Cultura y Espectaculos

Publicado por Víctor Hugo Varela Loyola. La Jornada de Oriente.
Especialistas del INAH realizaron trabajos de conservación en el ex convento de Santa María de las Nieves, del cual se conservan en pie parte de la capilla con su respectiva cúpula, dos paredones de la nave mayor, tres muros y una torre que dan cuenta de la grandeza de su pasado
Desde hace poco más de cinco años, especialistas del Instituto Nacional de Antropología e Historia (INAH) comenzaron un trabajo de diagnóstico del ex convento de Santa María de las Nieves para examinar los deterioros que presentaba por el paso del tiempo y aplicar las medidas necesarias para su adecuada intervención y conservación.

Este monumento histórico, ubicado en el municipio de Totolac, es considerado símbolo de la identidad tlaxcalteca, pues, según cuenta la tradición popular, desde ahí partieron 401 familias para poblar el norte del país en el siglo XVI.

Los trabajos de restauración estuvieron bajo la coordinación del arqueólogo Ramón Santacruz Cano, quien explica que antes de intervenir el edificio registraron los sistemas constructivos, pues “recordemos que estos inmuebles fueron hechos con materiales pétreos de la región unidos con argamasa de lodo como aglutinante, que con el paso del tiempo perdieron su capacidad de carga y de cohesión”.

Además, abunda, se hicieron pozos de sondeo para detectar otros elementos arquitectónicos soterrados, lo cual permitió inferir que en superficie se encuentra 30 por ciento del conjunto arquitectónico y el restante 70 por ciento está sepultado.

“El inmueble se localizaba en lo que era la ribera de los ríos Zahuapan y Totolac, que en época de lluvias se desbordaban y anegaban toda la región, por lo que el convento quedó en desuso. Las constantes inundaciones que arrastraban tierra y lodo provocaron que con el paso del tiempo el recinto religioso quedara enterrado un metro y medio de profundidad”.

Señala que los pozos también ayudaron a ubicar el muro atrial que delimitaba el ex convento, una columna del claustro, además de los restos de una de las cuatro capillas en la parte norte, “suponemos que las otras tres están situadas hacia los otros puntos cardinales”, indicó el especialista adscrito al Centro INAH–Tlaxcala.

De este ex convento salieron las 401 familias tlaxcaltecas
De acuerdo con la tradición popular, a petición del virrey Luis de Velasco, la caravana salió del ex convento de Santa María de las Nieves en 1591 a poblar el norte de México. La integraban familias recién formadas de los cuatro señoríos principales de Tlaxcala, que son Quiahuixtlán, Tizatlán, Ocotelulco y Tepeticpac, acompañadas de frailes, quienes fundaron lo que hoy son los estados de Coahuila, Zacatecas, Jalisco y San Luis Potosí.

Aunque no se encuentran registros de que ese hecho histórico ocurrió precisamente en el recinto conventual, la comunidad y las autoridades municipales lo utilizaron durante mucho tiempo para realizar una ceremonia de conmemoración de aquella partida; sin embargo, hace una década la celebración se canceló por el estado de conservación que presentaba la edificación.

El arqueólogo Ramón Santacruz refiere que durante los años de investigación, se hallaron 22 entierros coloniales en la nave mayor de la iglesia, en tres niveles del piso, lo cual indica que una vez que se abandonó el convento, la población de Totolac lo utilizó para sepultar a sus difuntos.

Como parte de la intervención, efectuada bajo la dirección de la maestra Faridé Cuandón Alonzo, se consolidaron muros, se restituyeron faltantes, se impermeabilizó la cúpula, se sustituyó la malla perimetral, se habilitó una caseta de vigilancia y se colocaron luminarias, con el objetivo de volver a conmemorar la salida de las 401 familias.

“Se utilizaron materiales de la región que fueran compatibles y se reprodujo el sistema constructivo, muy similar a los utilizados en los monumentos arqueológicos; basta con recordar que fueron los indígenas quienes construyeron los templos y conventos usando la misma técnica de colocar piedras con argamasa de lodo”.

En los trabajos de conservación participaron 30 personas, entre arqueólogos, historiadores, antropólogos físicos, restauradores, arquitectos y trabajadores. Actualmente se conservan en pie parte de la capilla con su respectiva cúpula, dos paredones de la nave mayor, tres muros de lo que pudo ser la sacristía o cocina, además de una torre exenta que dan cuenta de la grandeza de su pasado.

Comenta que el primer momento de ocupación del ex convento de las Nieves ocurrió a mediados del siglo XVI, aproximadamente en 1530, época en que llegaron los misioneros franciscanos. Se construyó una casa de visita ocupada sólo por un fraile y dos personas más.

“Tiempo después, entre 1575 y 1585, se edificó todo el convento; sin embargo, a partir de 1596, las continuas inundaciones provocaron que la comunidad asentada en la periferia se trasladara paulatinamente a la ladera media baja del cerro. El abandono definitivo del recinto se dio en 1806 con la construcción de la iglesia nueva de Totolac”, refiere el arqueólogo.

Precisa que el ex convento de Santa María de las Nieves está bajo resguardo del INAH y se planea abrir nuevamente a una visita controlada, así como para reactivar el festejo a mediados de este año.

El creador de 76 años habla de su vida en la escena
ROSARIO MANZANOS/ESPECIAL. EXCÉLSIOR

El escenógrafo mexicano recibió la medalla Bellas Artes en enero de este año. Foto: Cuartoscuro/Archivo
HERMOSILLO.

Arquitecto, escenógrafo, iluminador, consultor, productor, gestor y actor. Teatro, ópera y danza. Alejandro Luna ha incursionado en todos los campos de las artes escénicas. Pero lo suyo, lo que verdaderamente le enloquece, es, sin dudarlo, la creación de espacios y atmósferas donde las historias más sublimes y abyectas converjan para representar la esencia de la vida misma.

Cinco décadas de teatro de Alejandro Luna es la exposición que se exhibe en el Museo de Arte de Sonora (Musas) y que se presenta en el marco del festival Un Desierto para la Danza —celebrado hace unos días— con dibujos, modelos, diseños y esquemas de algunas de las propuestas que han llevado al creador, a convertirse en el más destacado de los escenógrafos mexicanos de los últimos 50 años.

De 76 años, carácter jovial y trato amable, Luna está lleno de anécdotas. Habla con Excélsior de sus experiencias estudiantiles en las facultades de Arquitectura y Filosofía y Letras de la UNAM, de su trabajo pionero en el campo de la escenografía y su necesidad vital de vivir en el teatro, entendido éste no como un oficio, sino como una manera de concebir el mundo.

Pionero

Alejandro Luna, Premio Nacional de Ciencias y Artes 2001, considera que tuvo una formación privilegiada:

“Estudié en escuelas maristas y luego pasé a las facultades de Arquitectura y Filosofía y Letras de la UNAM. Desde la primaria tuve como compañero a Eduardo García Maynes, hijo del filósofo. Competíamos mucho, yo por la calificación de lo que le llamaban aprovechamiento, pero también calificaban conducta y en eso me iba muy mal. Maynes siempre me ganó en calificaciones.

“Los dos entramos a arquitectura. Pero él no tenía el menor talento ni facilidad para llevar esa carrera. Pintaba con óleo en papel albanene, tiraba siempre la tinta, era un fracaso completo.

Se cambió a la Facultad de Filosofía y Letras para estudiar teatro y fue el primero que se recibió como director en la facultad

“Yo iba a visitarlo por dos razones, primero porque era mi amigo. Yo estudié toda mi vida en escuelas de sólo varones y para colmo en la escuela de arquitectura había cerca mil alumnos de los cuales 992 eran hombres, la competencia era brutal, además las muchachas no eran tan guapas. En cambio en Filosofía me sentía muy feliz porque la proporción era inversa, había muchas más muchachas, gran parte de los hombres eran gays, el ambiente era padrísimo.

“La segunda razón es que ahí había excelentes maestros, Fernando Wagner, Antonio Ruelas, Toño López Mancera, Agustino Fernández, Luisa Josefina Hernández. Cuando el maestro Ruelas supo que estudiaba arquitectura vio que por ahí podía solucionar su problema para hacer las escenografías para las preparatorias y me contrató. El teatro se estudiaba como actividad paralela. Hacía como quince o veinte escenografías al año, imagínate aquello, ¡era muchísimo!”

Luna tenía la energía para estudiar arquitectura, historia del arte y dramaturgia, entre otras cosas. Antes de llegar al teatro universitario ya había hecho 80 o 90 escenografías.

“Los presupuestos eran absolutamente ridículos. Era muy difícil hacer algo con eso y lo que hice fue una especie de mecano que armabas con cualquier pieza. Estaba bastante influenciado por Julio Prieto en la escenografía tridimensional, rampas y cosas así. Las producciones se veían muy bonitas porque era el mismo mecano al que se le agregaban cosas. Era la única manera de hacer algo porque además había que rentar el vestuario, fue un entrenamiento fantástico durante cuatro años. Fue hacer teatro de verdad”.

La luz

Luna también modificó radicalmente la concepción del diseño de la luz en el teatro. No sólo fue autodidacta sino que fue punta de lanza:

“Fui pionero y tuve que pelear mucho para que la gente tuviese crédito, se le considerara y se le pagara por la iluminación, porque se pensaba que eso lo hacía cualquiera. Te hablo de los cincuenta, sesenta, cuando no existía el concepto mismo del diseño de luces. De cuando sólo había una tira de ‘diablas’ con hileras de foquitos de colores.

“A pesar de ello, nunca he dejado que alguien ilumine mis cosas, me parece monstruoso. No concibo la escenografía si no hago la luz, es un problema metafísico —ríe—. Yo creo que cualquier cosa: la forma, el objeto mismo, el color, dependen de la luz que le pega, de qué dirección le pega y de la intensidad, para mí es algo consustancial hacer escenografía e iluminación, una depende de la otra, concibo las cosas iluminadas”.

La escena

Luna se recibió como arquitecto y combinó ese trabajo con la escenografía durante diez años: “Me gustaba mezclar las dos actividades. Hice mucha arquitectura habitacional, me gustaba hacer espacios, diseñarlos, lograrlos. Le echaba muchos kilos y me encontraba que a los clientes eso no les interesaba.

“Para ellos se trataba de una hipoteca, una herencia, la forma de salvar su matrimonio, cambiar de casa. No les interesaba la arquitectura sino la propiedad y luego que ya estaba terminada la casa, la amueblaban mal, los colores no checaban, si ponían cuadros eran atroces, se vestían mal para habitar esa casa y decían muchas pendejadas.

“En cambio, en el teatro los espacios son precisos, se ponen los muebles bien, los cuadros bien, las personas se visten bien y se dicen cosas interesantes. Yo me preguntaba qué estoy haciendo en la arquitectura habitacional y la dejé”. Luna es tímido y cuando se le pregunta cuándo se convirtió en un escenógrafo de renombre responde:

“Voy a serlo. Aún no lo soy. No creo estar en la cúspide, no separes que soy el más viejo de todos. Lo único que se puede hacer contra la vejez y pasarla dignamente, es el aprendizaje. Dada mi edad lo que más te hace aprender son los jóvenes. Me gusta estar rodeado de ellos. Si no te renuevas estas jodido”.

En el contexto de un festival de danza, Luna dice que si bien ha hecho poco en esa disciplina, lo realizado le ha dejado grandes satisfacciones como El Cascanueces, creado por Adriana Castaños en esta ciudad y representado durante varios años –por razones desconocidas no se pone más—y Hoy no circula, idea y producción de Cuauhtémoc Nájera para la Compañía Nacional de Danza, Juan Villoro como dramaturgo, “y un grupo de coreógrafos y yo”.

Algarabía
A quienes menciones esta palabrota se asustarán un poco, pero no te tildarán de lépero.
En tiempos de mi abuelita nadie en casa decía groserías, si mi papá se atrevía a decir algo más que ¡chin...!, se le conminaba a salir de la habitación y lavarse la boca con jabón. Sólo mi abuelita tenía la prerrogativa de decir una palabra —para ese sagrado hogar— altisonante, y ésta era en sí un eufemismo.
Si mi tía llegaba a contar que el carnicero le había vendido retazos pellejudos como carne de primera, la abuela exclamaba: «¡Ah, móndrigo!». Y todos sabíamos 
que el carnicero era un hombre vil.
Hoy en día, acostumbrados a soltar palabrotas
 a la mínima provocación sin cuidarnos de quién 
las escuche, ya sean inocentes pequeñuelos, venerables ancianos o mujeres —«con el
 perdón de la damita aquí presente, voy a decir
 una mala palabra...»—, el vocablo móndrigo resulta anacrónico, pero no por ello pierde fuerza, tanto por la composición de sus letras, como por su significado.
Un móndrigo es un sujeto despreciable, infame,
inútil, apocado, de escaso o ningún valor, un
 mandria; en resumen, una persona mala y vil.
Y ésta
 es la síntesis de varios diccionarios: el de la Real Academia Española y los de mexicanismos de Guido Gómez de Silva y la Academia Mexicana de la Lengua. Los libros no nos hablan del origen de la palabra, pero sí nos permiten adivinar no sólo que es de pura creación mexicana, sino que es la deformación, a modo de eufemismo, de la palabra méndigo —que no mendigo—, la cual refiere también a un mezquino e infame.
Así pues, si alguna vez desea soltar una «palabrota» en presencia de oídos castos no acostumbrados a las groserías, pronuncie con voz firme: «¡Móndrigo!».

...para que las personas disfruten de una tarde-noche de Museos
Edith López Sánchez. Coordinación de Radio, Cine y Televisión de Tlaxcala
Museos Las actividades de la noche de museos del ITC regresan el próximo 25 de mayo con una serie de conciertos y lectura, Leticia Padilla Pelcastre, coordinadora, invita al público en general.
Invitamos a todos los televidentes a que vengan a los 3 espacios museísticos que presentaremos la noche de museos, la entrada es gratis y a las 19:00 horas empezará en el Miguel N, Lira, el munati y en el MAT. A partir de las 16:00 horas la entrada a los museos es gratuita para que las personas disfruten de una tarde-noche agradable en compañía de familiares, amigos recorriendo las exposiciones temporales y permanentes así como de las actividades artísticas-culturales.
En el Museo de Arte de Tlaxcala se presentará Alfredo Carrillo, un músico huamantleco que presentará el disco de Antología acústica, en el museo nacional del títere se presentará Rafael Manjarrez otro músico de Tlaxcala con el concierto de guitarra clásica y española y en el museo Miguel N. Lira, Diego Minero con la lectura ambientada con textos de ficción de su autoría.
25 de mayo noche de museos le ofrece una alternativa de entretenimiento y disfrute de la música, la literatura.

Victoria García Jolly. Algarabía
Como cualquier persona, hasta los grandes maestros del arte tienen una mujer que los engendró, los cuidó, los llevó a la cama, los vio crecer y, tal vez para entretenerlos, les puso un pedacito de carbón o un lápiz en la mano.
Estas madres de las que hablamos fueron plasmadas en el lienzo por sus hijos. No sabemos si posaron pacientemente para ellos, con los ojos iluminados de orgullo materno, o lo hicieron a regañadientes; desconocemos también si posaron por apoyar a sus vástagos en sus carreras, o éstos las tomaron por sorpresa; si su abnegación las hacía incondicionales modelos para el caballete, incluso desconocemos si les gustó, o no, el resultado.
¡Ahí, madre!
Lo más intrigante del tema es la motivación de cada autor. Uno puede suponer que las retrataron porque no había nadie más a quien pintar, o por hacerles un homenaje, un simple regalo, por puro amor, por echarlas de menos o por un mero ejercicio catártico, es decir, por un genuino y velado complejo de Edipo, en el que la idealización de la madre llegó a tal nivel que se vieron forzados a capturarla en la obra pictórica.
Vincent van Gogh,1 por ejemplo, pintó de memoria a Anna Cornelia Carbentus van Gogh, a quien amaba profundamente, porque, además de extrañarla, aborrecía la fotografía en blanco y negro que tenía de ella: «[...] estoy haciendo un retrato de Madre para mí. No soporto la fotografía sin color, y estoy intentando hacer uno con un color armonioso, como la veo en el recuerdo». Anna había sido su primera maestra, se sentaba en el piso a pintar con su pequeño Vincent, en quien, además, inculcó su propio hábito de la correspondencia. Anna lo vio partir más de una vez y no siempre feliz; sobrevivió a la muerte de su marido, a la pérdida de una pierna tras un accidente, al suicidio de Vincent y a la temprana muerte de Theo, su segundo hijo e incondicional del primero.

Aline María Chazal Gauguin, hija de una activista peruana y un burgués parisino, fue educada para tener una profesión, así que al quedar viuda muy joven, no tuvo dificultad para sacar adelante a sus dos hijos: Paul y María. Paul, como buen Edipo, atesoraba una fotografía de ella a los 14 años, a partir de la cual elaboró un retrato ya estando en la Polinesia Francesa, donde desarrolló lo mejor de su obra. En este retrato, la idealización de la madre produjo una imagen llena de color y armonía.
Otra que quería y extrañaba profundamente a su madre fue Sofonisba Anguissola,2 hija de Bianca Ponzoni, quien murió cuando su pequeña apenas tenía 5 años. Bianca y su esposo habían decidido que sus hijas no seguirían el camino tradicional de las mujeres de su época —esposas, cortesanas o monjas— así que educaron a sus seis hijas en las artes y el latín. Sofonisba resultó ser la más talentosa y reconocida en su época y retrató a su madre probablemente basada en el parecido que tenía con ella misma y sus hermanas: fuerte, bien plantada y decidida.
Madre sólo hay una
Andy Warhol y Henri de Toulouse-Lautrec3 fueron ambos niños enfermizos e hijos de madres sobreprotectoras que los introdujeron al arte debido a su necesidad de permanecer en reposo.
Henri, hijo único de la condesa Adèle de Toulouse-Lautrec, diariamente, sin importar cuáles hubieran sido sus actividades del día —pintar, una parranda, un encuentro con una prostituta— sin falta se arreglaba para cenar en casa de su madre, a quien de frente llamaba «Mamman», y a sus espaldas, «Adèle», síntoma de esa dependencia enfermiza entre ambos.

La condesa, después de la muerte de su hijo, se dedicó a difundir su obra y fundó el Museo Toulouse-Lautrec en la ciudad de Albi, en la residencia de la familia.
Por otro lado, la madre de Andy, Julia Warhola, dos años después de que éste se instalara en Nueva York, lo siguió y vivió con él los siguientes 20 años. En esta relación se borran las fronteras de «tu obra y la mía»: los dos terminaron trabajando juntos en lo que uno y otro hacía; se dice que es en este periodo en el que Warhol se forma como artista y en el cual desarrolla su máxima genialidad y creatividad. Rompiendo todo límite, Julia protagonizó el filme Mrs. Warhol (1966), dirigido por Andy, y realizó su propio arte pop bordando y haciendo flores de papel —sencillamente esta parejita era inseparable.

Otros Edipos
La lista de madres pintadas y pintores de madres no acaba; no hemos mencionado al mismísimo Rembrandt, hijo de Neeltgen Willemsdochter van Zuytbrouck, quien, además de alojarlo en su casa, le servía de modelo a él y a sus alumnos, entre ellos Gerrit Dou. Queda en el tintero Ann Watts Constable, madre de John Constable, quien no se mordía la lengua para declarar que este gran paisajista del clasicismo era su hijo favorito. Marie-Françoise Oberson [1], quien fue pintada por Jean Baptiste Camille Corot, y Anne Elizabeth Honorine Aubert [2], pintada por Paul Cézanne, retrataron a su madre porque el estilo impresionista se prestaba para ello y las presentaron casi siempre absortas en lo suyo, sin mirar al espectador.
George Seurat, en su estilo puntillista, hace un esbozo en blanco y negro de Ernestine Faivre [3], su madre, en 1882. Dante Gabriel Rossetti, hijo de Frances Mary Lavinia Polidori [4], llega al punto culminante del idealismo y la retrata como Santa Ana. Frida Kahlo, hija de Matilde Calderón [5], le da su justo lugar al retratarla dentro de su árbol genealógico.