Cultura y Espectaculos

Carlos Monsiváis, vida

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Categoría: Cultura y Espectaculos Creado: 07 Mayo 2018 Visto: 3392

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Lector incansable, de prodigiosa memoria, curioso de tiempo completo, Monsiváis es una referencia obligada para conocer la cultura popular en México –del burlesque a la novela policiaca, de Agustín Lara al hoyo fonky.

Se encontraba en su casa en Portales, una de las colonias más viejas de la ciudad. Desde su puerta observaba a la gente en su ámbito natural, las pláticas y los comportamientos habituales.

Considerado como uno de los mejores cronistas del periodismo mexicano, escribía con la ironía que lo caracterizó desde sus inicios. Su paisaje literario es también un mapa de la Ciudad de México, su hogar, inspiración y objeto de estudio.

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La modernidad
Carlos Monsiváis Aceves nació el 4 de mayo de 1938 en una Ciudad de México completamente distinta a la actual. Era una época de transformaciones sociales, políticas y económicas; el país se dirigía a lo que llamaban «modernidad».

Durante su juventud Monsiváis fue testigo de los grandes cambios a la capital del país: alumbrado público en el Centro, la inauguración de la calzada de Tlalpan, la primera vía rápida, el primer tramo del Anillo Periférico, y el crecimiento de una ciudad que, en ese momento, apenas tenía cinco millones de habitantes.

A este crecimiento urbano se le puede atribuir su interés por el periodismo –vocación que sólo necesitaba alentar–. Estudió en la Facultad de Economía y en la de Filosofía y Letras en la unam, y, a muy corta edad, comenzó a trabajar como escritor en Medio Siglo y Estaciones, ambas revistas de mediados de los 50.

En sus cuarenta años de labor periodística, Monsiváis hizo de este oficio un laboratorio de literatura.

Entre 1972 y 1987 fue director del suplemento «La cultura en México» de la revista Siempre!, volviéndose una figura conocida dentro de la vida pública mexicana.

Literatura, cine y caricaturas
Dos de sus pasiones más grandes fueron la literatura y el cine. Sus allegados cuentan que gustaba de ver películas con amigos en su sala, adaptada como una filmoteca personal.

Trabajó en el programa «El cine y la crítica», transmitido en Radio unam por más de diez años y fue director de la colección de discos «Voz Viva de México».También se dedicó a la crítica literaria; en su antología La poesía mexicana del siglo xx revisó aspectos de la lírica mexicana del siglo.

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Además, durante 30 años se dedicó a coleccionar fotografías, caricaturas, estampas y grabados que en conjunto suman 12 mil objetos, actualmente están en el Museo del Estanquillo de la Ciudad de México. Entre éstas se encuentra una de las más grandes colecciones de la obra de José Guadalupe Posada, con mil grabados.

Pero su mayor aportación la hizo a través de crónicas cuyos temas tocaban problemáticas sociales que siempre hallaban un lugar en los periódicos. Éstas se recopilaron en diferentes libros como Principios y Potestades, de 1969, Días de guardar, de 1971, y Amor perdido, de 1976, entre otros.

En 2010 la editorial Trilce-Grijalvo publicó ¿Adónde váis Monsiváis?, un proyecto en el que este escritor decidió subir a un taxi y recorrer Garibaldi, la Lagunilla, la Basílica, el Chopo, la zona Rosa, entre muchos otros lugares emblemáticos de la Ciudad de México, para encontrar las referencias que completaran esta especie de guía intelectual.

El «Aleph de la cultura mexicana»
José Gordon, escritor y periodista cultural, lo llamó el «Aleph de la cultura mexicana», pues como la primera consonante del alfabeto hebreo, Monsiváis es el máximo exponente para entender nuestra sociedad contemporánea a través de combinar la crónica, el ensayo y la crítica cultural.

Escribió sobre política, critica a la burguesía, el sindicalismo, la izquierda, el cine, los movimientos sociales, la religión, personajes históricos, medios de comunicación, deportes, e incluso aborda esas aflicciones de la población como la diversidad sexual y las minorías segregadas.

En noviembre de 2010 se publicó el libro Que se abra esa puerta: crónicas y ensayos sobre diversidad sexual, una compilación de textos para la revista Debate Feminista.

Parecía entender al país y éste devolvía la comprensión a través de distintos premios y reconocimientos, el Premio Nacional de Periodismo en crónica en 1977, el Premio Jorge Cuesta de 1986, el Premio Manuel Buendía en 1988, el Premio Mazatlán de Literatura de 1988 y varios más.

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Monsiváis abandonó el país que aún necesitaba de sus relatos, más de sus apuntes mordaces. Falleció el 19 de junio de 2010, luego de padecer una enfermedad pulmonar. Eso sí, dejó muchos libros, antologías, fotografías y colecciones, sin las cuales sería difícil sobrevivir a esta menesterosa época.

Albert Camus y el periodismo

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Categoría: Cultura y Espectaculos Creado: 07 Mayo 2018 Visto: 2849

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Argelia seguía siendo una colonia de Francia «abandonada por la administración de la metrópoli», y Albert Camus quiso poner énfasis en las injusticias que muy pocos conocían.

En la primavera de 1939, cuando tenía 26 años y la tuberculosis ya era la enfermedad crónica que lo acompañaría hasta su muerte, había viajado durante diez días por esa zona con el objetivo de retratar la miseria de los habitantes.

—Conoce a los mexicanos reconocidos en el WPP—

En las páginas del periódico Alger Républicain, Camus contó «con precisión, rigor, datos, análisis y una impecable técnica narrativa» la falta de escuelas, carreteras, comida y salarios dignos de un lugar «en el que el día a día transcurre, más bien, bajo un régimen de esclavitud». En cada entrega de ese trabajo quedó manifiesta su intención de que Francia no desdeñara a ese pueblo y tomara las medidas necesarias para darle una emancipación intelectual, moral y financiera.

Un lustro después, lejos de mejorar, todo había empeorado.

El escritor, que para entonces ya había publicado El extranjero y El mito de Sísifo en la prestigiada editorial Gallimard, se encontró además con el aumento de las protestas contra la colonización francesa, muchas de ellas reprimidas con violencia. En esa ocasión no recurrió al reportaje para abordar el tema sino a los artículos, el género que lo consolidó como un intelectual comprometido que pretendía influir en la vida pública a través de la prensa. Gracias a esos textos, publicados en el diario Combat, consiguió sensibilizar a sus lectores sobre la situación que imperaba en esa región, pero nada cambió.

«Camus entiende el rol periodístico más como el rol de perro guardián que como mero transmisor de la información. No se conforma con ser un testigo, sino que ejerce de “abogado” o “justiciero”, con sus ideas al servicio de “la verdad”, en un papel activo e intervencionista».

¿Para qué Camus seguía haciendo periodismo? «Para defender la libertad, la dignidad humana, la justicia, la verdad, el progreso y, de paso, para pulir su estilo literario»1 María Santos-Sainz, profesora y periodista española, autora de Albert Camus, periodista, España: Libros.com, 2016.

Un periodista comprometido
Albert Camus nació el 7 de noviembre de 1913 en Argelia y creció en un hogar sin libros. Su padre murió al combatir en la i Guerra Mundial y debido a ello recibió una beca que le permitió estudiar. Cuando su abuela materna le sacó el carnet de una biblioteca pública, Camus se volvió un lector voraz y vislumbró su vocación: la escritura. Al terminar la carrera de Filosofía y Letras pidió trabajo como profesor pero nadie lo contrató por padecer tuberculosis. Por eso se refugió en los periódicos. Por eso y porque ahí encontró el espacio que un joven comprometido como él deseaba para denunciar las injusticias y destapar los abusos del poder.

—Te interesará leer: La prensa en tiempos de don Porfirio—

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Comenzó a escribir en el diario Alger Républicain, un periódico modesto, surgido en 1938, en el que la mayoría de sus miembros eran principiantes «porque salían menos caros».

Esa redacción se convirtió en su escuela de periodismo.

Ahí se ocupó primero de las condiciones infrahumanas del «proletariado blanco» y de la población musulmana más humilde, pero no tardó en convertirse en cronista judicial. Una explosión de gas en un barrio pobre le servía, por ejemplo, para denunciar el abandono del poder y la corrupción municipal.

La visita a una prisión, para fijarse en celdas minúsculas sin luz «en donde los seres humanos son tachados de la humanidad». Cada una de esas experiencias nutrió años después los argumentos de sus novelas y obras de teatro.

La voz de una nación
Después de estar en Alger Républicain, Camus continuó su labor periodística en Soir Républicain, luego en Paris-Soir y se consolidó en Combat.

En 1943 ingresó en la Resistencia, el movimiento popular contra la ocupación nazi que editaba, deforma clandestina, un diario llamado Combat, «para contar a los lectores lo que en verdad ocurre». Cuando Francia fue liberada y la censura se atenuó, Camus se convirtió en uno de los articulistas más prestigiosos y leídos, pues para muchos era «el vigía de una generación que luchaba por un cambio profundo en Francia tras la liberación».

—Canción para los corazones en libertad—

Camus concebía al periódico como un proyecto intelectual en el que se embarca un grupo de periodistas, es decir, gente con ideas. Porque para él un periodista es «alguien al que, como mínimo, se le exige tener ideas». Desde su punto de vista, también ese grupo de periodistas tenía la misión de «liberar a los diarios de las presiones financieras y dotarlos de una verdad que saque del público lo mejor de sí mismo. Porque un país vale cuanto vale su prensa. Y si es cierto que los periódicos son la voz de una nación, estamos decididos a levantar este país elevando su lenguaje».

Camus murió el 4 de enero de 1960, cuando el coche en el que viajaba junto al editor Michel Gallimard, se estrelló contra un árbol.

Dos meses después de iniciada la ii Guerra Mundial, Camus escribió un artículo para Le Soir Républicain, donde enumeraba las condiciones en que, según él, debe manifestarse la libertad de prensa. Irónicamente, el artículo fue censurado. Rescatado en el libro Albert Camus, periodista, lo retomamos como una muestra del nivel de compromiso del escritor, aunado a su calidad literaria. Aunque fue redactado en noviembre de 1939, el documento posee una sorprendente actualidad.

En defensa de la libertad
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Es difícil evocar hoy la libertad de prensa sin que lo tachen a uno de extravagante, lo acusen de ser un Mata-Hari o lo persuadan de que es el sobrino de Stalin. Sin embargo, esta libertad entre las otras no es más que una de las caras de la libertad a secas, y se comprenderá nuestra obstinación en defenderla si se admite que no hay ninguna otra manera de ganar realmente la guerra.

—Conoce quién fue Federico Campbell Quiroz—

Es verdad: toda libertad tiene sus límites. Aunque tendrían que ser libremente reconocidos. [...] La cuestión ya no es buscar cómo preservar las libertades de prensa. Es buscar cómo, ante la supresión de esas libertades, un periodista puede seguir siendo libre. El problema ha dejado de interesar a la colectividad. Concierne al individuo.

«El papel del escritor es inseparable de difíciles deberes. Por definición no puede ponerse al servicio de quienes hacen la historia, sino al servicio de quienes la sufren»

Albert Camus, discurso de aceptación del premio Nobel de Literatura (1957).

Y precisamente lo que nos gustaría definir aquí son las condiciones y los medios por los que, en el seno de la guerra y de sus servidumbres, la libertad puede no sólo conservarse, sino manifestarse. Estos medios en resumen son cuatro: la lucidez, el rechazo, la ironía y la obstinación.

La lucidez implica una resistencia al avance del odio y el culto a la fatalidad. En el mundo de nuestra experiencia, es cierto que todo puede evitarse. Incluso la guerra, que es un fenómeno humano, puede evitarse o pararse en todo momento mediante métodos humanos. Basta con conocer la historia de los últimos años de la política europea para saber con certeza que la guerra, cualquiera que sea, tiene causas evidentes. Esta visión clarificadora de las cosas excluye el odio ciego y la desesperanza a la que conduce. Un periodista libre en 1939 no desespera y lucha por aquello que considera verdadero si su acción pudiera influir en el desarrollo de los acontecimientos. No publica nada que pueda enaltecer el odio o provocar la desesperanza. Todo ello está en su poder.

Frente a la marea ascendente de estupidez, también es necesario oponerse con cierto rechazo.

Ningún obstáculo del mundo hará que una persona con cierta integridad acepte ser deshonesta. Así pues, por poco que conozcamos el mecanismo de la información, es fácil asegurarse de la autenticidad de una noticia. Y a ello debe dedicarse todo periodista libre. Porque si no puede decir todo lo que piensa, sí le es posible decir lo que no piensa o lo que considera falso.

Sí, los espíritus libres hacen a menudo notar de mala gana su ironía. ¿Qué satisfacción se puede encontrar en este mundo en llamas?

Conciliar cultura y comercio, el reto de un editor: Jacobo Siruela

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Categoría: Cultura y Espectaculos Creado: 07 Mayo 2018 Visto: 2790

jacobo 644x362 Formar un buen catálogo no depende de la oportunidad de los títulos, sino de la calidad y coherencia de los autores, sostiene en entrevista
La FILU en Xalapa concluyó ayer
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Para el autor de El mundo bajo los párpados, el editor es un tahúr; necesita coraje, partir de tener algo de dinero, no endeudarse sin pensar, poseer un pequeño capital para invertir, y lo más importante: ideas y culturaFoto Luis Humberto González
Ericka Montaño Garfias
Periódico La Jornada
Un editor es un tahúr y lo primero que necesita es coraje, sobre todo ahora cuando nacen muchas editoriales, lo cual habla de la diversidad en la sociedad civil, sostiene el editor y escritor Jacobo Siruela.

Siruela recibió la semana pasada la medalla al mérito de la Universidad Veracruzana, en la edición 25 de la Feria Internacional del Libro Universitario (FILU), que se desarrolló en Xalapa y concluyó ayer.

Jacobo Fitz-James Stuart y Martínez de Irujo nació en Madrid en 1954 y desde 1980 se dedicó a la edición de libros. Fundó la editorial Siruela, que después vendió al grupo Anaya, y creó un nuevo sello: Atalanta.

Ese proyecto, explica en entrevista con La Jornada, ha sido más maduro, más personal. No es una editorial de autores, es de ideas. Comencé a editar porque me gustaba leer y dejé de editar porque me gustaba leer; fue cuando decidí vender Siruela, retarme y dedicarme a leer tranquilamente, investigar, escribir y a Atalanta, que posiblemente sea la única editorial en el mundo cuya sede está en el campo.

Hoy se puede editar o hacer cualquier cosa desde cualquier lugar; nuestros colaboradores cada uno está en una ciudad diferente; cuando me di cuenta de que eso podía ser posible empecé la aventura de Atalanta, que en su catálogo incluye autores como HG Wells, Alejo Carpentier, Iván Turguéniev, Thomas de Quincey o al mismo Jacobo Siruela con El mundo bajo los párpados y el más reciente Libros: secretos.

–Esa facilidad de que una editorial pueda estar en cualquier lado, ¿hace más fácil fundarlas?

–No. Evidentemente, es muy difícil. Primero, porque hay saturación y mucha competencia. Además, ahora todo está muy disperso. Sin embargo, existe algo que ha ocurrido en España: han surgido muchísimas pequeñas editoriales, que no están nada mal, como en todo no todas son estupendas, pero en general es muy interesante.

“Esto me provoca optimismo porque supone un cambio en el mundo, y creo que los cambios por supuesto no vienen de arriba; a los políticos es mejor olvidarlos.

“Los cambios tienen que venir de la sociedad civil, de abajo a arriba, no de arriba a abajo, y creo mucho en las pequeñas empresas, en las medianas, que son las que verdaderamente innovan.

Está surgiendo una especie de diversidad en la sociedad civil que me parece un signo esperanzador e interesante, porque la tónica que parecía irrevocable, era que las multinacionales se comerían todo, que todas las editoriales iban a terminar en manos de tres o cuatro personas.

–Hablando de estos cambios y del nacimiento de pequeñas editoriales, ¿qué se necesita hoy para ser editor?

–Ser tahúr, porque el editor es un tahúr; lo primero que necesita es coraje, evidentemente partir de tener algo de dinero, no endeudarse sin pensar, poseer un pequeño capital que invertir; pero lo más importante, tener ideas y cultura. Si uno quiere formar un catálogo bueno debe entender que esto no se mide por la oportunidad de los títulos, sino por la calidad y coherencia de los autores. Tiene que haber una idea detrás, porque de lo contrario es un cajón de sastre en el que caben todos los retales y se acaba víctima del mercado.

El editor tiene que conciliar dos principios irreconciliables, que son cultura y comercio; entonces la ética y estética del editor tiene que ver con la correcta conciliación de esos contrarios imposibles.

–¿Se está logrando?

–No es fácil, pero creo que sí, que van surgiendo nuevos sellos con propuestas interesantes, coherentes, y con gente muy trabajadora. Hay fórmulas por supuesto, pero no para la literatura, las hay para los best sellers y los estadunidenses las siguen muy bien: editan un libro, saben cómo editarlo, corrigen, dicen al autor lo que tienen que hacer y cómo; también hay fórmulas de mercadotecnia, pero eso nada tiene que ver; las obras importantes o de cierta relevancia literaria no tienen nada que ver con eso, nunca.

“Las obras literarias de calidad surgen de algo que nada tiene que ver con el marketing. Nunca he estado interesado en ese tipo de edición. Me ha ido bien, he hecho cosas absolutamente anticomerciales. Por eso digo que Atalanta empezó a contracorriente y al final acaba creando una corriente. Eso es lo divertido de esa vida.”

–Y ahora que todo mundo quiere ser escritor, ¿qué se necesita para llamar la atención de un editor?

–Para eso tampoco hay fórmulas; si las hubiera esto no tendría ninguna magia, no hay fórmulas para nada. Por un lado hay una parte positiva: todo mundo tiene talento, cierta creatividad que debe desarrollar, es importante que cada persona encuentre la manera de desarrollar sus talentos. La creatividad es una de las cosas importantes del ser humano, cada persona tiene un don, pequeño o grande. Sin embargo, muchas veces lo que quieren es ser famosos o ricos, y eso no tiene ningún interés.

Si las personas actúan por necesidad creativa, entonces está bien, pero no hay fórmulas: uno de los problemas es que hay demasiados libros. Es una cosa agobiante la cantidad de libros.

Jacobo Siruela participó en la mesa Atalanta: los libros detrás de los párpados, en el Foro Sergio Galindo de la FILU, y en la inauguración del foro académico El lenguaje en la construcción de identidad, en el que se entregaron las medallas al mérito de la UV al editor y la lingüista, investigadora y académica Concepción Company. Al término de ese acto Jacobo Siruela ofreció una conferencia magistral.

Arquitectura y sonoridad en el Museo Experimental El Eco

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Categoría: Cultura y Espectaculos Creado: 07 Mayo 2018 Visto: 2864

ecooo Campanario, que aludiendo a una temática post-19 de septiembre, fue la ganadora del Pabellón Eco 2018
ARYDIA BARAJAS/ ESPECIAL
Campanario en el Museo Experimental El Eco.
CIUDAD DE MÉXICO.
La exposición Campanario es una construcción mostrando su origen: una trama de varillas sostienen platos de cobre, permitiendo sismos que crean colisiones sonoras activadas por el espectador (simultáneo músico y habitante). La estructura se mueve sin problema, aludiendo a una cuestión post-19 de septiembre.

Alojada en el Museo Experimental El Eco hasta el 20 de mayo, esta creación del colectivo TO ganó el concurso Pabellón Eco 2018. Responde al saber hacer, el oficio de construir, tema curatorial de Isaac Broid, quien fue parte del jurado junto a Rozana Montiel (arquitecta), Jorge Munguía (de Buró Buró), Paola Santoscoy y David Miranda (ambos por parte del museo).

La arquitectura musical de Campanario es 100% reutilizable: las varillas irán a construcciones, los 144 platos se venderán y el dinero recaudado será donado.

Dirigido por José Amozurrutia y Carlos Facio, TO ganó recientemente el Pabellón de la Feria Internacional de las Culturas Amigas en el Zócalo de la Ciudad de México. Para ellos, saber hacer en la arquitectura es como dominar un instrumento musical, porque puedes evocar significados, hacer música o ser un intérprete; es poder componer y construir a partir del propio lenguaje de la arquitectura.

Los colectivos finalistas seleccionados de acuerdo con su experiencia constructiva fueron: Práctica Arquitectura (Monterrey), Lanza Atelier, Taco (Mérida), Álvaro Lara y Casa Blanca (Guanajuato). Sobre algunos, Paola Santoscoy, directora del museo, menciona que representaban muchas semanas de construcción y basura en la demolición, por lo cual evitaron esa situación post-sismo, no querían más tierra. Bajo ese contexto, Campanario ganó por decisión unánime del jurado debido a una notable síntesis de materiales.

Como actividad paralela, en la sala Daniel Mont se exhibe Horizontes de ocupación, del artista Miguel Ángel Madrigal, una crítica a la especulación inmobiliaria, en una discusión post-sismo sobre la arquitectura parasitaria que nos ha privado de la luz natural, borrando el límite entre el espacio público y el privado. Un video mudo y la curaduría de David Miranda acompañan esta obra que no es arquitectura funcional, sino emocional, igual a la del museo.

Con una sola pieza muestra edificios a escala, deshumanizados en blanca monocromía; fue construida por luz artificial en diversas tonalidades, al igual que la música: es ahí donde dialoga con el Campanario de TO.

La obra estuvo en el museo tres semanas antes del montaje para ver cómo funcionaba la iluminación y el espacio. Según el artista, “no hay otro lugar en el que podamos ponerla”. A manera de cámara obscura, parece un juego de espejos o dioramas reproduciendo una imagen; pero en realidad, las escaleras, pasillos, balcones y habitaciones son un mundo tridimensional que engaña la vista del espectador; nace en el muro y únicamente puedes recorrerlo con la mirada. Aquí se diferencia de Campanario, el cual brinda un desplazamiento corporal por dentro y por fuera.

Madrigal afirma que le lleva más tiempo conceptualizar lo que hará, en cambio es rápido con la factura porque se le facilitan los materiales. Para no auto repetirse, cuando cree haber encontrado una solución, brinca de la geometría a las formas orgánicas y viceversa; aunque sí hay constantes en su obra: espacio, equilibrio y negociación.

El fundador del sello Atalanta recibió la medalla al mérito de la Universidad Veracruzana

“Las arañas cumplen años”

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Categoría: Cultura y Espectaculos Creado: 02 Mayo 2018 Visto: 2897

arñanaass Jonathan Muñoz Berruecos y Ollin teatro estrenaron la obra “Las arañas cumplen años” de la dramaturga Camila Villegas, una puesta en escena para público infantil que habla de la violencia sin ponerla al frente del tema, por delante de los personajes o como único marco de los problemas, no es directamente de los problemas que existe entre mamá y papá sino de la violencia que se está dando en estos momentos en las comunidades de todo el país, entonces tienen que salir de su pueblo y ahí empieza una fractura en que papá y mamá se empiezan a separar y Tomás empieza a sentir esta soledad, Patona y peluda son dos amigas incondicionales que ayudarán a Tomás a lograr su objetivo
Las arañas son unas amiguitas imaginarias que él tiene y va recreado todo lo que va viviendo con ellas, entonces justamente aparecen otros personajes, aparece la abuela que a pesar de que la abuela ya no existe, aparece ahí, siempre alentándolo, siempre diciéndole vamos Tomas no puedes decaer!, vamos!!! Y sus amiguitas que son las arañitas siempre están con él.
Un montaje atractivo, pocos elementos en escena donde la actuación lleva el peso de la obra. Ollin teatro espera presentarla pronto en otros espacios del estado.

Pantone Libro

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Categoría: Cultura y Espectaculos Creado: 02 Mayo 2018 Visto: 2847

OM Poesía Alva Alba Daniela Escobar Juárez, encontró la solución para combinar sus dos pasiones, las letras y la ingeniería ambiental, su poemario Pantone 347 C, es el resultado, soy ingeniero ambiental de primera profesión, entonces también estoy enamorada de las letras, en especial de la poesía, dije cómo lo puedo conjuntar, al principio uno tiene la noción de que son áreas peleadas no? Pero en realidad descubrí que no, que la mejor forma de transmitir algo tan urgente como el cuidado del medio ambiente es a través de las artes.
Hace 4 años nació la idea, los textos, la edición de500 ejemplares del libro que prácticamente se encuentra agotada en la versión bilingüe. Estoy por salir el día de mañana para un festival internacional de literatura en Chiapas y en agosto para un festival también internacional de poesía a Perú, entonces si alguno queda me lo voy a llevar pero también voy a dejar los que se puedan aquí porque ya se acabaron.
Daniela enamorada de su oficio de lectura, poesía, arte, invita al público a compartir las letras en cambalache un espacio para adquirir obras o simplemente disfrutar de la lectura, para mayor información la pueden encontrar en redes sociales.

Rendirán homenaje a Carlos Monsiváis por el 80 aniversario de su natalicio

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Categoría: Cultura y Espectaculos Creado: 02 Mayo 2018 Visto: 2677

monsinAVAISS Ese trabajo aproxima al lector con el personaje, sus cuates-cómplices y los artistas que admiraba
Merry MacMasters
Periódico La Jornada
En vísperas del 80 aniversario del nacimiento de Carlos Monsiváis (1938-2010), el 4 de mayo, un día después se rendirá al escritor y periodista el homenaje Hay ausencias que triunfan, en el Museo del Estanquillo.

Con motivo de esa efeméride se da a conocer el catálogo de Monsiváis y sus contemporáneos (no confundir con el grupo Los Contemporáneos), exposición montada de julio de 2017 a enero de 2018 en ese recinto.

Con diseño informal y juguetón –tiene doble portada–, ese trabajo aproxima al lector a Monsi y sus cuates/cómplices, aunque también a los artistas que admiraba.

Por esas páginas deambulan imágenes de José Emilio Pacheco, Sergio Pitol, Carlos Fuentes, Fernando Benítez, Iván Restrepo, José Luis Cuevas, Vicente Rojo y Elena Poniatowska, así como Chavela Vargas, María Félix, Ninón Sevilla, Toña La Negra, Agustín Lara, Tongolele, Dámaso Pérez Prado y María Victoria.

Esa muestra se montó con la finalidad de recuperar al autor de Días de guardar y Amor perdido como hombre de letras al repasar su trayectoria profesional en medio de sus empresas culturales. Fue una exhibición ilustrativa, didáctica, cuya idea era mostrar a las nuevas generaciones esta época de oro de la cultura, dijo entonces Henoc de Santiago, director del Estanquillo.

En su texto Francisco Vidargas, curador de la exposición, trae a colación una cita del escritor Sergio Pitol, recientemente fallecido, sobre el enigmático Monsiváis: fue “un polígrafo en perpetua expansión, un sindicato de escritores, una legión de heterónimos que por excentricidad firman con el mismo nombre (...) El cronista de todas nuestras desventuras y prodigios (...) el documentador de la fecundísima gama de nuestra imbecilidad nacional”.

Luego, “nuestra amistad no se ha reducido a hablar de libros, hemos participado en muchas peripecias políticas, nos hemos reído de la tontería, el medio pelo y sobre todo del engolamiento que caracteriza a muchos de nuestros conocidos (...) lo que nos granjeó muchas enemistades”.

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La actriz Dolores del Río y el cronista Carlos Monsiváis, hacia 1966, en imagen incluida en el catálogo de la muestra Monsiváis y sus contemporáneos, montada en el Museo del Estanquillo de julio de 2017 al pasado eneroFoto Héctor García
De Monsiváis, su maestro indiscutible Fernando Benítez escribió el 15 de julio de 1995 en La Jornada: ...en estos tiempos, Carlos Monsiváis es el mejor conocedor de la sociedad mexicana no de cualquier modo, sino utilizando la paradoja, el contraste y el sentido del humor. El historiador Enrique Florescano anota: Carlos era un originador de disputa: él inmediatamente suscitaba el diálogo, en favor o en contra, por lo inesperado y original de sus expresiones.

Por otra parte, “al lado de Iván Restrepo, Monsiváis se hace habitué de los teatros de revista, en especial del Blanquita; de cabarets, salones de baile y centros nocturnos donde se presentaban las figuras que más admiraban”, acota el Museo del Estanquillo.

En el último apartado de la exposición Y la (R)edacción se despide, José Emilio Pacheco expresa el sentir de muchos: No puedo concebir un México sin la presencia ubicua de Carlos Monsiváis. Durante muchos años nos acostumbramos a leerlo, a escucharlo en conferencias por todas partes y en programas de radio, y a verlo en la televisión a tal punto que parece imposible resignarse al nunca más.

Aparte de las muchas fotogra-fías hay imágenes de obras de su colección que son insólitas, como Grabado original de Frida Kahlo para la portada del libro Caracol de Distancias, de Ernesto Hernández Bordes, una pintura de factura académica de Leopoldo Méndez, un recado con dibujo de Francisco Toledo, así como su gusto por los pintores Carlos Mérida, Juan Soriano, Gunther Gerzso y Leonora Carrington, la fotografía y la caricatura.

El catálogo de Monsiváis y sus contemporáneos será presentado el 26 de mayo en Isabel la Católica 26, Centro Histórico.

Marx, vigente gracias a los jóvenes

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Categoría: Cultura y Espectaculos Creado: 02 Mayo 2018 Visto: 2734

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Retratos del pensador alemán Carlos Marx (Tréveris, 5 de mayo de 1818-Londres, 14 de marzo de 1883), con sujetadores magnéticos, captados en la ciudad natal de Marx, en el suroeste de Alemania. En entrevista con La Jornada, el investigador Carlos Aguirre Rojas sostiene que el téorico ha recuperado su papel fundamental en los recientes 10 añosFoto Afp
Mónica Mateos-Vega

Periódico La Jornada
Congresos internacionales, exposiciones, debates, círculos de estudio, mesas redondas, conferencias, ideas en ebullición en torno al pensamiento de Carlos Marx arrancan esta semana en varios países para conmemorar al intelectual alemán en su bicentenario natal, que se cumple el sábado 5 de mayo.

La doctrina filosófica basada en sus planteamientos, la cual se creyó muerta con la caída del Muro de Berlín en 1989, es hoy más vigente que nunca, sobre todo por el gran eco que tiene entre las nuevas generaciones, opinan estudiosos del tema en todo el orbe.

Ni caduco ni inútil, Marx ha recuperado su papel fundamental en los recientes 10 años, principalmente entre los jóvenes, debido a que se ha acentuado la crisis del capitalismo que en 2008 afectó incluso a las economías más fuertes del planeta, explica el sociólogo y economista Carlos Aguirre Rojas (Ciudad de México, 1955).

El investigador dice en entrevista con La Jornada que si bien Marx aún no reaparece como debería en los planes de estudio de las carreras universitarias de ciencias sociales, economía o filosofía, “por iniciativa de los propios estudiantes se han formado círculos de estudio en torno a El Capital, obra fundamental del teórico alemán, y están leyendo otros de sus textos.

También existen algunos profesores que desde los años 70 y 80 del siglo pasado enseñaban bien a Marx y se han mantenido. Aunque son minoría, tienen cada vez más alumnos que los buscan para hacer sus tesis.

Vigencia universal de un diagnóstico sobre el capitalismo

Aguirre considera que el pensamiento de Marx tiene vigencia universal, “porque la empresa que él se planteó fue tratar de formular un diagnóstico de la esencia fundamental del modo de producción capitalista, y no creo que alguien en la actualidad niegue que todas las sociedades del mundo son hoy capitalistas.

“Marx nos dio parámetros, pistas, es decir, teoremas generales que nos sirven para explicar el capitalismo ya sea en México, en Estados Unidos o en Francia. Por eso, hay un marxismo de vigencia universal, pero no podemos negar que también hay marxismos nacionales, locales y regionales: el marxismo inglés, que es más empirista; el francés tuvo entre sus ideólogos a Henri Lefebvre o Louis Althusser y sus polémicas internas, y el italiano tiene representantes fundamentales.

Los múltiples marxismos intentan aplicar a sus respectivas sociedades los teoremas universales de Marx. En este sentido, por supuesto que también hay un marxismo latinoamericano, con marxistas importantes como José Carlos Mariátegui, en la segunda mitad del siglo XX, y en México, José Revueltas y Bolívar Echeverría.

Nacido en Tréveris (antiguo reino de Prusia) en 1818, Karl Heinrich Marx (en castellano traducido como Carlos Marx) murió en Londres en 1883, debido al exilio y la persecución política desplegada por aquellos que encontraban en el pensamiento marxista un arma letal contra sus formas de organizar y concebir el mundo, un orden que Marx lucharía por evidenciar como radicalmente injusto a través de una obra teórico-política fundacional, escribe Luis Cario, pasante de la carrera de Estudios Latinoamericanos de la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM), en el espacio digital UNAM Global, de la máxima casa de estudios.

El joven añade en su texto No existe un solo Marx que hablar del autor del Manifiesto del Partido Comunista (1848, en coautoría con Federico Engels), “es hablar de un pensamiento múltiple e inacabado, que demanda él mismo como impronta fundamental la crítica de todo lo existente, incluida su tradición misma. Los años han empolvado a momentos la barba del creador de El Capital, pero se agita el polvo en las luchas de los pueblos, para quienes escribió y dedicó su gesta teórica, las y los herederos fundamentales, aquellos que en pleno siglo XXI aún quieren entender al mundo para transformarlo”.

El capitalismo, en crisis terminal; se ha llevado al límite a la sociedad

Carlos Aguirre Rojas sostiene que a 200 años del nacimiento de Carlos Marx, el mundo se encuentra en un momento muy complicado, “porque las tendencias fundamentales que él señaló siguen vigentes: la lógica de acumulación de capital, la idea de que el objetivo fundamental de la sociedad es la ganancia y hacer a un lado a la persona para que aparezca en su lugar un sujeto sustituto o emergente que es el proceso de valorización del valor.

“La ley de la acumulación capitalista sigue siendo válida, así como la formación de las clases sociales: una burguesía que explota económicamente a un proletariado. Todo sigue siendo cierto.

“Pero también, a 200 años del nacimiento de Marx, el capitalismo está en crisis terminal. Se ha llevado al límite a la sociedad. Por ejemplo, en términos de la destrucción ecológica y el cambio climático, las cuales son obra de la depredación capitalista.

“Vamos hacia una encrucijada en la que si no destruimos al capitalismo y lo detenemos, él nos va a llevar a la destrucción de la especie humana, no sólo en términos ecológicos, sino económicos.

“El capitalismo ha creado un mecanismo tan perverso de la distribución de la riqueza que a la vez hay niños y poblaciones enteras que se mueren de hambre en África, y productos alimenticios como plátano, cacao y café que se tiran al mar sólo para que no baje su precio en el mercado mundial.

“Una sociedad que destruye su riqueza de un lado y del otro crea la muerte por hambre, llevó ya al límite la situación. Un Estado que es incapaz de cumplir sus funciones fundamentales para las cuales fue creado, que son seguridad, educación y salud a sus poblaciones, no tiene razón de existir.

El capitalismo ya cumplió su función histórica, concluye el investigador.

Este jueves, en la Facultad de Ciencias Políticas y Sociales de la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM), se efectuará el encuentro El bicentenario del nacimiento de Karl Marx: discutiendo el marxismo desde la teoría crítica, con una mesa de debate a las 9 horas (en la sala Lucio Mendieta y Núñez), en la que participarán Diana Fuentes, Arturo Chávez y Arturo Santillana; a las 16 horas, Carlos Aguirre Rojas impartirá una conferencia magistral, con los comentarios de Alfonso Reyes Ventura y Carlos Herrera de la Fuente.

En la Facultad de Economía de la UNAM ese mismo día se reunirán a las 11 horas Julio Boltvinik, Ana Alicia Peña y Edur Velasco con el tema Pensar con Marx: la clase obrera y el capitalismo actual.

El sábado 5, en el jardín Hidalgo de Coyoacán, desde las 13 horas se desarrollarán mesas de diálogo en torno a varios temas marxistas. En el sitio web https://marx200.org se pueden consultar textos y actividades que se realizan en el mundo para celebrar el bicentenario de quien también es considerado, junto a Émile Durkheim y Max Weber, uno de los tres principales hacedores de la ciencia social moderna.

El pintor Ricardo Martínez

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Categoría: Cultura y Espectaculos Creado: 02 Mayo 2018 Visto: 3331

pintor ricardoo La Fundación Ricardo Martínez celebrará este año al pintor con la publicación de un libro conmemorativo y una exposición en Bellas Artes
SONIA ÁVILA

El pintor Ricardo Martínez desarrolló un lenguaje plástico a partir de figuras humanas en tamaño desproporcionado sumergidas en entornos sombríos.

CIUDAD DE MÉXICO.

Ricardo Martínez (Ciudad de México, 1918-2009) fue el número 13 de 16 hermanos del matrimonio Néstor Martínez y Elena de Hoyos. Uno de los cinco hijos de profesión artística. Él fue pintor, su hermano Oliverio, escultor; Enrico y Homero, arquitectos, y Jorge, actor. A los diez años salió de México con sus padres camino hacia Europa, pero la depresión económica lo detuvo en San Antonio, Texas, donde permaneció cuatro años.

Volvió en 1932 y nunca más dejó el país. Centró su atención en aprender a pintar de manera autodidacta. Sobre lienzos, que él mismo preparaba y montaba en bastidores, experimentó primero con el realismo e hizo bodegones, paisajes y personajes populares; después, jugó con el surrealismo y así hasta encontrar su propio lenguaje: figuras humanas en tamaño desproporcionado sumergidas en entornos sombríos.

Jamás asistió a clases formales. Una sola vez entró a la Academia de San Carlos, pero no le gustó el sistema de enseñanza. Mucho menos realizó estudios en el extranjero. Su primer estudio fue un rincón de la sala en la casa familiar en la colonia Roma. Después se mudó a la colonia Anzures, vecino del pintor Federico Cantú, y finalmente se estableció en la calle Etna, donde todos los días pintaba hasta el último rayo de luz natural, hasta el día de su muerte, el 11 de enero de 2009.

Estas y muchas otras revelaciones se harán públicas este año con el festejo del centenario de su natalicio (28 de octubre) que sus hijos, a través de la Fundación Ricardo Martínez, celebrarán con un programa de actividades culturales. Se prepara un libro conmemorativo con textos que analizan su obra y persona, y una exposición retrospectiva en el Museo del Palacio de Bella Artes.

A ello se suma un documental biográfico que prepara Canal 22 y tres pequeñas exhibiciones promovidas a través de Fomento Cultural Banamex. Y en paralelo se trabaja el catálogo en línea con más de dos mil obras registradas para su consulta pública desde el sitio web de la Fundación, y, a largo plazo, se proyecta integrar el acervo digital al del Instituto de Investigaciones Estéticas de la UNAM.

Se trata, pues, de lanzar la casa por la ventana para hacerle justicia a quien en vida fue un hombre ajeno de la escena pública, discreto con el mercado del arte y reservado en los grupos sociales. Aunque todos los lunes, con puntualidad inglesa, acudía a una comida en casa de Vicente Rojo a donde también llegaba Juan Rulfo, Fernando Benítez, Carlos Monsiváis, Luis Cardoza y Aragón y Augusto Monterroso. Sus amigos.

Su hija Zarina Martínez lo recuerda como un hombre adusto: “Él decía que era un ermitaño sociable, porque le gustaba la soledad de su estudio, pero también tenía muchos amigos que se reunían a cenar con frecuencia y nunca faltaba a comer todos los lunes con Vicente Rojo”, señala.

“Esta es una ocasión para hacerle justicia porque siempre fue una persona muy discreta, reservada como artista. Además dar a conocer sus facetas desconocidas, tanto de su vida como de su obra, y lo haremos a través de obra inédita, desde un enfoque más personal. Existen ensayos de críticos literarios sobre su trabajo, pero ahora la intención es hacer algo más académico y más personal”, refiere Martínez.

Universo pictórico

Del universo de más de dos mil obras registradas en el catálogo de la Fundación, cerca de dos centenares integran la publicación Ricardo Martínez 100 años, bajo la edición de Antonio Tovalín en la Universidad de Veracruz. El libro tendrá prólogo de Alberto Ruy Sánchez, un texto personal a cargo de su hija Zarina y un análisis del entorno cultural en que vivió el artista, escrito por la historiadora Miriam Kaiser.

Textos que servirán de eje para comprender las pinturas y dibujos organizados en dos periodos: 1940 a 1979, y 1980 a 2009. “Empezó haciendo pintura mucho más realista luego estuvo coqueteando con el surrealismo, tiene unos cuadros completamente de corte surrealista, y poco a poco fue depurando sus figuras, sus temas, motivos, hasta llegar a fines de los años 50 e inicios de los 60 al estilo que será característico de su vida, estas figuras que ocupan casi todo el espacio de la tela”.

La publicación, planeada para agosto, será complementaría a la exposición retrospectiva que se organiza en colaboración con el Museo del Palacio de Bellas Artes. Serán entre 150 y 200 piezas –pinturas, dibujos, gouaches, correspondencia y fotografías– que develen la vida tan reservada de quien meses antes de morir recibió la Medalla de Oro del Instituto Nacional de Bellas Artes y la Medalla de la Ciudad de México.

“Lo interesante es ver la manera de presentar estas fases desconocidas en una exposición, y será presentando cosas que nadie ha visto y enseñando cómo ha sido su proceso creativo desde la primera idea hasta el cuadro terminado. La exposición tiene un doble propósito, por un lado mostrar un proceso creativo que nadie conoce y, por otro, mostrar las obras que nadie o poca gente conoce. Lo que más puede decir de una artista es su trabajo, entonces dejamos que hable su propio trabajo”, refirió de la exposición programada para noviembre próximo.

Tanto en el libro como en la exposición se hará énfasis en los rasgos prehispánicos presentes en la obra de Martínez. No son, aclara su hija, elementos explícitos, pues su interés por las culturas prehispánicas era desde un punto de vista estético y no antropológico. Por lo que se dedicó a absorber expresiones, formas, colores y texturas de piezas antiguas que él mismo coleccionó: “Este acervo bajo custodia de la Fundación tiene el registro del INAH y para él era como compañía, había un diálogo entre su producción y el contenido de las piezas, las veía como un estímulo visual y se nota en rasgos faciales de ciertos personajes. Era muy mexicano sin ser nacionalista”. Ello se verá en obras como Niño con perro (1941), La tarde (1951), Paisaje en rojo (1952), Tres fumadores (1956), Figuras yacentes (1995), entre otras.

Su propio marchante

La personalidad reservada de Martínez lo llevó incluso a abandonar a su única representante en el mercado, Inés Amor, de la Galería de Arte Mexicano. De la mano de Federico Cantú llegó en 1943 a la que fue la primera galería de la ciudad, y a pesar de que su obra circulaba bien entre coleccionistas, 20 años después decidió representarse a sí mismo, ser su propio marchante.

Lo hacía desde su estudio; con compradores muy selectos, pues siempre le preocupó el destino de sus pinturas. Lo que hace más difícil pasar por buena una obra falsa. Su hija explica que además de ser muy característico su trazo, él mismo armaba los bastidores con una manufactura casi artesanal y conocía de primera en persona a su comprador. “Era muy especial y no vendía a cualquiera”, dice.

Además de sus cercanos, hizo amistad con los escritores Rubén Bonifaz Nuño, Alí Chumacero, Joaquín Díez-Canedo, Jorge González Durán, José Luis Martínez y Juan José Arreola; y los pintores Juan Soriano, Carlos Mérida, Luis García Guerrero, Fernando Ramos Prida, Vicente Rojo, José Luis Cuevas y Guillermo Meza. Son pocos sus discípulos, pero en su taller dio clases a Lucinda Urrusti.

A casi diez años de su muerte, que se cumplen en enero de 2019, queda el pendiente del Centro Cultural Ricardo Martínez que el gobierno de Marcelo Ebrard prometió al artista y jamás concretó. Aunque había una maqueta y los primeros acuerdos para dar la obra en comodato, al término de la administración en turno, se suspendió el proyecto.

“Cuando Elena Cepeda se fue a Morelos dijo en un momento que podría realizarse allá, pero nosotros ya no quisimos trabajar con ellos porque nos pareció descortés el manejo del proyecto, al dejarlo sin amparo. Espero se pueda retomar con la nueva administración”.

“ÉL ME PIDIÓ EL CATÁLOGO”
“Él me pidió que hiciera el catálogo”, así responde Mark Ruben, quien fuera amigo y médico del pintor Ricardo Martínez, a la Fundación Ricardo Martínez sobre el rechazo al libro-catálogo que realiza desde 2006 para reunir la obra de quien murió en 2009.

Después de que los hijos del artista, a través de la Fundación, publicaran un boletín para avisar a coleccionistas que la investigación de Ruben no tiene validez ni reconocimiento de su institución, el médico aclaró que su intención no es comercial ni apropiarse de los derechos de autor, sino cumplir con una petición personal de su amigo.

“En 2006 apareció una obra falsa en una subasta, entonces Ricardo Martínez me dijo por qué no hace usted un catálogo, yo le dije que un catálogo razonado lo hace una fundación o un museo, y entonces yo le pedí que le preguntara a sus hijos y su respuesta fue un no. Tengo pruebas, tengo correos de su hija Zarina, donde ella dice que no quiere hacer el catálogo.

“Inicié el trabajo en octubre de 2006 y en ningún momento me he puesto como representante de Ricardo Martínez, ni de la Fundación, no he hecho ningún certificado de autenticidad de la obra de Martínez, porque sé que la Fundación es la única que tiene el derecho de dar esa autentificación, y yo lo tengo claro y no estoy peleando los derechos, ellos (los hijos) son los herederos”, comenta Ruben.

Aunque no tiene intención de publicar su catálogo con más de dos mil obras registradas, el médico sí defiende la validez de su trabajo. Indica que se ha dedicado por 12 años a visitar galeristas, coleccionistas y cualquier persona que tenga obra del pintor mexicano para incluirla en el archivo. Cuenta con un número de identificación de la obra e información complementaria de cada pieza.

Ante las quejas de la Fundación para centrar el aniversario del artista en su propia publicación, Ruben propone que podrían complementarse ambos catálogos, con el crédito correspondiente a su trabajo de investigación.

Conoce el Top 10: Películas más taquilleras

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Categoría: Cultura y Espectaculos Creado: 02 Mayo 2018 Visto: 2940

Revista Algarabia titanic Karen Dehesa
¿Alguna vez te has preguntado cuáles son las películas más taquilleras de la historia del cine? Aquí te presentamos una lista con las 10 pelícuas más taquilleras de la historia.

¿Alguna vez te has preguntado cuáles son las películas más taquilleras de la historia del cine? Para que no te quedes con la duda, aquí te presentamos las 10 películas que más han recaudado en taquilla; algunas películas llevan la delantera desde hace décadas y otras son más recientes.

10. Frozen (2013)
1.274.219.009 $ mantienen a Frozen en el décimo puesto del ranking. A pesar de que el guión de la película se cambió radicalmente debido a que los productores se enamoraron de la canción de «Let it go», su éxito es indiscutible.

9. Star Wars: Los últimos Jedi (2017)
La recaudación de 1.332.100.000 $ demuestra que, pase lo que pase, Star Wars siempre es rentable. A pesar de las criticas hacia Rian Johnson y su nuevo giro dentro del mundo de las galaxias, la película supo atraer al público fanático del universo Star Wars a las salas de cine.

8. Harry Potter y las Reliquias de la Muerte, Parte 2 (2011)
Con 1.341.511.219 $, la última película de Harry Potter estuvo durante un tiempo como la tercera película más taquillera de la historia. La leyenda del niño que vivió llegó a su fin y se colocó en este octavo lugar.

7. Vengadores: La era de Ultrón (2015)
1.405.403.694 $ fue lo que recaudó la saga de los héroes más populares de Marvel. La era de Ultrón no recibió tan buenas críticas como la primera entrega, esto se debió a los problemas internos que surgieron durante las filmaciones; por un lado el montaje que quería Joss Whedon y por otro lo que la compañía le impuso. A pesar de sus defectos, la película sirvió para guiar la trama del Universo Cinematográfico de Marvel y convertirla en una de las películas más taquilleras de la historia.

6. Fast and Furious 7 (2015)
1.516.045.911 $ fue lo que el director James Wan logró obtener con la entrega de esta nueva historia. En un principio se pensó que sería la última película de la saga debido a la muerte de Paul Walker. Sin embargo, Fast and Furious sigue adelante colocándose como una de las sagas más populares en el mundo cinematográfico.

5. Los Vengadores (2012)
1.518.812.988 $ dieron fuerza a Marvel Studios para reafirmarse en su fórmula de crossover cinematográfico. Esta primera cinta, dirigida por Joss Whedon, supo colocarse como una de las favoritas de los fanáticos de Marvel. Gracias a esta entrega, el Universo Cinematográfico de Marvel sigue dando mucho de que hablar, sobre todo por la nueva película que se avecina: Vengadores: Infinity War.

4. Jurassic World (2015)
1.670.400.637 $ fue la inmensa cantidad que logró recaudar la cuarta entrega de Parque Jurásico. A pesar de las carreras en tacones por la jungla y los velocirraptors amaestrados, esta película logró convertirse en una de las cintas más taquilleras de la historia.

3. Star Wars: El despertar de la Fuerza (2015)
2.068.223.624 $ avalan la incursión de J.J. Abrams en el universo Star Wars. Esta cinta se rodó en locaciones reales; además se usaron modelos a pequeña escala; se trató de usar lo mínimo de pantalla verde y CGI, con el motivo de hacerla más apegada a las primeras películas. Todo esto la convierten en la tercera película más taquillera de la historia y los fanáticos de la saga lo agradecen.

2. Titanic (1997)
2.187.425.379 $. La inventiva de contar una historia de amor en un barco que se hunde le salió muy bien a James Cameron. En muchos sentidos, esta ficción histórica con tintes románticos se convirtió en algo más que una de las mejores películas románticas de todos los tiempos, digna de un segundo lugar dentro de las películas más taquilleras de la historia.

1. Avatar (2009)
2.787.965.087 $ es lo que logró recaudar Avatar de James Cameron, quien tiene el honor de contar con dos de sus películas en los primeros lugares de este top 10.

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