto: Archivo
CIUDAD DE MÉXICO.

Cuatro siglos de historia culinaria se recopilan en el libro Gastronomía, de José N. Iturriaga, dentro de la serie Historia Ilustrada de México que coordina el también historiador Enrique Florescano, que propone una nueva forma de difusión de la historia, la geografía, las artes y la cultura mexicanas.

“Este volumen, dedicado a la gastronomía, fue escrito por uno de los especialistas más reconocidos, Iturriaga, quien nos propone un recorrido histórico no sólo por los ingredientes y los platillos de la gastronomía nacional, sino también por los hábitos alimentarios de los mexicanos”, detalla Florescano.

Para Iturriaga, comer es un acto biológico, pero cocinar es un acto cultural. Así que la cocina es cultura. De ahí que este volumen arranque con el desarrollo de la cocina prehispánica, el posterior encuentro gastronómico de dos mundos y su evolución durante la Colonia, para luego avanzar ante la influencia europea del siglo XIX y las nuevas tendencia de los siglos XX y XXI.

A esto se suma el hecho de que, hace seis años, la Unesco otorgó a la cocina tradicional mexicana el título de Patrimonio Cultural de la Humanidad, lo cual tiene que ver con sus valores culturales.

“Ya tiene varias décadas que, a nivel mundial, se reconoce a la cocina como una de las expresiones culturales importantes de los seres humanos. La declaratoria de la Unesco es un reconocimiento explícito de esto, como fenómeno cultural, así que era imprescindible hacer este repaso histórico, que tratamos que fuera lo más completo, actualizado y compactado posible”, detalla el académico.

Dentro de este recuento, Iturriaga destaca la existencia de los 62 grupos indígenas que conservan su lengua autóctona y, por tanto, muchas otras de sus tradiciones culturales, entre ellas la cocina.

“¿Qué tiene que ver lo lingüístico con lo gastronómico?, se cuestiona a Florescano. “Que la lengua es una de las expresiones culturales más frágiles y que más fácilmente se pierde con influencias externas al paso del tiempo. Así que cuando un pueblo indígena conserva su lengua, quiere decir que lo más probable es que también conserve, con mayor razón, otras expresiones culturales como sus artesanías, sus tradiciones religiosas, su indumentaria y su cocina”, explica.

Aunque lo más interesante, añade, es que el eje de la alimentación prehispánica tiene la misma base sobre la alimentación contemporánea en México. “La alimentación prehispánica estaba formada por maíz, frijol y chile, una trilogía milenaria que aún es el eje de la alimentación mexicana”. El libro es coeditado por Debate y Conaculta.

Hallan piezas con documentos de dos siglos de antigüedad

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Categoría: Cultura y Espectaculos Creado: 13 Junio 2016 Visto: 2391

papels Especialistas del INAH descubren papeles dentro de dos esculturas religiosas
REDACCIÓN. EXCÉLSIOR

La escultura del Jesús Crucificado fue modificada en 1905 por Manuel Silva, según los papeles que se encontraron en su interior. Foto: Cortesía INAH
CIUDAD DE MÉXICO.

Dos esculturas de madera, una del Jesús Crucificado y la otra de San Francisco, procedentes de dos comunidades del Estado de México, guardaban en su interior documentos de más de dos siglos de antigüedad que revelan parte de su historia. Esas huellas del pasado fueron descubiertas por especialistas del Instituto Nacional de Antropología e Historia durante los procesos de restauración que se realizan en ambas tallas.
La representación de Cristo forma parte del discurso iconográfico del retablo principal de una iglesia de Tenancingo y tenía en el interior de la cabeza una botella de vidrio con papeles en los que consta que fue hecha en 1776 y modificada en 1905.

Fue elaborada con madera de pino ayacahuite, tiene costillas y dientes hechos con hueso tallado, ojos de vidrio y pestañas de fibra natural.

La escultura de San Francisco, de la comunidad de Juchitepec, data de la primera mitad del siglo XVII, según se determinó a partir de pedazos de papeles empleados para formar la cabeza, entre ellos una bula papal.

El documento pontificio corresponde al primer cuarto del siglo XVII, de acuerdo con el sello del papa Paulo V, que quedó expuesto entre los materiales que forman la estructura de la cabeza del santo: papel amate y europeo, cuerdas, pasta de caña de maíz y madera de colorín. El papel amate era un códice tributario que sirvió como recibo de los bienes entregados.

La restauradora Fanny Unikel refirió que, en sus más de dos décadas de trabajo, es la primera vez que encuentra una botella de vidrio dentro de una escultura policromada.

La Jornada Semanal / Marguerite Duras: palabras de música e imagen

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Categoría: Cultura y Espectaculos Creado: 13 Junio 2016 Visto: 2522

la jornada Por Xabier F. Coronado
No se puede escribir sin la fuerza del cuerpo. Escribir es lo único que llenaba mi vida y que la hechizaba. Lo he hecho. La escritura nunca me ha abandonado.

Marguerite Duras, Écrire

Cada escritor tiene una manera propia de entender su trabajo. Hay quienes llegan a la literatura para contar historias repetidas a las que trasmiten un estilo más o menos personal. Se conforman con seguir las rutas trazadas que recorren el mundo literario, autopistas de peaje donde el autor deja parte de sus ideas y proyectos originales en la caseta de cobro. Estos escritores se convierten en asalariados de la literatura, escriben para vivir, realizan un trabajo que sigue patrones establecidos con el objetivo de venderlo a editoriales comerciales que rara vez se arriesgan con planteamientos literarios que no aseguren beneficios.

Por otro lado, están los autores que no se conforman con recorrer carreteras transitadas, creadores inquietos que abren brechas hacia territorios desconocidos. Apuestan por la literatura de exploración, de riesgo, y asumen el rechazo editorial o la incomprensión del público. Son pocos los escritores que viven para escribir, entregándose incondicionalmente a su trabajo; entre ellos están, sin duda, los que contribuyen al desarrollo de la literatura.

En la segunda mitad del pasado siglo, Marguerite Duras recorrió casi todos los caminos literarios. Se dejó poseer por la escritura, dedicándose a ella sin reservas. El resultado fue una obra que desbordó los cauces literarios habituales. En uno de sus últimos libros, que recopila textos y entrevistas, reflexiona sobre el oficio de escribir y afirma que muchos libros que se publican no son libres ni originales, “son libros cautivos, estandarizados, ordenados, una alegoría que recuerda al amo bienpensante, recto, convencional y acartonado.” (Escribir, 1993.)

Marguerite Duras comentaba lo fácil que sería para ella escribir con el estilo de sus primeros libros y contar historias que se entiendan sin esfuerzo. Pero la autora decidió tomar el camino difícil, aventurarse con sus propios personajes por territorios desconocidos, estableciendo una nueva ruta en el mapa literario. A pesar de que alcanzó el éxito con una de sus novelas, el conjunto de su obra, una propuesta multidisciplinar donde se fusiona la palabra escrita con la imagen y el so-nido, aún no ha sido comprendida ni valorada en toda su dimensión.

Vivir para escribir

Toda mi vida he escrito./ Como una imbécil, lo he hecho/. No está mal que haya sido así./ Nunca fui pretenciosa./ Escribir toda la vida, enseña a escribir. Aunque eso no salva de nada.

Marguerite Duras, C’est tout

Marguerite Donnadieu Legrand nació en 1914 en Gia Dinh, pueblo cercano a Saigón, capital de la antigua colonia francesa de Indochina, hoy Vietnam. Fue la tercera hija de un matrimonio de profesores, antes habían nacido Pierre, en 1909 y Paul, en 1912. Su padre murió cuando ella tenía siete años. A partir de 1925, su madre dirige una escuela en Sa Déc, una pequeña ciudad en el delta del río Mekong, donde Marguerite recibe educación escolar elemental hasta la preparatoria que cursa interna en un colegio de Saigón. En 1932 viaja a Francia para poder acceder a una enseñanza universitaria.

En la Sorbona estudió Matemáticas, Derecho y Ciencias Políticas; trabajó como secretaria en el Ministerio de Colonias de 1935 a 1941. Su primer libro fue escrito en ese período, un volumen de propaganda oficial, L’Empire Français (1940), realizado en colaboración con Philippe Roques. Ambos trabajaban en la Agencia General de Colonias y la obra fue encargada por el ministerio con el propósito esencial de “enseñar a los franceses que poseen en ultramar un inmenso dominio”. Es el único libro que Marguerite Donnadieu firmó con su nombre auténtico y se ha convertido en una obra oculta que no se incluye en su bibliografía. Se trata de un texto de difícil justificación que sólo puede explicarse en términos de inmadurez y sentido del deber profesional mal entendido.

Poco después escribe sus primeras novelas: Los impudentes (1943), La vida tranquila (1944) y Un dique en el Pacífico (1950), esta última es lectura obligada para quien quiera estudiar su evolución como escritora. Es un texto donde ya aparecen explícitos los ejes temáticos que desarrollará a lo largo de su carrera literaria, casi todos derivados de las propias vivencias de la autora: relaciones familiares y amorosas, conciencia de la feminidad, la pasión y el placer.

Duras participa en la Resistencia francesa, responsabilidad que le crea una conciencia política. Al final de la guerra escribe un intenso diario, El dolor, que estuvo perdido durante años y será publicado hasta 1985; “el dolor ha sido una de las cosas más importantes de mi vida”. Sus siguientes novelas: El marinero de Gibraltar (1952); Los caballitos de Tarquinia (1953) y El Square (1955), se centran en las relaciones de pareja. Con la publicación de Moderato cantabile (1958) emprende un camino literario muy personal que evoluciona hacia el teatro y el cine.

A partir de entonces se suceden interesantes novelas –La tarde de M. Andesmas (1960), El arrebato de Lol V. Stein (1964), El vicecónsul (1966–; obras de teatro –L’ Eden cinéma (1977), Savannah Bay (1984–; guiones cinematográficos y adaptaciones dramáticas o fílmicas de sus textos. Entre ellos destaca India Song, publicado en 1973 con el subtítulo, “Texto/Teatro/Film”; un experimento literario concebido como teatro que llevó al cine en 1975: “Primero vi el teatro de India Song y después escribí el libro. Luego la visión fue remplazada por las páginas enfrentadas de la escritura misma, y después, cuando hice la película, todo fue barrido.” Un trabajo intergenérico que su autora comparaba con una composición musical en tres tiempos: “Es un moderato cantabile al comienzo, sin juegos de palabras, luego un vivace en el medio y al final un andante interminable.”

La obra literaria de Marguerite Duras reúne casi treinta novelas, una docena de textos teatrales –su trayectoria dramática fue premiada en 1983 por L’ Academie Française–, libros de relatos y ensayos diversos. Sus trabajos cinematográficos son una faceta importante de su obra: escribió y publicó numerosos guiones, entre ellos Hiroshima, mon amour (1958), película realizada por Alain Resnais, y dirigió una veintena de cintas de largo y cortometraje. Entre ellas: La música (1967); Nathalie Granger (1972), que fue el debut de Gerard Depardieu en el cine; El camión (1977), que protagonizan Depardieu y la propia M. Duras; y Los niños (1985), su última película.

La biografía más completa sobre la autora es de Laure Adler (Marguerite Duras, 1998), que recopila datos aparecidos en estudios anteriores y aporta documentación inédita, una buena guía para conocer su trabajo creativo. Aunque a nivel literario es ubicada dentro del nouveau roman y en cine incluida en la Nouvelle vague, la obra de Marguerite Duras es muy personal, independiente de estos movimientos a pesar de haber trabajado con escritores y realizadores cinematográficos de su época. Tampoco se posicionó en la línea del feminismo militante del Mouvement de Libération des Femmes (MLF), liderado por Simone de Beauvoir, pero fue asidua colaboradora de la revista femenina de vanguardia Sorcières y amiga de Xavière Gauthier y Michelle Porte, que publicaron interesantes libros de conversaciones con ella (Les parleuses, 1974; Les lieux de Marguerite Duras, 1977).

Duras se sintió atraída por el periodismo, que para ella significaba “escribir en el acto. No esperar”. Publicó numerosos artículos y reportajes en periódicos y revistas (France-Observateur, Vogue, Libération, Cahiers du Cinéma, etcétera), que reflejan su pensamiento progresista y solidario. Algunos fueron recopilados en varios volúmenes: L’ eté 80 (1980), Outside (1984) y Le monde extérieur (1993).

En 1988 se publica El amante, novela donde la autora retoma sus vivencias en Indochina, un libro que la hace mundialmente conocida: se vendieron millones de ejemplares en cuarenta idiomas diferentes. Marguerite Duras vivió para entregarse con pasión a la escritura y dejó una obra amplia y diversa de interés indiscutible: fue la escritora más leída, traducida y comentada de la segunda mitad del pasado siglo.

Literatura y cine

Es un libro./ Es una película./ Es la noche./ La voz que aquí habla es, escrita, la del libro./ Voz ciega. Sin rostro./ Silenciosa.

Marguerite Duras, El amante de la China del Norte

No es sencillo escribir sobre la obra de Marguerite Duras debido a la complejidad formal de una labor creativa que asocia géneros y artes. En sus libros, novela, poesía y teatro se funden para hibridarse con el guión cinematográfico, un tipo de textos que en Francia fue denominado, ciné-roman.

Aunque nunca regresó a Indochina, la antigua colonia francesa está presente en su obra como espacio habitual donde se desarrollan las historias que escribe. En ellas, personajes atípicos se relacionan en ambientes donde confluyen el exotismo profundo y la angustiosa inquietud existencial en lucha con la muerte, la memoria y el olvido. Sus libros tratan a veces sobre los mismos personajes y relatan la historia desde varios puntos de vista. Las novelas de tintes autobiográficos derivan unas de otras y los miembros de su familia son encarnados por diferentes protagonistas.

El amor y las maneras de entregarse, mental y físicamente, a la persona amada es su principal obsesión. En sus textos invierte los roles de la relación hombre/mujer; rompe con el concepto tradicional de pareja y trata abiertamente temas como la homosexualidad, el incesto o la infidelidad; también subraya la influencia posterior que las relaciones familiares ejercen en la vida de las personas. La raíz que nutre y mueve sus historias es la pasión. Duras sintió desde muy joven el deseo de vivir con libertad su feminidad: “Morales de orden diverso llenaban ya mi espíritu de confusión.” La condición femenina fue el fundamento de una obra donde las mujeres tienen el protagonismo y la palabra para manifestar sus sentimientos y frustraciones.

En sus historias la naturaleza, en especial el agua, crea atmósferas donde los personajes viven bajo esa constante influencia. En los títulos y páginas de sus libros se repiten nombres de mares y ríos: Pacífico, Atlántico, Ganges, Mekong, Loira: “Miro el río y no consigo apartar los ojos del agua. No pienso en nada, en nada. Qué orden.”

Margarite Duras poseía un corazón inquieto, ávido por experimentar, que necesitaba entender la razón de sus latidos y sólo se calmaba al realizar el acto genuino de crear. Escribir fue la solución para comprender lo que sentía; para ella no hay vida sin escritura porque la escritura es la vida. Sobre las relaciones entre su obra y su experiencia vital se han escrito muchos trabajos. También hay análisis psicológicos de su escritura realizados por Julia Kristeva y Jacques Lacan.

Los textos de m. Duras se liberan de lo racional o normativo y renuncian a la construcción gramatical obligada. La puntuación es libre; el fraseo, corto y sencillo, reiterado, aislado por comas o unido por nexos copulativos. La repetición de palabras crea esquemas rítmicos que producen efectos sonoros y en muchos libros el discurso narrativo se integra en forma de versos.

Una característica de su estilo es la preponderancia del diálogo. Sus obras se fueron acercando al género dramático y al guión cinematográfico, una transformación que dio lugar a un tipo de textos que no encajaban en la clasificación literaria acostumbrada y fueron llevados a la escena teatral o al cine. La propuesta fílmica de Marguerite Duras, como realizadora y guionista, es una manera particular de vincular imagen, palabra y concepción espaciotemporal, consecuencia de la búsqueda de nuevas formas de expresión y estructura.

A pesar de los diálogos continuos, sus obras se nutren de silencios que marcan la angustia de los personajes ante la imposibilidad de transmitir con palabras lo que sienten. Los textos se van haciendo más enigmáticos y ambiguos, más líricos, con voces múltiples y finales abiertos, particularidades que obligan al lector a reflexionar para poder entender las historias y los personajes creados por ella.

La obra de Marguerite Duras es controvertida, provoca interrogantes y suscita debates en críticos y lectores. Para penetrar la complejidad formal de sus creaciones es necesario enfocar el mundo emocional que las envuelve, pues la autora somete la palabra dentro de esquemas creados para expresar la complejidad de los sentimientos. La aportación de Marguerite Duras a la literatura contemporánea es una obra original, libre y progresiva, que trasciende el concepto formal de género e impregna la escritura de imágenes y música.

Rescatar la memoria haría de México otro país: Laura Esquivel

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Categoría: Cultura y Espectaculos Creado: 11 Junio 2016 Visto: 2436

MEMORIAA A 27 años de la primera edición de esa novela, su autora ha articulado una trilogía que prosigue con El diario de Tita y culminará con Mi negro pasado
En mis obras doy voz a miles de mujeres que nunca la han tenido, que han estado en la cocina, sosteniendo a la nación
Mónica Mateos-Vega

Periódico La Jornada
Sábado 11 de junio de 2016, p. 2
La novela Como agua para chocolate, de Laura Esquivel (CDMX, 1950), a 27 años de su primera edición, se transforma en trilogía para hablar de rebeldía, de transgresión y, sobre todo, de alternativas ante un mundo en crisis.

Esos fueron los motivos que convencieron a la autora para escribir dos historias más, ligadas al libro que la catapultó hace casi tres décadas en el mundo literario. El diario de Tita se presentó hace unos días y para el próximo año estará listo Mi negro pasado, todos con el sello Suma de Letras.

Siete millones de ejemplares vendidos en varios idiomas de Como agua... y un entusiasmo que no ha mermado en los lectores siguen sorprendiendo a Laura, pero finalmente la hicieron reflexionar en que era oportuno y necesario complementar aquel relato que con gran éxito fue llevado a la pantalla grande en 1992.

Sobre todo, existe un público joven admirador de la historia de la muchacha a la que se impide casarse por ser la hija menor y tener la obligación de cuidar a su madre hasta que ésta muera, en los albores del siglo XX y en medio de una revolución que buscaba el gran cambio social de México.

Vivir en un sistema opresor

A lo mejor los jóvenes lectores se identifican con Tita, porque ellos mismos viven hoy en un sistema opresor que decide por ellos, pues quieren estudiar y no pueden; su destino está marcado por el mundo que vivimos, resultado de una crisis, de algo que no se hizo, explica la escritora en entrevista con La Jornada.

Ante esa idea, añade, le pareció importante ubicar la tercera parte de la trilogía en la época actual. En Mi negro pasado la protagonista será María, la tataranieta de Tita, a través de quien veremos qué sucede con “el proceso de una revolución interrumpida y sus esperanzas de cambio. María no sabe cocinar, es comedora compulsiva, una mujer inteligente, muy preparada, va al sicoanálisis, pero en su familia hubo un rompimiento generacional, que es el mismo que dimos como nación.

“Existe algo que debemos rescatar para salir de la crisis. Mi protagonista, en el presente, vive una crisis espantosa y lo que la va a ayudar a sanar y reconectarse con este momento es El diario de Tita, que viene a ser un eslabón.”

Laura Esquivel jamás imaginó que Como agua para chocolate iba a resultar una gran metáfora de lo que ocurre en México, por eso, continuarla, ha sido un gran aprendizaje; me hace reflexionar en toda la herencia que tenemos desperdiciada. Si rescatáramos y reorganizáramos todo lo que hemos olvidado, otra cosa sería de este país.

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Laura Esquivel (en su casa) jamás imaginó que su novela Como agua para chocolate, 1989, iba a resultar una gran metáfora de lo que ocurre en México, por eso, continuarla, expresa a La Jornada, ha sido un gran aprendizaje; me hace reflexionar en toda la herencia que tenemos desperdiciada Foto Carlos Ramos Mamahua
La entrevista con Esquivel se desarrolla en su casa llena de plantas y rincones mágicos, como el patio donde se construye un mandala. Hay libros por doquier y fotos de los bisabuelos. El aroma de los guisos de mediodía se mezcla con la emoción con la que la escritora describe la forma en la que cocina su obra.

“¿Por qué necesitamos votar por el que menos nos conviene, por el que tiene, por ejemplo, el campo destrozado? ¿Qué hace que uno viva así? Esas preguntas se hará María y tratará de responderlas, inteligente, llena de humor; es un personaje que me tiene encantada.

“La permanencia de Como agua para chocolate al correr de los años es impresionante. Hay muchas tesis universitarias y me llegaban muchas cartas por correo, ahora por email. Es apasionante ver que hay algo en ella que mueve a las personas.

“Es una historia de rescate, no sólo de trangresión, y revolución interna, profunda y constante. Es un relato que muestra qué debemos romper del pasado. Tita dijo ‘hasta aquí llega la tradición castrante, para no pasarla a la nueva generación’. Esa fue su revolución. La de Gertrudis fue irse y convertirse en generala.

“Pero no sabíamos qué pasó con Gertrudis. ¿Se desvaneció la revolución? ¿Qué queda de ese esfuerzo? ¿Qué pasa con la desintegración que vivimos? Ya no hay quien se encargue de las revoluciones íntimas, mientras los niños y jóvenes están hambrientos por pertenecer a un grupo social y por ello son captados por los delincuentes. El sistema económico en el que vivimos es así, depredador.

¿El cambio, entonces, dónde se inicia? En México nos sostiene nuestra enorme tradición, la cual nos conecta unos con otros.

Hermana mayor de nueve libros

Como agua para chocolate es la hermana mayor de nueve libros de Esquivel, algo que no le molesta, afirma, “porque esa novela ha sido mi maestra en muchos sentidos; las otras están interrelacionadas, en todas hay personajes en búsqueda por encontrar algo, por cambiar. Nuestra labor ahora, no sólo como escritores, sino como mexicanos que debemos construir un nuevo cambio, es pensar qué se puede rescatar.

Porque la memoria siempre es colectiva. En mis libros doy voz a miles de mujeres que nunca la han tenido, que han estado en la cocina, sosteniendo al país. Hay que pensar qué semillitas rescatamos para sembrarlas, concluye Laura Esquivel.

César Vallejo

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Categoría: Cultura y Espectaculos Creado: 11 Junio 2016 Visto: 2494

e cesar vallejo Carolina Mejía. ALGARABÍA
«Yo nací un día que Dios estuvo enfermo, grave»...
cribió César Vallejo, máximo representante de la poesía peruana y figura clave del movimiento literario en Latinoamérica.
Este poeta logró impactar de forma significativa con una modesta obra de sólo cuatro poemarios que representaron distintas etapas de su vida, y se convirtieron en referentes literarios.
Ese día que declara a Dios convaleciente fue el 16 de marzo de 1982, cuando llegó al mundo como el onceavo hijo de la familia Vallejo. Los padres de César tenían la esperanza de verlo convertirse en cura, igual que sus abuelos, pero escogió el camino de las letras desde temprana edad y frustró la aspiración religiosa que tenían sobre él.
El poeta vivió una infancia tranquila en la pequeña ciudad de Santiago del Chuco, al norte de los Andes.

Recibió su título de bachiller en letras y comenzó sus estudios universitarios en filosofía, la cual abandonó para mejor dedicarse a la enseñanza como maestro en la ciudad costera de Trujillo; después se mudó a la capital peruana para continuar ahí con su formación académica.
La ciudad de Lima impactó profundamente a Vallejo, acostumbrado a las libertades y comodidades de la vida rural. Tan pronto entró en contacto con las ideas de Marx y los textos de Darwin comenzó a ver con ojos escépticos las enseñanzas católicas que su familia había tratado de instruirle..
El choque cultural del ambiente urbano también coincidió con una ruptura del núcleo familiar al que hasta ese momento César se sentía muy apegado.
Los padres del poeta se separaron e incapaz de lidiar con la situación, Vallejo intentó suicidarse.

La desesperanza y soledad que sentía en ese momento quedaron plasmadas en los poemas de su primera obra: Los heraldos negros (1918). Su composiciones, aun influidos por los autores modernistas, también contenían numerosas referencias a la tradición indígena de Latinoamérica, y la mayoría de sus versos estaban dedicados tanto al hogar familiar que sentía perder, así como su época campirana que recordaba con nostalgia.
Después de algunos años de vida citadina César regresó finalmente a su pueblo natal, sólo para encontrar la tragedia.

Durante su estancia, una tienda local fue incendiada y las autoridades encarcelaron al poeta como responsable. Vallejo pasó tres meses alejado de la sociedad, y dentro de su celda comenzó a escribir una nueva obra, completamente distinta a todo lo que había creado anteriormente. Trilce (1922) reúne los poemas escritos durante su condena, versos radicales en los que Vallejo rompe las reglas sintácticas e incluso inventa palabras para poder expresarse. El resultado es un efecto de choque con el lector, lo cual hace que ésta sea una de las obras más importantes de la literatura vanguardista latinoamericana. En su época no fue bien recibida y años después se reedito, una vez que su valor de innovación fue reconocido por los críticos.
En 1923, tras la muerte de su madre y salir de la cárcel, Vallejo se mudó a Europa. En París conoció al poeta chileno Vicente Huidobro y al pintor cubista Juan Gris, con los que fundó la revista Favorable París Poema (1926)
Ahí comenzó a involucrarse cada vez más en la política. Viajó en tres ocasiones a la Unión Soviética pero nunca se comprometió por completo con la ideología comunista.
Con quien sí se comprometió fue con una joven llamada Georgette, con quien se casó en 1929.

Escribe su primera novela El tungsteno (1931), en la cual narra como una compañía norteamericana explota a los trabajadores peruanos para obtener materia prima con la finalidad de fabricar armamento.
También se involucró en la Guerra Civil española. Comenzó a trabar como reportero y en el día a día de este oficio entró en contacto con muchos combatientes republicanos, a quienes admiraba por su compromiso con la causa. Fue tal su simpatía con los soldados que se unió al Partido Comunista español y se entregó a la defensa de la República, con la devoción que no había encontrado en la fe católica de su infancia.
Poemas humanos (1939) reúne los poemas que Vallejo realizó durante esa época guerrillera. Este poemario es un tratado sobre el dolor, en el que el autor reflexiona profundamente acerca de la tragedia humana desde su propio sufrimiento. Entre los conmovedores poemas se encuentra España, aparta de mí este cáliz (1940), que refleja su visión romántica de la Guerra Civil como un resultado inevitable de la aspiración del hombre de trascender.
Estos dos últimos trabajos fueron publicados de manera póstuma por su viuda. Los críticos aplaudieron la fase final de su escritura y su empatía con el sufrimiento humano. Vallejo no pudo prever el impacto de su legado en las futuras generaciones de poetas, pero sí lanzó una predicción sobre su propia muerte en un soneto que incluía el verso: «Me moriré en París con aguacero, / un día del cual tengo ya el recuerdo». Bajo una llovizna ligera el 15 de abril de 1938 Vallejo falleció.

Taller de fotografía Estenopeica

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Categoría: Cultura y Espectaculos Creado: 11 Junio 2016 Visto: 2390

taller de fotografia Taller de fotografía Estenopeica que se imparte en la sede de la Asociación Civil Huellas de Arte de Altzayanca, proyecto apoyado por el PACMYC
Edith López Sánchez. CORACYT
Notas
María Vianney Flores Palafox coordinadora y Eduardo Avendaño Báez instructor del taller de fotografía Estenopeica que se imparte en la sede de la Asociación Civil Huellas de Arte de Altzayanca, comentan de este proyecto apoyado por el Programa de Apoyos a las Culturas Municipales y Comunitarias PACMyC edición 2015
Surge por la necesidad de la recuperación y la recopilación de las fotografías antiguas que tenemos y que hoy en día muy pocos de los jóvenes conocen toda esta historia de lo que es Altzayanca y que porque surge todas esta integración de los jóvenes y que conozcan de todo lo que antes era o fue Altzayanca
Haciendas, tradiciones y costumbres es necesario que se recupere a través de la imagen por 20 jóvenes quienes participan
Vienen entre 15, 16 personas, Las inquietudes que tienen ellos sobre todo es que generalmente lo que ellos ven al querer hacer fotos no les salen, entonces aquí en este taller van aprender a todo eso que ellos no pueden hacer visualmente aquí lo puedan aprender cómo hacer una buena fotografía y lo más importante tener conciencia de lo que se está haciendo al tomar una fotografía porque hoy día son volúmenes impresionantes los que circulan de fotografías y muchas carecen de contenido
Los más jóvenes son de 12 años hasta los 45 años, son niños jóvenes y adultos quienes están participando en este gran proyecto de Noyolotzin presente y pasado de aquí en imágenes
Los y las participantes aprenden desde la construcción de su cámara hasta educar y sensibilizar su mirada para sustraer las imágenes
En la tercera semana de agosto termina el taller se trabajará en la impresión y curaduría de las mejores fotografías que se mostrarán en una exposición, durante los meses de octubre a diciembre en la galería del agua, al tiempo, se trabajará de la misma con la recopilación de fotografías de la comunidad, mismas que se exhibirán en gran formato en la presidencia municipal para su valoración por los transeúntes.

“Festival Internacional Artes Escénicas Tlaxcala Cuna del Teatro 2016”

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Categoría: Cultura y Espectaculos Creado: 11 Junio 2016 Visto: 2486

combocatoria Convocan a participar en la Tercera Edición del “Festival Internacional Artes Escénicas Tlaxcala Cuna del Teatro” 2016 a realizarse del 9 al 13 de noviembre
Edith López Sánchez. CORACYT
Notas
La Libertad Centro Cultural de Apizaco, convoca a compañías, grupos y artistas de teatro, nacionales e internacionales, para participar en la Tercera Edición del “Festival Internacional Artes Escénicas Tlaxcala Cuna del Teatro” 2016 a realizarse del 9 al 13 de noviembre del año en curso
Los espectáculos que se propongan deberán ser de Teatro de Sala, Teatro de Calle, Juglares, o una combinación de los mismos con estilos y formas innovadoras, con duración de al menos 50 minutos.
La organización asume los gastos de transporte, escenografía, utilería y vestuario, dentro del circuito, además de hospedaje y alimentación, una vez que el grupo o solista haya sido registrado en la sede principal del festival.
Las compañías, grupos, solistas mexicanos y extranjeros interesados, para ser sujetos de selección, deberán enviar su propuesta vía correo electrónico usando el formato “Postulación de Grupo” el cual pueden solicitar a Esta dirección de correo electrónico está siendo protegida contra los robots de spam. Necesita tener JavaScript habilitado para poder verlo. en caso de fallar la descarga disponible en la página de La Libertad Centro Cultural de Apizaco. La convocatoria cierra el 29 de julio de 2016 a las 23:55 horas
Finalmente, cabe señalar que esta edición se enmarcará en el 400 aniversario luctuoso de William Shakespeare y Miguel de Cervantes Saavedra, un homenaje para recordar a estos personajes.

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