Cultura y Espectaculos

Por E. P. Armas. LA JORNADA DE ORIENTE.

El gobierno del estado ejecutó diversas acciones de mejoramiento a la infraestructura en materia de cultura, a fin de coadyuvar al enriquecimiento de las manifestaciones de arte alrededor de la geografía tlaxcalteca
El gobierno de Mariano González Zarur atiende por igual a todos los sectores de la población, a fin de consolidar en Tlaxcala un desarrollo social con equidad, es por ello que el ámbito cultural no ha quedado desatendido en los últimos cinco años, ejemplo de este compromiso es la recuperación y rehabilitación de espacios que fortalecen las actividades artísticas en la entidad.

Entre los recintos modernizados por la presente administración estatal se encuentran el Museo Regional del Instituto Nacional de Antropología e Historia (INAH), lo cual fue resultado de la gestión del mandatario tlaxcalteca ante el gobierno federal.

También se rehabilitaron los museos Miguel N. Lira y Nacional del Títere, la Pinacoteca del Estado y el Archivo Histórico.

Al igual que la Casa de Cultura de Huamantla y el Centro Cultural La Libertad de Apizaco, foros que coadyuvan al enriquecimiento de las manifestaciones de arte alrededor de la geografía tlaxcalteca.

Aunado a este trabajo, el gobierno del estado dio mantenimiento integral a uno de los foros más emblemáticos e importantes para Tlaxcala en el ámbito de la cultura, es el caso del Teatro Xicohténcatl, acción que también contó con el respaldo de la administración federal.

Esta remodelación se realizó de manera coordinada con el Consejo Nacional para la Cultura y las Artes (Conaculta), con lo cual se garantizó la ejecución de un trabajo de la más alta calidad y con pleno respeto a la arquitectura y detalles originales del recinto.

A estas mejoras se suma la rehabilitación total de la antigua fábrica de textiles de San Luis Apizaquito en el municipio de Apizaco, que hoy día alberga al Centro de las Artes.

Este espacio se integra de diversas aulas, salones para talleres, biblioteca, auditorios, entre otras áreas especialmente diseñadas para la ejecución de distintas disciplinas artísticas, el cual para su reestructuración contó con la asesoría de la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM).

De tal forma que se prevé que el Centro de las Artes se consolide como una de las sedes culturales más importantes de la región.

Actualmente en este edificio ya operan las oficinas del Instituto Tlaxcalteca de la Cultura (ITC) y en próximos meses tendrá lugar la inauguración oficial, para dar paso a la operación de talleres, así como de la Casa de Música que también forma parte de este complejo arquitectónico.

A través de la consolidación del Centro de las Artes, el gobernador Mariano González ratifica su compromiso de brindar a los tlaxcaltecas diversas opciones para el estudio profesional de las disciplinas artísticas.

A la oferta de este centro se adhiere también la que brinda el Taller de Iniciación Profesional a las Artes Visuales (TIPAV) y el Taller de Estampado Básico Camaxtli (TEBAC).

Y para el fomento de la actividad artística entre niños y jóvenes, el gobierno del estado, a través del ITC, opera las casas de cultura en los distintos municipios de la entidad, donde la población tiene acceso a talleres iniciales en diversas ramas, como son teatro, pintura, fotografía, danza, artes plásticas, entre otras.

Con todas estas acciones, el gobierno del estado coadyuva en el desarrollo integral de Tlaxcala y de su población.

Inés Martínez Cárdenas. ALGARABIA.

Periodista, poeta, novelista y escritor. Nunca se supo si fue una broma o un error, pero José fue el primer Saramago...

Su verdadero nombre era José de Sousa, sin embargo, en el registro civil sus padres decidieron incluirle el apodo Saramago, famoso porque con éste conocían a su familia. Nació en Azinhaga, Portugal el 16 de noviembre de 1922. Sus padres, José de Sousa y María da Piedade, trabajaban en el campo y sus recursos económicos escaseaban. Aunque su familia no poseía ninguna tierra y su madre era analfabeta, ella le regaló su primer libro e inculcó en Saramago la semilla de la literatura.
En 1925 toda la familia se mudó a Lisboa, donde su padre trabajó como policía. Poco tiempo después de la mudanza, falleció su hermano Francisco, quien era dos años mayor.
Cuando Saramago tenía 12 años entró a una escuela industrial, donde encontró por primera vez clásicos de la literatura, que hasta los últimos días recitaba de memoria. Fue buen alumno pero sus padres sufrieron una grave crisis económica y Saramago tuvo que abandonar sus estudios. Para apoyar a su familia trabajó en una herrería mecánica. Todo esto influyó en su pensamiento, pues aquellas experiencias le hicieron tomar una posición con respecto a la política.
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En 1947 –año en el que nació su hija– publicó su primera novela: Tierra de pecado. La obra recibió muy buenas críticas, sin embargo, tras su publicación, Saramago se mantuvo sin escribir veinte años.
«Sencillamente no tenía algo qué decir y cuando no se tiene algo qué decir lo mejor es callar», dijo Saramago sobre su época de silencio.

Luego de esa sequía de letras publicó su segunda novela: Manual de pintura y caligrafía (1977). A partir de ese momento, no volvió a soltar la pluma.
Ganó el premio Nobel de literatura en 1998. Fue el primer escritor de lengua portuguesa en obtenerlo y el único hasta el momento. Su consagración como escritor llegó varios años antes, en la década de los ochenta, cuando publicó Memorial del convento (1982), una de las obras más emblemáticas de este lusitano. Gracias a esta obra Saramago conoció a Pilar del Río, su segunda esposa y su «alma gemela».
Pilar y Saramago
Cuentan las anécdotas que Memorial del convento llegó a manos de Pilar para cambiar su vida como periodista española. Cuando terminó de leerlo, ella sintió la necesidad de conocer más textos de Saramago. Corrió a una librería y encontró El año de la muerte de Ricardo Reis (1984) –recomendado por su excelencia.
La necesidad que sufría Pilar por conocer a Saramago la llevó a buscar su número telefónico, y cuando lo consiguió marcó para decirle: «Voy a Portugal; quisiera conocerlo. No le pido una entrevista. Sólo quería agradecerle...»
Saramago, acostumbrado a las llamadas de los periodistas, accedió a verla.
Quedaron de verse en el Hotel Mundial a las 4pm. Intercambiaron datos, envolvieron el tiempo en interesantes diálogos para pasar desapercibidos, y finalmente tuvieron que despedirse. Ahí no terminó el encuentro, siguieron enviándose cartas durante un tiempo hasta que Saramago fue Barcelona y se reencontró con ella; después de esto nunca más tuvieron que separarse. Se llevaban 28 años pero nunca les importó.
«¿Qué clase de mundo es éste que puede mandar máquinas a Marte y no hace nada para detener el asesinato de un ser humano?»

Dicen que un día el traductor de Saramago se apareció frente a ellos con unos lentes negros y les dijo: «Me estoy quedando ciego...», así que a partir de ese día Pilar se adjudicó la tarea de ser la traductora de su esposo.
A partir de ese momento Saramago le dedicó a ellas todos sus libros. Estuvieron juntos hasta que murió el 18 de junio del 2010, tras una larga y productiva vida, Saramago falleció a causa de un fallo multiorgánico.
Su muerte, como ha sucedido con múltiples escritores, incrementó el número de ventas de sus libros. Dos años después, Pilar publicó el último libro que Saramago no logró concluir del todo: Alabardas (2014). Las cenizas del escritor están bajo un olivo en su tierra natal, y en su epitafio se lee: «Pero no subió a las estrellas, si a la tierra pertenecía.»

Por la Redacción. LA JORNADA.
México, DF. Los restos de la principal cancha del Juego de Pelota de Tenochtitlán y de individuos sacrificados fueron descubiertos por arqueólogos en la calle Guatemala, en pleno corazón del Centro Histórico.

Los especialistas del Programa de Arqueología Urbana (PAU), adscrito al Instituto Nacional de Antropología e Historia (INAH), encabezados por Raúl Barrera, detectaron los restos del costado norte de la antigua cancha de pelota mexica. A la par, descubrieron una ofrenda con características únicas, conformada por vértebras cervicales humanas.

Del juego de pelota, los especialistas registraron una sección de nueve metros de ancho por 6.45 metros de largo que corresponde al costado norte de la cancha, pero desconocen la dimensión total.

La estructura data de un período comprendido entre los años 1481 y 1521 y fue encontrada en la calle Guatemala en un predio donde en 2010 se había descubierto un templo dedicado al dios mexica del viento, Ehécatl-Quetzalcóatl.

Cabe destacar que este juego tenía un sentido ritual en las culturas prehispánicas y, según fuentes históricas como los códices, una vinculación con las decapitaciones y la fertilidad.

En el sitio había también dos escalinatas superpuestas con cuatro escalones y banquetas que comunicaban con el templo.

Sobre la ofrenda "única", los expertos explicaron que consta de vértebras de 31 personas y "es factible que algunos individuos hayan sido sacrificados como pago a los dioses, convirtiéndose en un alimento para la continuidad de la vida", explicó la arqueóloga María García Velasco.

La ofrenda estaba debajo de la escalinata norte del Juego de Pelota, a una profundidad de 1.60 metros sobre un espacio pequeño, de 45 centímetros de diámetro.

Según los arqueólogos, la ofrenda es "única por sus características" respecto de otras halladas también en la zona del recinto sagrado de la antigua capital mexica.

Esta ofrenda, “la conformaban varios grupos de cervicales humanas (entre dos y seis vértebras en cada conjunto) que aún guardaban su posición anatómica y presentan buen estado de conservación", señaló.

La maestra en Antropología Física, María García Velasco y los arqueólogos Fernando Orduña Gómez y Lorena Vázquez Vallín, del PAU, expusieron que este depósito sui generis -del que también se recuperaron navajillas y puntas de maguey, entre otros materiales que aluden al sacrificio- se halló a una profundidad de 1.60 metros, en un reducido espacio de aproximadamente 45 centímetros de diámetro.

Tras realizar un estudio antropofísico se determinó que correspondía a una treintena de individuos, cuyas edades oscilaban desde los 0-6 años hasta los juveniles, que eran más numerosos.

Al parecer, los huesos del cuello se depositaron con los tejidos blandos, ya que conservaban su disposición anatómica. Debido a esto se tomaron muestras de sedimento para futuros análisis en busca de restos proteicos que pudieran indicar la presencia de sangre en el depósito, dijo García Velasco.

"Paintingthe Modern Garden: Monet toMatisse" (Pintando el jardín moderno: de Monet a Matisse) exhibirá 120 obras, firmadas por 50 artistas

EFE. LONDRES. EXCELSIOR. El protagonismo de los jardines en la vida y trayectoria del pintor impresionista francés Claude Monet (1840-1926) se convertirá desde el próximo 30 de enero en la "piedra angular" de una amplia exposición en la Royal Academy (RA) de Londres.

"Paintingthe Modern Garden: Monet toMatisse" (Pintando el jardín moderno: de Monet a Matisse) exhibe 120 obras, firmadas por 50 artistas, en las que se analiza el papel omnipresente que tuvieron los jardines tanto en la carrera del citado artista, uno de los precursores del Impresionismo, como también en las de sus contemporáneos.

Tal y como sugiere el nombre de la muestra, exploramos la manera en que los artistas de la segunda mitad del siglo XIX y primeros años del siglo XX pintaban jardines", explicó hoy en la presentación a los medios de comunicación una de las comisarias de la exposición, Ann Dumas.

Considerado el pintor de jardines más relevante en la historia del arte moderno, el francés tenía también, en el plano personal, una manifiesta devoción por la jardinería, y era un dedicado horticultor, que cultivaba allá donde iba, tal y como se refleja en las distintas cartas, libros, fotografías, vídeos y otros documentos expuestos en la RA.

De Monet, cuyas pinturas abarcan un cuarto del total de las obras seleccionadas, se sabe que fue "un jardinero fantástico, que creó el espectacular, y ahora muy conocido, jardín de Giverny, en Normandía, Francia", recordó Dumas.

El exhaustivo recorrido por la evolución de la pintura del creador parisino, mediante sus coloridos óleos plagados de vegetación, flores y colores vivos, hace que, inevitablemente, su obra se convierta en la "piedra angular" sobre la que oscila el resto de la muestra.

Monet es el artista-jardinero por excelencia en la historia del arte", destacó Dumas, que admitió que "es difícil pensar en otro pintor que supiera combinar la pintura y la jardinería con la profundidad y el detalle con que él lo hizo".

Recorriendo las distintas salas del museo, queda patente ese vínculo simbiótico que llegó a darse entre las actividades del artista en su faceta de horticultor y sus espectaculares lienzos.

Con sus llamativas obras como punto de partida -de las que hay expuestas un total de 35-, el museo exhibe una selección de trabajos que incluyen a otros pintores de comienzos de 1860 hasta 1920.

Se contemplan otros trabajos de otros autores de la época, impresionistas, pintores naturalistas de finales del siglo XIX, hasta llegar a una galería denominada "Avant-Gardens", que recoge obras de comienzos del siglo XX y reflejan un "periodo de gran cambio social".

Ahí se exhiben trabajos de algunos de los mejores artistas de arte moderno, a quienes, en principio, no se presupone un interés manifiesto en la jardinería, como es el caso de Matisse o Kandinsky", según apuntó otro de los comisarios de esta muestra, William Robinson.

Obras maestras raramente expuestas al público de conocidos nombres como Pierre Bonnard, Emil Nolde o Gustav Klimt también adornan las paredes de la galería, reflejando las visiones impresionistas de la atmósfera y la luz, hasta llegar a otras más sugerentes, donde el espectador puede contemplar lugares de retiro de ensueño y santuarios de refugio.

Algunos de los platos fuertes incluyen "Señora en el jardín" (1867) y "Puente sobre las Ninfeas",(1899), de Monet; "Monet Pintando en su jardín de Argenteuil" (1873), de Auguste Renoir; junto con otros reconocibles trabajos de EdouardManet, Camille Pissarro, Paul Cézanne, Joaquín Sorolla, Max Liebermann, Santiago Rusiñol, Henri Matisse, Paul Klee o Vincent Van Gogh.

María del Pilar Montes de Oca Sicilia. ALGARABÍA.
O sobre la necesidad de tener un lápiz a la mano, porque antes de que pasaran al recuerdo, los cassettes eran objetos preciados en la vida.
es sí, señoras y señores, niñas y niños: somos muchas las personas que vivimos antes del iTunes, antes de la era digital. Y cuando digo «vivimos» me refiero a que fuimos jóvenes, melómanos o no, que perseguíamos por cielo y tierra las canciones que nos gustaban; que las buscábamos, las añorábamos y nos las aprendíamos de memoria.
Éramos preparatorianas, íbamos en un Jetta por la vieja carretera de Acapulco, pasábamos por el
 aún famoso Cañón del Zopilote con un calor de más de 40 grados, y poco a poco se nos iban terminando las cervezas de la hielera, mientras el hielo se evaporaba.
Javier —conductor y dueño del auto— cantaba al unísono, con Tamara y conmigo, la canción que se había repetido más de diez veces en el cassette que sonaba
en el autoestéreo portátil y removible —porque se los robaban y los tenías que sacar del coche—: «Queridaaaa, ven a mí que estoy sufriendo, ven a mí que estoy muriendo... mira mi soledad, mira mi soledad que no me sienta nada bien»; era un cassettetdk que tenía anotado con plumón rojo: «Buenas, muy buenas, nuevas, español», encima del texto «concierto de Emerson Lake and Palmer», que estaba tachado, también con rojo.
Asia, Toto, Bosé, Alejandra Guzmán, Mijares, Yuri, Emmanuel, Juan Gabriel —autor de la susodicha canción— y obvio, superobvio, siempre y mucho: José José, eran los protagonistas.

Recuerdo que los cassettes estaban en cajas alargadas que barajaban «joyitas musicales» de Pink Floyd, TheWho, TheEagles —cuyo «Hotel California» habíamos oído y cantado palabra por palabra una interminable cantidad de veces en algún otro viaje, después de sacar la letra, leerla y preguntarnos si a ciencia cierta decía «onesmell of colitas» y por qué.
Los cassettes resultaban en cierto modo pequeñas obras de arte que se hacían con cuidado, mucho tiempo y esmero; eran para uno, o para presumir a los amigos,
 o para regalarle a una amiga, y sobre todo para flirtear, conquistar, regodearse en el otro o simplemente para mandarlo a freír espárragos. Graciela cuenta que cuando ella se fue a vivir a Cancún, Fréderic—su novio de por entonces— le empezó a enviar cassettes dedicados. Los primeros traían canciones de amor total: «Te amaré» de Miguel Bosé, «Con olor a hierba» de Emmanuel o «Howdeepisyourlove» de los BeeGees; el siguiente fue menos romántico, más seco y desenfadado, tenía canciones como «Buenos días amor» de José José, «Temblando» de Hombres g y «Tu nombre me sabe a hierba» de Serrat; la última pieza enviada ya era auténticamente «de dolor y contra ellas»: «Te solté la rienda» —la versión de Maná—, «Inocente pobre amiga» de Juan Gabriel, y «Sin tu latido» de Aute.
Cada canción tenía un valor en sí misma, las cantabas tantas veces que terminaban siendo parte de ti.

Así funcionaba esto. Procurábamos tener en la casa cassettes vírgenes y un estéreo en el que se pudiera grabar directo de los lp’s; en el principio de los tiempos, mi papá grababa del disco a la grabadora de cinta gruesa de carrete, en la sala de la casa, pidiéndonos a todos que por favor no hiciéramos ruido porque «¡estoy grabando!», lo cual era poco menos que imposible, con el consecuente resultado de cintas con las voces de Olga Guillot o Agustín Lara salpicadas de pasos en la escalera, ladridos de perro o gritos de niños.
Piezas únicas
Aquí voy a regresarme un poco para hablar de los lp’s
 y de esa emoción única que provocaba el tener uno nuevo. Cuando tu papá accedía a comprarte uno tenías que escoger uno y sólo uno, y entonces durante una semana, o dos, se convertía en el objeto más preciado de tu vida. Desde quitarle el plástico, sacarlo de su sobre y ponerlo despacito en el tornamesas o en el tocadiscos, cuidando que no se fuera
 a rayar —porque si se rayaba no había remedio—, hasta sacar el sobre con las letras y aprendértelas de memoria, como 
lo hicimos mi hermano Fer y yo con el
 disco de The Wall.
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Pero, en su defecto, cuando no tenías la 
letra impresa —porque no había manera de googlearla— y la canción era en inglés, pues tenías que sacarla frase por frase, palabra por palabra.
A mi amiga Teresina un galancillo le grabó una canción de Fito Páez —«Un vestido y un amor»— que se repetía una y otra vez durante 90 minutos

Del lp al cassette había gran diferencia, porque este último era práctico y llevable —y como ya dije, accesible—; aunque también tenía sus grandes bemoles: nunca podías pararlo en el momento adecuado, querías volver a oír una canción pero siempre te pasabas —«¡ay, ya te pasaste!»— y terminabas oyendo enterita la canción previa para luego oír «la tuya». Además, muchas veces estaban apretados y no giraban, o muy flojos y la cinta se atoraba en la grabadora —esto era muy usual—, lo que podía derivar en tres alternativas:
que la cinta se rompiera y se tuviera que pegar con un diurex transparente; esto era una verdadera odisea manual y táctil de la cual yo nunca salí avante.
que la cinta se estirara y se hiciera delgadita a tal punto que quedara inservible; entonces había que diseccionarla y realizar el procedimiento desde el punto 1.
que la cinta se enredara pero no se rompiera sino que quedara como acordeón; entonces había que estirarla con un lápiz o una pluma Bic, para lograr que volviera a funcionar.
Nos las arreglábamos...
En ese entonces —a diferencia de ahora, en la era del iTunes, en la que es tan sencillo y accesible comprar una canción1 —, conseguir una rola era algo casi imposible; no había manera, de no ser porque vendieran el lp o el cassette en México —lo cual era poco probable— y que de alguna forma tuvieras el dinero para comprarlo, o bien, que alguien te lo prestara y lo pudieras grabar.
A principios de los 80 mi papá acondicionó en el
ático de mi casa un cuarto que era lo mááásmoderrrrno de aquel tiempo. Tenía grabadora de cartuchos,
 cintas profesionales, dos tornamesas, dos decks, ¡y un micrófono! Obviamente, este lugar fue durante toda esa década «nuestra guarida», la mía, la de mis hermanos y la de todos mis amigos —incluyendo al «Negro», que se la pasaba ahí y que fue apodado «Alex Sin-deck»—, así como de mi prima Gra, de Claudia y de «la Pelona», con quienes tenía la desfachatez de grabar nuestra voz encima de la de Yuri, Daniela Romo o Tatiana —sin saberlo, inventamos el karaoke antes de que el término fuera importado de Japón—: era una especie de Siempre en Domingo casero que quedó grabado para la posteridad en cassettes que todavía están por ahí empolvados.
Y es que de la Ciudad de México a Cuernavaca, Acapulco o Yucatán, tu mejor compañero era un cassette. Esto es algo que ha quedado atrás; algo que, hoy en día, ya nadie quiere ni puede hacer.